¿Hay algo que dé más bajón que un domingo? Sí, un domingo recordando la cabecera de ‘Marco’. Sólo con este minuto y medio de presentación ya podíamos hacernos una idea del dramón que se nos presentaba: un niño pobre, una humilde morada, una madre que tiene que marcharse. Una temática sin duda nada amable y especialmente dura para tratarse de una serie para niños. Fuji TV, el canal japonés (el mismo que ofreció la adaptación del relato de ‘Heidi’ para televisión con idénticos resultados lacrimógenos), parecía empeñado en hacernos sufrir a toda costa. Debido a sus múltiples reposiciones y su trasiego por diferentes canales (originariamente se emitió en TVE, después pasó por las privadas), varias generaciones de chiquillos quedaron marcados para siempre y aún se encogen al escuchar esta triste melodía…

Los japoneses y su afición por los dramas infantiles

‘Marco, de los Apeninos a los Andes’ (también ‘Tres mil leguas en busca de mamá’) estaba basada en un relato de 1886 escrito por Edmundo de Amicis. De nuevo como ‘Heidi’ fue otra producción de los estudios Nippon Animation realizada en 1976 para el programa contenedor ‘World Masterpiece Theater’. La fórmula se repetía cada año, desde 1974: la productora convertía un clásico literario infantil en serie animada para su emisión en este espacio infantil. Muchas de ellas no sólo funcionaron en Japón si no que se exportaron a medio mundo. Marco, además tuvo su propia película de anime en 1999, amén de otras adaptaciones cinematográficas anteriores (incluso una versión en cine mudo de 1916) o para la televisión, como la que ofreció Antena 3 el pasado año en formato mini-serie.

Nippon Animation ha llevado así a la pantalla un total de 25 obras literarias, la mayoría situadas entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX. En España vimos muchas de ellas años después gracias a las privadas: ‘Jackie y su mascota’ se emitió en 1995 dentro de la programación de ‘Megatrix’; ‘Ana de las Tejas Verdes’ se estrenó en 1991 en Superguay, el programa contenedor presentado por parte del clan Aragón; la última sería ‘Los chicos de Jo’, la secuela de Hombrecitos y Mujercitas que emitió Antena 3 en 1994. A partir de ese momento no nos llegaron más producciones, aunque los estudios siguieron a pleno rendimiento hasta 1997. Entonces apostaron por una versión del clásico ‘Remy, la niña sin hogar’, y, tras un parón de diez años regresaron para producir, la adaptación del celebérrimo Los Miserables, de Victor Hugo y ‘El largo viaje de Porphy’, basada en una historia sobre huérfanos cuyos hogares quedaron destruidos por un terremoto. Insisto: ¿por qué los japoneses se empeñan en convertir los recuerdos televisivos de los niños en un infierno melodramático?

Marco, una historia sobre el drama de la emigración

La trama principal de Marco se basaba en lo que a los ojos de cualquier niño es una tragedia. Marco tiene que enfrentarse, con tan sólo trece años, a la partida de su madre, obligada a emigrar de Italia a Argentina (de los Apeninos a los Andes) debido a la crisis económica que afecta al país a finales del siglo XIX. Y este es, sin duda, el trasfondo más duro de la historia; La obra literaria original reflejaba una realidad que sufrieron muchas familias italianas, que emigraron a América buscando un futuro mejor. Una realidad que aún tiene implicaciones en la cultura popular televisiva de nuestros días, salvando las distancias, con hitos como los guidos de ‘Jersey Shore’, cuyo origen se remonta a anteriores generaciones de emigrantes italianos.

Tras un año de ausencia, la familia de Marco deja de recibir las cartas de la madre, que trabaja de sirviente en una casa. Lo último que Marco sabe de ella es que ha caído enferma (probablemente de pena), por eso, alertado por la falta de noticias, decide emprender un larguísimo viaje (de tres mil leguas) y 52 episodios para buscarla con la única compañía de su mono Amedio. Pero la mala suerte le persigue: cada vez que cree estar cerca de su madre, ella se ha trasladado. Sin embargo, nunca perdía la esperanza (ya nos advertía que él la encontraría, sin importar donde fuera). Tras un eterno trayecto (en barco, tren, carromato y hasta a pie), consigue localizarla en Tucumán. Está gravemente enferma y se niega a operarse, hasta que, por fin, vuelve a abrazar a su hijo. Quizás, el recuerdo televisivo con más llantos y mocos de varias generaciones (junto a aquella otra visión de Clara andando por los verdes prados suizos).

Afortunadamente, este final sirvió para quitarnos el regusto a tristeza que nos había dejado la serie, pero cualquiera que la haya visto siendo un niño no podrá evitar ahora recordar a Marco con pena. Aún con todo, esta serie formó parte de esa generación de dibujos animados cuyo leitmotiv era transmitir valores humanos y enseñarnos una valiosa lección: que un espíritu fuerte y decidido como el de Marco puede conseguir prácticamente cualquier cosa, y que no hay obstáculos insalvables (ni siquiera cruzar medio mundo siendo sólo un niño) que puedan impedirlo. Y que madre sólo hay una, por supuesto.

Ficha Técnica: Marco

Título Original: 母をたずねて三千里 Haha wo tazunete sanzenri

Género: Anime

Cadena: Fuji TV (1994-1995)

Emitida en España: TVE, Antena 3, Telecinco

Disponibilidad DVD: Serie completa

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Mediados de los noventa en… ¿dónde si no? La 2 de Televisión Española. Siempre era agradable ver comenzar alguna serie nueva y ¿quien sabe? lo mismo era un nuevo pelotazo. Y la verdad es que la premisa era una de esas cosas rarunas que tienes el privilegio de ver de pequeño, algo que, la verdad, desde ‘Beetlejuice’ echaba algo de menos en forma de dibujos animados. Estoy hablando del loco que decidió montar una pajarería en un castillo: ‘La Pajarería de Transilvania‘.

Esta serie de dibujos animados fue una coproducción francobritánica realizada entre 1994 y 1998, contando con un total de cinco temporadas y 52 episodios. La serie fue creada por Tony Barnes, responsable de Roger Mellie y ‘The Baskervilles’, entre otras cosas. ‘La Pajarería de Transilvania’ fue estrenada primeramente en Francia (a través de TF1) para después ser emitida en ITV1 de Reino Unido.

En un castillo había una pajarería

‘La Pajarería de Transilvania’ (‘Dr. Zitbag’s Transylvania Pet Shop’ en inglés y ‘Dr. Globule’ en francés) seguía al Dr Sidney Granudo (Zitbag en el original) un científico loco que es despedido de los Almacenes Horrendo. Sin embargo, ni corto ni perezoso, decide montar una pajarería en el interior de un gran castillo, propiedad de Huesudo (Horrifido), un perro esqueleto.

Sidney montará su negocio creando diversos seres para que sirvan de mascotas a los diversos habitantes de Transilvania. Todo esto bajo el control/ayuda/lo que sea de las Exorsisters (Bimbela y Sinistra) y el acecho del Agente Perezosa, quien buscará cerrarle el negocio en cuanto tenga una excusa para hacerlo.

Lo que a mí más me llamaba la atención de ‘La Pajarería de Transilvania’, independientemente ya de su calidad, es ese gran “bestiario” con el que contaba. Con muchos monstruos siendo muy en plan “si juntamos este animal con este ¿qué surge?”. Otro gran acierto es, además, la dinámica entre los personajes que, si bien no deja de ser algo muy tópico de la animación, hay que saber desarrollar. Y en esta serie funciona.

Lo que no me terminaba de convencer era la calidad de la animación, que era un poco pobre, sobre todo si comparabas con producciones americanas. ‘La Pajarería de Transilvania’ es, por lo general, una serie muy divertida. Y la verdad es que yo para este tema de monstruos siempre soy algo fácil y el hecho de tener ya bastante visto la otra gran serie de este género como es ‘Beetlejuice’ hizo que me resultara una serie bastante refrescante.

Ficha Técnica: La Pajarería de Transilvania

Título Original: Dr. Zitbag’s Transylvania Pet Shop

Género: Anumación

Cadena: TF1 (1994-1998)

Emitida en España: TVE

Disponibilidad DVD: Serie completa

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En nuestro Nostalgia TV de hoy os traemos una serie de los ochenta que, siendo una sitcom, estaba enfocada al público familiar y pretendía, con unos planteamientos muy blancos, reunir bajo el mismo televisión a abuelos, padres y niños. Se llamaba ‘Webster’, había sido creada por Stu Silver (quien también trabajó en la famosa ‘Enredo’) y se emitió en Estados Unidos a lo largo de seis temporadas y 150 capítulos entre 1983 y 1989.

Algo que inmediatamente nos viene a la memoria cuando pensamos en ‘Webster’ es su comparación con otra serie norteamericana de temática muy similar. ‘Arnold‘, como se conoció en España a ‘Diff’rent Strokes’, fue la serie que encumbró al ya fallecido Gary Coleman. ‘Arnold’ fue una producción anterior, por lo que los más bienintecionados hablan de ‘Webster’ como de la hermana pequeña de ‘Arnold’, mientras que otros comentan directamente que era una descarada copia.

Melodrama y comedia

‘Webster’ nos contaba la historia de Webster Long, un niño de siete años cuyos padres biológicos morían en un accidente de tráfico. En ese momento, el matrimonio formado por Katherine y George Papadapolis lo adoptaban, pasando a integrar una unidad familiar de tres. El hecho más llamativo respecto a esta premisa, algo que ya se jugaba en ‘Arnold’, era que Webster era un niño negro mientras que sus padres adoptivos eran blancos. Algo que, hoy por hoy, ni nos llama la atención ni nos parece destacable pero que en la sociedad de la época fue toda una revolución a nivel televisivo.

A pesar de ser una comedia, ‘Webster’ contaba con muchos elementos melodrámaticos. En primer lugar, el hecho de que un niño quede huérfano no parece una perspectiva muy cómica per se. La serie nos explicaba que el padre biológico de Webster, Travis, había sido compañero de equipo de George (ambos eran jugadores de fútbol americano)y, por ello, el matrimonio Papadapolis decidía acoger al niño.

Las situaciones de humor se producían por el cambio de planteamiento vital que suponía que un matrimonio joven y con aspiraciones “modernas” que vivía de una manera independiente, sin hijos, sin responsabilidades más clásicas y volcado en su ocio sufriera inesperadamente la llegada de un nuevo miembro familiar al que cuidar, proteger y educar: un hijo. Un niño, además, que resultaba muy adelantado y maduro para su edad.

Otros elementos dramáticos se jugaban en la serie. Por ejemplo, sobre todo en las primeras temporadas, era muy destacable la presencia del personaje de Phillip Long, interpretado por el actor Ben Vereen. Phillip era tío de Webster, no estaba conforme con la nueva situación familiar del niño y, en numerosas ocasiones, trató de adoptar al chico y llevárselo a vivir con él. Finalmente, el personaje se mudaba a Hollywood a comenzar una carrera actoral y, de alguna manera, olvidaba su primer objetivo.

Además, en la segunda temporada, Webster era el autor de un incendio, accidental, por supuesto, que acababa con la vivienda familiar. Algo que tampoco es que dé mucha risa. Por supuesto, esto no era más que una necesidad de producción que decidió cambiar el apartamento en el que vivían los tres personajes por una casa victoriana en Gold Coast, Chicago.

Los personajes

El protagonista, sobre el que giraba la mayor parte de la acción, era, como no, Webster, interpretado por el actor Emmanuel Lewis. Gran parte del éxito del personaje venía por su interpretación. La movilidad, la gestualidad del personaje eran las de un adulto, sobrepasando las expectativas que se podían tener en un niño. Tenía perspicacia, inteligencia y mucha sagacidad para su edad. Como muchos sabéis, esto se debía en parte a que, en la vida real, Lewis tenía trece años, y no los cinco que figuraba su personaje. Una enfermedad renal era la causante de su aniñada apariencia. Un hecho todavía hoy enormemente polémico porque muchos no veían con buenos ojos que la cadena aprovechara una trágica circunstancia para conseguir un personaje más resultón. Una curiosidad es que Lewis fue descubierto en un anuncio de Burger King.

Junto a la estrella que hacía brillar todo el show, el contraste pero, al mismo tiempo, la complementariedad, venía de la mano de los padres adoptivos. Una pareja a la que le “caía del cielo” un hijo con el que no contaban y que trastocaba sus vidas. Algunos han comparado a este matrimonio con una revisitación de los personajes de Katherine Hepburn y Spencer Tracy en ‘La mujer del año’.

George, el padre, interpretado por el ya fallecido Alex Karras, era un jugador de fútbol americano retirado que, en la actualidad, se había reconvertido en comentarista deportivo. Era rudo, bárbaro y un tanto bruto. En realidad, respondía a ese estereotipo de hombre de apariencia dura que esconde un gran corazón y muy nobles intenciones. Era muy curiosa su relación con Webster. Puesto que, aunque ejercía como padre y era un hombre protector y cariñoso, también eran famosos las situaciones de “pique” que se producían entre padre e hijo. Casi como si de dos macho alfa se tratara, muchas veces asistíamos a diálogos en los que competían por ser los más ingeniosos y certeros.

La tercera pata de esta silla era la esposa, Katherine, interpretada por la actriz Susan Clark. Katherine suponía un modelo de mujer poco habitual en la ficción de la época, puesto que era una ama de casa un tanto patosa, sin ninguna habilidad para las tareas domésticas. De hecho, muchas situaciones de comedia se producían cuando quemaba la comida o confundía los productos de limpieza. Se trataba de una mujer culta y sofisticada, que siempre vestía con elegancia y que ejercía (algunas veces)como sicóloga.

La blancura de los 80

‘Webster’ pertenece a ese tipo de serie de humor muy blanco, con conflictos cotidianos y situaciones familiares en la que los personajes nunca sacaban demasiado los pies del tiesto. Es un modelo de ficción que hemos visto repetido cientos de veces con una moraleja al final del capítulo que nos “enseñaba” sobre lo bien que van las cosas cuando todos se comportan del modo adecuado.

En ese sentido, resultaba bastante tradicional e incluso, en ocasiones, tenía una moralina un tanto cursi. Eso sí, la carga no siempre recaía sobre el niño, sino que, precisamente muy a menudo, los que realmente se equivocaban en su forma de comportarse eran los padres, pues vivían en un mundo adulto lleno de convenciones preestablecidas, que no siempre resultaban las más correctas y justas.

Ficha Técnica: Webster

Título Original: Webster

Género: Sitcom

Cadena: ABC (1983-1987)

Emitida en España: TVE

Disponibilidad DVD: Cuatro temporadas

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A finales de los 90, parecía que el ideal de mujer profesional moderna que aparecía en todas las revistas femeninas (Cosmopolitan la primera) era el personaje que interpretaba Callista Flockhart en ‘Ally McBeal‘: una abogada algo excéntrica, que andaba a la búsqueda del hombre ideal y que tenía unos sueños muy musicales y vívidos. De alguna extraña manera, Ally terminó convertida en la imagen de la mujer trabajadora de éxito a finales de los 90 para todas esas revistas femeninas (aunque también recibió muchas críticas justo por ello), cuando no era más que la protagonista de una comedia de abogados bastante particular creada por David E. Kelley. Éste no era ningún recién llegado a televisión, pues ya había creado con anterioridad ‘Un médico precoz‘, ‘Picket Fences‘ y ‘Chicago Hope‘, y había empezado a foguearse escribiendo para ‘La ley de Los Ángeles‘. Sin embargo, ‘Ally McBeal’ tenía un tono bastante más ligero y un humor más particular, que Kelley emplearía después en ‘Boston Legal‘.

La serie debutó en el otoño de 1997, una temporada que muchos expertos consideran como la más floja de las últimas décadas en cuanto a estrenos, ya que sólo siete de ellos fueron renovados por una segunda temporada y sólo ‘Ally McBeal’ y ‘Dharma & Greg‘ pasaron de la tercera (llegaron ambas hasta la quinta). Su punto de partida era la llegada de Ally al bufete de abogados de Boston Cage & Fish, donde descubre que trabaja también su ex novio Billy, que está casado con una de las abogadas que trabajan allí. Los empleados son todos bastante peculiares, empezando por los dos socios, Richard Fish, un tipo excéntrico con debilidad por las mujeres fuertes (y maduritas), y John “Bizcochito” Cage, que tiene varios tics para dominar su nerviosismo, como bailar canciones de Barry White en el baño unisex de la oficina.

El “bebé bailarín”

Los casos que Cage & Fish llevaban también tenían su lado excéntrico, y abrían la puerta a que llegaran personajes como el transexual que interpretó en un momento Lisa Edelstein o para unos jueces todavía más peculiares, verdaderos precedentes de los que podemos ver ahora en ‘The Good Wife‘. Lo más curioso del asunto es que, a pesar de su tono, ‘Ally McBeal’ tuvo varios crossovers con otra serie de Kelley, ‘El abogado‘, que era mucho más seria y en la que no había hueco para el bar donde los abogados de Cage & Fish iban al final de su jornada, un bar que también se convirtió en una de las principales señas de identidad de la serie. Además de estar allí Vonda Shephard, autora de la canción de los créditos y que aportaba gran parte de la música a la serie, pasaron todo tipo de invitados especiales, desde Tina Turner al propio Barry White, y casi todos los actores se subieron al escenario del bar en un momento u otro.

La recepción

‘Ally McBeal’ fue un gran éxito para FOX desde el momento en el que se estrenó, con algo más de once millones de espectadores de media. Podía no ser mucho en 1997, pero la cadena entonces aún no había encontrado su particular gallina de los huevos de oro, ‘American Idol‘, y aquella audiencia le venía muy bien. Callista Flockhart se convirtió de la noche a la mañana en una estrella y, como decimos, la serie fue atacada y adorada a partes iguales por su retrato de Ally. Hizo conocidas también a Lucy Liu y Portia DeRossi, y hasta revitalizó la carrera de Robert Downey Jr., que estaba bastante olvidado a finales de los 90 por sus problemas con la justicia. De hecho, sólo participó en la cuarta temporada porque sus adicciones varias lo llevaron a la cárcel.

En España, ‘Ally McBeal’ es de las pocas series extranjeras que triunfaron de verdad desde la implantación de las cadenas privadas, en 1990. Sin embargo, como ocurrió en Estados Unidos, ese gran éxito no fue demasiado longevo. Al final de la tercera temporada, las audiencias empezaron a flojear, y aunque se recuperaron un poco con el añadido de Downey Jr. como el psiquiatra/novio de Ally, no consiguieron aguantar en la quinta, ni con Jon Bon Jovi como nuevo personaje. FOX acabó cancelándola al final de aquella entrega, teniendo los capítulos justos para poder vender sus derechos de sindicación.

Curiosamente, a pesar de su éxito inicial y de que es una de las series que más se recuerdan de los 90, ‘Ally McBeal’ no estuvo disponible en DVD hasta hace un par de años. La gran utilización de canciones de todo tipo encarecía enormemente su publicación en ese formato y, de hecho, parecía que por culpa de los derechos musicales acabaría quedándose en el limbo. Sin embargo, al final, el bebé bailarín sí que puede dar varios (inquietantes) pasos en los reproductores de DVD de los fans.

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Imaginad: la televisión, años 90. Mientras Telecinco nos alegraba el mediodía con una hiperactiva Leticia Sabater disfrazada de adolescente rapera y en Antena 3 triunfaba un rapero de verdad, TVE hacía un ejercicio alternativo de idiosincrasia humorística y nos amenizaba los mediodías con su concurso ‘No te rías que es peor’, por el que pasaron alguno de los cómicos más bizarros que ha dado este país. Este concurso ligero, de humor soez al que acusaron de mal gusto (aún no se había inventado ‘Sálvame’ ni ‘Crónicas Marcianas’) llegó a petarlo en audiencia.

Prohibido reírse

Ni de las chaquetas de purpurina de Pedro Reyes o de sus gruñidos ininteligibles; ni de la indignidad del Señor Barragán o del atuendo de Jaimito Borromeo (o el concepto mismo de un señor mayor disfrazado de esa guisa). Cierto que los chistes no eran siempre graciosos pero tampoco lo eran los de Chiquito de la Calzada y aún así forma parte de ese ideario colectivo, junto a otros personajes que autocombustionaron televisivamente. Los concursantes tenían que superar el reto de ni siquiera insinuar una media sonrisa ante este planteamiento tan kitsch.

Supongo que cada cuál tendría su técnica (morderse los mofletes por dentro, pensar en gaticos muertos…) pero lo cierto es casi todos lo conseguían (o, como mucho, eran penalizados con algún punto). El equipo de humoristas (que iban variando aunque hubo algunos que se quedaron en míticos) proponían distintos shows con los que ponían a prueba el agunte de los participantes: chistes malos, improvisación, el humor absurdo y dadá de Pedro Reyes (tanto va el cántaro a la fuente que al final, se compra un bonobús) y personajes basturrones como Marianico ‘El Corto’.

El ritmo del programa era bastante rápido, teniendo en cuenta que todo se resolvía en los treinta minutos que tarda de media un español en comer. De una primera ronda de actuaciones express se pasaba al panel de TEBEO doble, un juego de memoria bastante básico. En La Cacharrería, concursantes y humoristas debían encontrar usos alternativos a objetos elegidos en modo random entre el público. Los concursantes debían tener, además, cierta vis cómica, ya que tenían que enfrentarse en un duelo del humor en el que el objetivo era hacer reír a su oponente. Superadas todas las pruebas, el finalista no las tenía todas consigo. Podía acabar ante el panel de premios llevándose un jamón o un desatascador de goma.

Con la firma de La Trinca y muchos rostros conocidos

La producción corría a cargo del dúo Mainat-Cruz, o lo que es lo mismo, Gestmusic (‘Crónicas Marcianas’, ‘Operación Triunfo’) o dos de los tres integrantes del grupo cómico La Trinca, presentes sólo un año antes en parrilla con su mítico ‘Tariro, Tariro’. Para el arranque de ‘No te rías que es peor’ en octubre de 1990 eligieron a Jordi Estadella, que venía de TV3 y daba el salto así a la televisión nacional. Pronto saltaría mucho más alto presentando ‘Un, dos, tres, responda otra vez’, por el que dejaría el programa sólo un año después de su inicio.

Le sustituyó Ramón García, que lo dejó por ‘¿Qué apostamos?’ en 1993 (iniciando así esa era de TVE en la que Ramón y su capa eran casi una institución). Entonces tomó las riendas un actor, Miguel Ortiz (‘Periodistas’), que alternó su carrera con algunas experiencias como presentador. La última etapa del programa hasta su retirada de la parrilla fue conducida por Miriam Díaz Aroca, justo después de haber hecho la payasa (literalmente) en ‘Un, dos tres…’ precisamente junto a Estadella. Tras casi cinco años en antena, su humor dejó de ser aceptable y cayó en junio de 1995, víctima de un plan estratégico de reestructuración del ente.

Pero si por algo será recordado siempre este concurso es por la actuación estelar de un entonces anónimo Santiago Segura, que andaba de plató en plató buscando autofinanciación. Además de en éste, se metió en otros embrollos como ‘Vivan los novios’ y, actualmente, en ‘Tu cara me suena’.

Ficha Técnica: No te rías que es peor

Título Original: No te rías que es peor

Género: Concurso

Cadena: TVE (1990-1995)

Disponibilidad DVD: No

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No sé vosotros, pero yo cuando era pequeñaja era muy voluble con eso del qué quieres ser de mayor. Doogie Howser hacía que quisiese ser médico precoz, ‘SeaQuest’ me creaba la necesidad inaguantable de hacerme vigilante del fondo del mar, y de paso tener un amigo delfín, y con ‘La Pandilla Plumilla’ quería teletransportarme a esa redacción, moverme de un lado a otro con papeles e investigar historias dignas de un reportero con 30 años de experiencia. Claro, así me llevé tal chasco tremendo al entrar en el periódico del instituto.

‘La Pandilla Plumilla’ es la absurda y ridícula traducción española de ‘Press Gang’, una serie británica de principios de los 90 que se emitió durante cinco temporadas en ITV y giraba en torno a la redacción de un periódico de instituto llamado ‘Junior Gazzette’. En España, fue Canal + la que trajo a los plumilla a sus franjas de emisión en abierto.

Una serie juvenil nada ligera

Huyendo de la estructura típica de los dramas adolescentes, y a pesar de que la trama principal que cabalgaba entre temporadas era la tensión sexual entre sus dos protagonistas, cada episodio se centraba en un par de casos periodísticos de diferente naturaleza. No dudaban en salirse de la línea con temas oscuros, homenajes, parodias y, en general, un tono y forma que no trataba a su público objetivo de retrasado, como es el caso actual en bastantes ocasiones.

Así comienza ‘Press Gang’

Uno de estos delincuentes es Spike, que llega a la redacción pinchando a Lynda, la editora jefe desde el primer día, un tira y afloja que se mantuvo durante toda la serie. En el episodio a episodio, los muchachos se dedicaban a buscar historias para el periódico, que iban desde curiosidades chorras hasta asuntos serios como el abuso a menores, las drogas o las armas.

Jóvenes a los que admirar

Linda Day (Julia Swalha) era la jefaza. Era inteligente, decidida, algo arrogante y tenía un pelo noventero estupendísimo. Su eterno compañero de tensión sexual era Spike Thompson (Dexter Fletcher) el típico chuleta a lo Zack Morris, de hecho el personaje era americano, al que rechazaba constantemente, motivada únicamente por su futuro como periodista de investigación.

El resto de la pandilla lo formaban Kenny (Lee Ross) un gran amigo de Linda y su ayudante en la redacción, Colin (Paul Reynolds) el encargado de la publicidad y las finanzas, Julie (Lucy Benjamin), la diseñadora gráfica que posteriormente fue sustituida por Sam (Gabrielle Anwar), Sarah (Kelda Holmes), la redactora principal y Frazz (Mmoloki Chrystie), un colega de Spike también forzado a trabajar en el periódico y que se dedica al horóscopo.

El final

Ficha Técnica: ‘La Pandilla Plumilla’

Título Original: Press Gang

Género: Dramedia adolescente

Cadena: Canal + (1990-1995)

Disponibilidad DVD: Importado, sí

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Es, sin lugar a dudas, la primera gran serie de imagen real de Marvel. Y aún hoy, más de treinta años después desde su final, su influencia en la cultura pop sigue latente y su recuerdo presente en toda una generación de seriéfilos. Hoy en Nostalgia TV voy a hablaros de ‘La Masa‘ (‘The Incredible Hulk’), serie que CBS emitió entre 1977 y 1982 contando con cinco temporadas y más de ochenta episodios.

‘La Masa’, como se conocía a Hulk hasta mediados-finales de los ochenta, cuenta la historia de David Banner (Bill Bixby, nominado a Emmy por ‘Buscando una novia a Papá’ y ‘Hombre rico, Hombre pobre’), un científico que, atormentado por no haber podido evitar la muerte de su esposa en un terrible accidente de coche, comienza a investigar sobre situaciones en las que el cuerpo humano desarrolla superfuerza.

Investigando, Banner comienza su experimentación con radiación gamma, la cual eventualmente le convierte en Hulk/La Masa (Lou Ferrigno pintado de verde y con pelucón con un tono algo más oscuro), una fuerza de destrucción sobrehumana. Tras una terrible explosión que acaba con su ayudante de laboratorio, Banner debe huir ante la insistente persecución del reportero Jack McGee (Jack Colvin), quien le acusa del asesinato de su ayudante.

La búsqueda de Marvel de una serie de éxito

Prácticamente desde que una tímida Timely Comics diese el visto bueno para un serial cinematográfico de Capitán América allá por los años 40, la empresa que después sería conocida como Marvel ha buscado siempre sacarle partido a sus personajes más allá de los cómics. Sobre todo yendo a la zaga de DC cuyos seriales de Superman y Batman eran lo más seguido durante la edad de oro del cómic.

Marvel lo intentaría casi desde el inicio de su Universo Marvel (situado en la creación de ‘Los 4 Fantásticos’ en 1961), pero tendría muchos más fallos que éxitos. Alguna tímida animación, y alguna que otra serie de duración muy breve, incluyendo un proyecto fallido sobre Daredevil y Viuda Negra que sería encarnada por Angela Bowie, quien fuera primera opción para Wonder Woman hasta que apareció Linda Carter por los estudios de ABC.

Corrían los años setenta y los réditos de ‘Batman’ ya se estaban agotando, pero había cierto apetito en torno a lo superheroico en prime time. De hecho a mediados de los setenta DC, apoyada por una Warner Bros recién absorbida en un proceso empresarial la mar de complejo por el mismo grupo que poseía la editorial, lanzó dos series de mediano éxito: la ya nombrada ‘Wonder Woman’ en ABC y ‘Shazam!’ para CBS.

En 1977 Marvel decidió que ya era hora de hacer algo medianamente decente. Esta decisión le llevaron a sendos contratos con Columbia Pictures y Universal para desarrollar series para CBS. Con la primera realizarían ‘The Amazing Spider-Man‘ que duraría catorce episodios distribuidas de aquella manera en dos temporadas. Con la segunda realizarían su primer gran éxito televisivo: ‘The Incredible Hulk‘.

‘Los Miserables’ y superhéroes o cómo adaptar sin adaptar

Cuando Kenneth Johnson (creador de ‘V‘ y ‘El hombre de los seis millones de dólares’) se encontró con que CBS y Universal querían que hiciera la adaptación de ‘The Incredible Hulk’ lo rechazó. Sin embargo fue la lectura de ‘Los Miserables‘ de Victor Hugo con la implacable persecución de Jean Valjean a manos de un infatigable Javert lo que le dió la inspiración y enfoque para esta serie. Y lo bien que había funcionado ‘El Fugitivo’ le alentaron para trabajar en esta dirección.

Así pues Banner sería para McGee lo que Valjean para Javert, su cruzada personal. Claro que con muchas diferencias (cuán mejor hubiera sido que Valjean se convirtiera en un coloso esmeralda… el musical molaría un gritón de veces más). Eso sí, desde el minuto uno Johnson se quiso distanciar del cómic creado por Stan Lee (que en aquella época guionizaba Roger Stern, si no me equivoco) diferenciándolo lo suficiente para que el espectador medio no lo viese como una adaptación de un cómic.

• Bruce Banner pasaría a llamarse David Banner. La razón oficial es que Johnson quería deshacerse de la típica aliteración de las iniciales típica del cómic (Peter Parker, Matt Murdock, Lois Lane). Sin embargo Stan Lee en una de sus declaraciones “qué cachondo soy” dice que la verdadera razón era porque le sonaba demasiado gay. Esto ha sido ratificado por Lou Ferrigno en los extras del DVD.
• Banner pasaba de ser un introvertido científico nuclear que trabaja para el ejército a ser un atormentado viudo que busca una solución a su tormento a través de una investigación médica.
• Los poderes de Hulk también se vieron mermados. Fuerza mucho menor y podría ser herido e incluso matado, sin embargo poseía un buen factor de curación.
• Además también se elimina la mayor parte de los clásicos secundarios del cómic: Ni Betty ni Thunderbolt Ross y ni siquiera Rick Jones.
• Hubo otro cambio que pretendía realizar Johnson, pero aquí fue Marvel la que no dio su brazo a torcer: Johnson quería que Hulk fuera rojo en vez de verde, ya que le parecía un color mucho más natural.

‘La Masa’, una serie mítica

A pesar de los cambios que harían a más de uno rasgarse las vestiduras, la fórmula ideada por Johnson funcionó, y mucho. Su doble piloto (o más bien dos tv movies tituladas ‘The Incredible Hulk’ y ‘The Return of the Incredible Hulk’) fue distribuido a más de sesenta países. En algunos de estos, como es el caso de España y Francia, aparecería en 1980 un montaje para su estreno en cines en julio de ese año (bajo el nombre de ‘La Masa. Un Hombre increíble’), sirviendo de “sonda” para la posterior emisión de la serie por parte del “Segundo Programa” de TVE a partir del 1 de febrero de 1981 (en la sobremesa de los domingos).

En CBS se emitió en una noche que hoy en día es un cementerio televisivo pero que en esa época funcionaba bastante bien. ‘Incredible Hulk’ abría, ya en 1979, una noche de los viernes acompañada por los ‘Dukes of Hazzard’ y ‘Dallas’. Su éxito duró hasta su quinta temporada, cuando fue cancelada al no lograr reunir una audiencia suficiente en su nueva noche.

Tras la cancelación los productores de la serie no se dieron por vencidos y a finales de los ochenta plantearon tres telefilmes secuela de la serie. Johnson se desvinculó de estas secuelas que serían emitidas por NBC (y aquí por Telecinco), siendo un campo de pruebas para el Universo Marvel. Así en ‘El Regreso de la Masa‘ (1988) nos encontraríamos con un indescriptible Thor; en ‘El Proceso de la Masa‘ (1989) aparecería Daredevil y en ‘La Muerte de la Masa‘ (1990) estaba pensada la aparición de Iron Man y Hulka (desechada por falta de presupuesto).

Hubo varios proyectos para una cuarta película en preparación, ‘Revenge of Incredible Hulk’, incluyendo una historia que, según se rumoreó, serviría de piloto para una futurible serie de Los Vengadores, sin embargo varios problemas, incluyendo la muerte de Bill Bixby a causa del cáncer, hicieron cancelar el proyecto.

Guardo un especial cariño a ‘La Masa’ o ‘El Increíble Hulk’ como está editada en DVD ya que quizás es una de las series más llamativas de la época (aun en sus reposiciones de los noventa, cuando descubrí la serie). Independientemente de los cambios (bastante más sólidos de los que uni pueda pensar), Kenneth Johnson respetó mucho el fondo y los temas principales que siempre se han tratado en el cómic. Esa dualidad, ese Jekyll y Mr. Hyde, que ve su reflejo en el mundo nuclear. Una serie con unos momento muy bien trabajados y del que no se puede negar su gran presencia en la memoria colectiva.

Ficha Técnica: La Masa

Título Original: The Incredible Hulk

Género: Drama, ciencia ficción

Cadena: CBS (1978-1981); NBC (TV Movies: 1988-1990)

En España: TVE 2

Disponibilidad DVD: Completa (En España bajo el nombre ‘El Increíble Hulk’)

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Un día de lluvia, se encuentran con Licia el bueno de Jorge y su gato…

Qué estupendo era que llegara la hora de la merienda, con su vasito de leche, sus ensaimadas, sus bocadillos de Nocilla, su bolsa de gusanitos de a duro o su todo junto para lograr la indigestión perfecta. Y qué estupendísimo disfrutar de esa merienda con tus dibujos favoritos, esos que ya no eran tan infantiles, sino que trataban algunos temas más de “mayores”.

Las series anime de los 90 en Telecinco nos abrieron a un nuevo mundo y a una nueva concepción de lo que podía ser una serie de dibujos animados. Estábamos acostumbrados a historias divertidas, coloridas, tiernas, imaginativas pero sin un componente emotivo adulto. Quiero decir, los temas de los dibujos animados podían ser enormemente adultos: la ecología, la diferencia entre el bien y el mal, las relaciones familiares… pero apenas tocaban un elemento, el amoroso, que resultaba fundamental para unos pre-adolescentes que no querían dejar de ver dibujos animados y ya no eran capaces de renunciar a cierto tipo de historias.

Dibujos animados y amor adolescente

‘Bésame Licia’ es una serie japonesa, una comedia romántica, para ser más exactos, dirigida por Osamu Kasai en 1983. En su versión original, se llamó ‘Ai Shite Night‘ (cuya traducción original vendría a ser ‘Noche de amor’) y constó de 42 capítulos producidos por Toei Animation. La serie estaba basada en el manga de siete volúmenes creado por Kaoru Tada, una publicación shojo cuya primera edición data de 1982. En España, no pudimos verla hasta 1992, mucho tiempo después, pero, a pesar de que el trazo del dibujo podía parecer antiguo en muchos casos, su temática y estructura argumental conquistó al público.

Esta serie de dibujos era una auténtica telenovela por mucho que su diseño fuera de vivos e infantiles colores. Recuerdo como una agradable sorpresa la llegada de este tipo de series que trataban los importantísimos problemas adolescentes derivados del amor y que me parecían una evolución respecto al dibujo, al que por supuesto también adoraba, que se centraba más en los golpes y porrazos o las aventuras. El contenido me resultaba fascinante: una chica de origen humilde que entra en contacto con un mundo más glamouroso pero también lleno de malicia e intereses. Dos chicos luchando por su amor, tensión sentimental por un tubo.

La historia de la serie nos hablaba de Licia, una chica buena y humilde, trabajadora y optimista que vivía junto a su padre en un restaurante, el ‘Mambo” (respecto al que siempre tuve el deseo frustrado de comerme una de las tortas que preparaban) y cuya vida cambiaba al conocer a Jorge, un niño huérfano, que vivía con su hermano Sergio pero al que su carrera de músico de rock (sí, guau) no le permitía pasar mucho tiempo con Jorge. Como dice la canción, un día de lluvia, Licia encontraba a Jorge y su gato perdidos en un parque, los llevaba al restaurante de su padre y allí, casi inmediatamente, los convertía en miembros de su familia.

Hechuras de telenovela

Cuando el hermano mayor de Jorge, Sergio, conocía a Licia, se producía un intenso fogonazo de atracción con una tensión sensual que ríete tú de las series adultas. Licia y Sergio tenían un mal comienzo y parecían odiarse a muerte pero, en realidad, se enamoraban el uno del otro y sus destinos se entrelazaban. Pertenecían a mundos distintos: la humilde y luchadora clase trabajadora de una Licia muy ama de casa y la frenética exposición de la estrella pop de Sergio, líder de la banda de rock Bee Hive.

Pero resulta que toda esta historia se veía complicada por la aparición de terceros en discordia. Mucho antes de que Sergio entrara en la vida de Licia, en ella ya estaba Borja, el compositor y teclista de Bee Hive y mejor amigo de Sergio. Borja está enamorado de Licia y le lleva rosas al restaurante de su padre. Era un pretendiente galante y correcto al que Licia quería mucho pero del que nunca llegaba a enamorarse con esa pasión que nos gusta en los protagonistas románticos. Borja llegaba a enfrentarse con Sergio por el amor de Licia, porque consideraba que él era un mujeriego y Licia sólo un capricho, pero Sergio demostraba que Licia era vital para él y teníamos un bonito final feliz.

La historia estaba aderezada con todo tipo de elementos de culebrón. Marika era la antagonista de Licia, una niña rica y malcriada que trataba con condescendencia a todo el mundo y que odiaba a Licia por tener las atenciones de Borja, de quien ella estaba enamorada. Las tramas del grupo de rock, los Bee Hive eran muy importantes para la historia. Se trataba de un grupo de jóvenes que luchaba por conseguir su sueño (etc) y que tenía enemigos en su carrera, como Sheller, el cantante de una banda rival. Había celos, engaños, malentendidos, peleas y reconciliaciones… un buen arsenal de elementos melodramáticos.

Y como buena telenovela, ‘Bésame Licia’ no podía pasar sin tener grandes secretos y giros inesperados. El más “brutal” era el que envolvía la trágica historia de los hermanos Jorge y Sergio, puesto que sólo eran hermanos de padre. Una vez que Jorge y Sergio rehacían su vida juntos, con Sergio asumiendo las tareas adultas respecto a su hermanito, aparecía la verdadera madre de Jorge, Marie, una mujer que pretendía llevarse a su hijo a vivir con ella a París (bastante normal, por otro lado) y separar así a los hermanos.

Tono edulcorado

Eso sí, no podemos olvidar nunca que esta serie era para niños y a pesar de sus elementos “trágicos”, destacaba muy por encima de todos ellos un tono un tanto cursi y bucólico. Fundamental era el personaje de Jorge, un niño sin papás, que deambula por las calles con la única compañía de su gato y que siente que Licia puede ser esa mamá a la que tanto extraña. El elemento emocional que unía a Licia con Jorge era la chispa que acababa por atraer al corazón de Sergio a esa chica que se comportaba tan fenomenal con su hermanito.

Las conversaciones amorosas, toda la peripecia de Borja, el tira y afloja de Licia y Sergio, estaba llena de un componente también bastante ñoño y romanticón muy de mentiras pero muy del suspiro adolescente. Y, por último, no me puedo olvidar de uno de mis personajes favoritos, el padre de Licia, Anacleto Marabio. Era un hombre gruñón y de fuerte carácter, un trozo de pan en el fondo. Sentía adoración por Jorge y siempre trataba de proteger a Licia de los “peligros” de mundo que venían a ser, a grandes rasgos: la vida nocturna y los hombres. Memorables para los fans muchas de sus frases, como: “¡Qué manía les tengo a los melenudos!” o “Mucho cuidado con los coches y con los jovenzuelos, sobre todo con los jovenzuelos”.

Ficha Técnica: Bésame Licia

Título Original: Ai Shite Night

Género: Anime

Cadena: TV Asahi (1983-1984)

En España: Telecinco

Disponibilidad DVD: Sí

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Hasta finales de los 80, las series de casos, como quien dice, eran o de policías o de abogados, pero rara vez se mezclaban los dos, a no ser que fuera para crear problemas a los protagonistas. En la televisión americana de los 60 ya había habido un intento de unir esos dos lados del sistema judicial, los detectives que investigan un asesinato y los fiscales que lo llevan a juicio, pero no había pasado de la primera temporada, y en 1988, una idea similar se le ocurrió a Dick Wolff, que se había formado en televisión escribiendo para ‘Canción triste de Hill Street‘ y ‘Corrupción en Miami‘. Lo que Wolff quería era presentar una imagen positiva, pero lo más realista posible, del trabajo de los policías y los fiscales dividiendo cada episodio en dos partes; en la primera, dos detectives investigarían un caso basado en noticias reales del momento y detendrían a un sospechoso, y en la segunda, dos ayudantes del fiscal del distrito llevarían a juicio a ese sospechoso.

A pesar de ese breve precedente en los 60, ‘Arrest and trial‘, con Ben Gazzara, la idea era bastante novedosa, y Wolff se la presentó primero a FOX y CBS, que no terminaron de verle encaje en sus parrillas. Finalmente, ‘Ley y orden’ acabó en NBC, donde debutó en 1990 sin ser un gran éxito, pero con unas cifras de audiencia en martes que eran bastante satisfactorias. De hecho, excepto en las últimas temporadas, ‘Ley y orden’ siempre fue uno de los bastiones de la cadena, aunque en aquella época fueran otras series, como las comedias de los jueves, las que se llevaban más titulares. Su consistencia le permitió mantenerse en antena 20 temporadas, igualando a ‘Gunsmoke‘ como el drama de prime time más longevo.

Actores y rodaje

Una de las notas más características de la serie era su utilización de actores “de carácter”, como suele decirse, y veteranos de Broadway para construir sus repartos. La primera temporada comenzó, por ejemplo, con un joven y desconocido Chris Noth como uno de los detectives, y un secundario del cine como Michael Moriarty, que había aparecido en ‘El jinete pálido‘, como el principal fiscal. En siguientes entregas entraría gente como Sam Waterston o Jerry Orbach, estrella de los musicales de Broadway que, gracias a la serie, alcanzó un gran reconocimiento. Parte del secreto de su longevidad estaba en la renovación de sus actores. Teniendo en cuenta que apenas veíamos nada de los personajes fuera del trabajo, era más sencillo que fuera entrando savia nueva.

Jerry Orbach, Angie Harmon, Sam Waterston y Jesse L. Martin, parte del reparto en la novena temporada.

La naturaleza de los episodios, además, ofrecía a ‘Ley y orden’ la posibilidad de atraer a nombres conocidos de estrellas invitadas en cada caso, lo que acabó convirtiendo también a la serie en una de las que más nominaciones a los Emmy conseguía en las categorías de actores invitados de drama. Además, también era un lugar por el que pasaba habitualmente buena parte de la comunidad actoral de Broadway, aprovechando que se rodaba en Nueva York. De hecho, ‘Ley y orden’ sacaba bastante provecho de ello, y cada capítulo tenía muchas escenas en exteriores que, además, no solían situarse en las partes más conocidas de la ciudad. Mantener el color local siempre ha sido una de las constantes tanto de ‘Ley y orden’ como de sus spin offs, porque NBC enseguida quiso amortizar la marca transformándola en una franquicia.

Los spin offs

La primera “hija” de la serie original, y la única que aún se mantiene en emisión, fue ‘Ley y orden: Unidad de Víctimas Especiales‘, que se centraba en unos detectives que investigaban casos relacionados con violencia hacia las mujeres o los niños. Protagonizada por Mariska Hargitay (que ganó en un Emmy por su papel) y Christopher Meloni, llegó a superar en popularidad a su serie madre (y tiene una lista de, sobre todo, actrices invitadas que es impresionante). Dos años más tarde, en 2001, debutó ‘Ley y orden: Acción criminal‘, en la que la diferencia era que veíamos a los culpables preparar el delito o intentar escapar después. El protagonismo inicial de Vincent D’Onofrio, con un personaje bastante peculiar, le dio cierta relevancia, aunque al final llegaron a pasar por la serie hasta cuatro detectives, incluyendo a Chris Noth y Jeff Goldblum. Terminó en 2011.

El actual reparto de Ley y orden: UVE.

La franquicia también ha tenido dos series que no pasaron de la primera temporada; la primera fue ‘Law & Order: Trial by jury‘, en 2005, y la segunda fue ‘Ley y orden: Los Ángeles‘, en 2010, la serie que la NBC pidió después de cancelar la original, y que no logró trasladar a la costa Oeste la atmósfera que había construido con sus series neoyorquinas. También se estrenó una adaptación de la serie madre ambientada en Londres, ‘Law & Order: UK‘, a cargo de ITV, que utilizaba guiones de las primeras temporadas y que mantenía la tónica de rodar todo lo posible en la calle.

‘Ley y orden’, como decimos, acabó siendo cancelada en 2009, en la temporada 20, a pesar de que había vivido cierto renacimiento en cuanto a recepción y crítica y en cuanto a audiencias en la 18ª entrega. Se despedía habiendo ganado en 1997 el Emmy a mejor drama y con multitud de nominaciones a sus espaldas, pero su estilo sobrio ya no terminaba de encajar en el panorama televisivo y, especialmente, en la NBC hundida en las audiencias de los últimos años. Ver ahora algunos de sus primeros capítulos en encontrarse a multitud de actores que luego se hicieron famosos en otros proyectos, y también es asomarse a un modo de hacer televisión no tan común actualmente. Wolff, de todos modos, sigue teniendo una serie en NBC, fuera del paraguas de ‘Ley y orden’, ‘Chicago Fire‘.

Ficha Técnica: Ley y orden

Título Original: Law & Order

Género: Drama policial

Cadena: NBC (1990-2009)

En España: TVE

Disponibilidad DVD: En España, hasta la cuarta temporada.

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Durante los 90, las sobremesas de las cadenas de televisión en España estaban dominadas por un tipo serie: la telenovela. Y, en concreto, por las que llegaban de Colombia, impulsadas por el gran éxito que había tenido ‘Cristal‘ en La 1. Las privadas querían subirse también al carro, así que Antena 3 compró una que había sido todo un fenómeno en su país por los temas que trataba y por el sentido del humor que desplegaba, ‘Yo soy Betty, la fea‘ (o ‘Betty, la fea’), y se encontró con un enorme éxito, hasta el punto de programar sus últimos capítulos en prime time, en lugar de en la sobremesa.

¿Qué tenía este culebrón para triunfar tanto? Su creador, Fernando Gaitán, un antiguo periodista que llevaba ya a sus espaldas un par de telenovelas, especialmente ‘Café con aroma de mujer‘, que fue la que lo dio a conocer, y que seguía a dos mujeres que entran a trabajar para recolectar café en una hacienda cuyo dueño muere, y de la que pasa a hacerse cargo su hijo. Tuvo tanto éxito, que ha llegado a tener dos adaptaciones en México, y proporcionó a Gaitán la libertad para intentar algo diferente, una telenovela cuyo eje siguiera siendo el amor imposible entre sus protagonistas, pero que estuviera llena de humor.

El éxito de Betty

Los toques de comedia ayudaron a diferenciarla rápidamente del resto de propuestas del género, que a veces acababan provocando la risa no como algo intencionado, y probablemente contribuyeron a que ‘Betty, la fea’ se convirtiese en un éxito desde el primer momento. Seguramente también ayudaba su argumento, que veía a Beatriz “Betty” Pinzón, una joven economista poco agraciada, entrando a trabajar en una gran empresa de moda de Bogotá, Ecomoda. Allí acaba siendo la secretaria del nueva presidente, Armando, justo porque es fea, y así él no se verá tentado de liarse con ella como le pasa habitualmente. Armando está prometido con Marcela, hija del otro fundador de la empresa y villana oficial de la serie junto con su amiga Patricia, alias “la peliteñida”.

Por ahí también pululan el mejor amigo de Armando, otro mujeriego superficial, y el resto de trabajadores de la empresa, desde fotógrafos a responsables de colecciones a, como se las apoda, “el cuartel de las feas”, el resto de empleadas de Ecomoda que, como no son guapas, se ven ignoradas y humilladas por los demás. Por supuesto, Armando es algo más de lo que parece a simple vista y Betty acaba enamorándose de él y, con el tiempo, él también de ella, aunque entre ellos se interponen todo tipo de obstáculos, desde los tejemenajes de Marcela para no dejar escapar a Armando a los de su amigo Mario, que urde diversos trucos no muy legales para intentar salvar la empresa, que está en mala situación económica.

Una de las tramas que más repercusión alcanzó fue un capítulo en el que a Betty le ofrecían un soborno, un tema que estaba discutiéndose mucho en la sociedad colombiana, y que sirvió también para mostrar la integridad que definía a ese personaje. Dicha repercusión mostró también el enorme éxito de ‘Betty, la fea’, que durante 169 capítulos entre 1999 y 2001 contribuyó a cambiar el panorama en el género, introduciendo algo más de variedad en las tramas y un sentido del humor que era siempre bienvenido y, como decimos, la libraba de convertirse en otra telenovela del montón. Sus dos protagonistas principales, Ana María Orozco y Jorge Enrique Abello, llegaron a pasearse por buena parte de los magazines televisivos en España.

Las adaptaciones

El libro Guinness de los Récords incluye ‘Betty, la fea’ como la telenovela más exitosa del mundo y no va desencaminado, a la luz de todos los remakes que ha tenido por todo el mundo. Ha habido versiones en México, India, Alemania, Rusia, Holanda, China, Portugal, Israel, Grecia, Vietnam o República Dominicana y, por supuesto, en 2006 Telecinco estrenó la suya propia en España, ‘Yo soy Bea‘, que también vivió inicialmente mucho éxito (tuvo más de 700 episodios), pero que acabó de forma bastante abrupta, dando pie a un spin off que fue un fracaso. La serie original también tuvo una segunda parte, ‘Ecomoda‘, que sólo duró 26 capítulos.

America Ferrera, en Ugly Betty.

Una de las adaptaciones que más expectación levantó fue la que ABC emitió en 2006 en Estados Unidos, ‘Ugly Betty‘, producida por Salma Hayek, y que ponía en su centro a una joven actriz latina entonces poco conocida, America Ferrera. Ésta era una comedia semanal que vivió un gran éxito en su primera temporada, llevándose los Globos de Oro a mejor comedia y mejor actriz de comedia, y que se diferenciaba del resto de remakes en su tono paródico de los culebrones y en que entre Betty y su jefe nunca hubo tensión romántica. El dilema de Betty en la empresa era más el de hacerse valer por sí misma y triunfar como profesional, y aunque fueron variando su estilo a lo largo de la serie, nunca le hicieron la transformación de patito feo a cisne que cerraba todas las demás. ABC terminaría cancelándola en 2010.

Ficha Técnica: Yo soy Betty, la fea

Género: Telenovela

Cadena: RCN (1999-2001)

En España: Antena 3

Disponibilidad DVD: Inédita

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Corría el año 1996, una época en la que las cadenas privadas, en aquel entonces Telecinco y Antena 3, ya llevaban un par de años afianzadas en audiencia (de hecho ya eran fuertes competidoras para el ente público). Además ya había probado con éxito algunos grandes formatos en prime time, programas de larga duración y que mantenían la atención del espectador a pesar de los continuos cortes publicitarios. En esa época, animados por el éxito de los programas de corte musical y el pequeño auge de la sátira política Antena 3 decidió lanzarse con ‘La Parodia Nacional‘.

‘La Parodia Nacional’ fue un programa creado por Gestmusic en plena época de transición de la productora. Hacía unos meses que habían vendido parte de su accionariado a Endemol y, además, Joan Ramon Mainat se acababa de incorporar a la compañía como director creativo, siendo este formato uno de sus primeros éxitos. Así en marzo de 1996 se estrenaría la primera gala de ‘La Parodia Nacional’, presentada en aquel entonces por Javier Sardá.

Sátira de actualidad cantada

La dinámica de ‘La parodia nacional’ era sencilla: un grupo de concursantes (llamados letristas) tenía la misión en cada entrega de componer, usando una canción conocida, una sátira referente a alguna noticia de actualidad nacional o internacional (que si lo último con el Peñón de Gibraltar, que si el escándalo Lewinsky…), cantada por el elenco de cantantes (la mayoría provenientes de ‘Lluvia de Estrellas’) con un sinónimo humorístico como Loli Panoli, Estrellita la Moderna y Tony Las Vegas.

Estas canciones serían valoradas por el jurado, que en sus primeras emisiones contaba con Las Virtudes, Moncho Alpuente y Javier Cansado (de Faemino y Cansado) y el público asistente (entre los que de vez en cuando se “colaba” con la magia de la televisión algún político o famosete, quedaba algo cutre), concediéndose tres premios a las tres mejores parodias de la semana. Y mientras el jurado deliberaba se realizaba un repasito al corazón:

El programa se convirtió rápidamente en un éxito de audiencia. Tanto es así que en Antena 3 decidieron darle continuidad en verano con diversos cambios, el primero sería el presentador: Constantino Romero sustituiría a Sardá y el segundo sería la periodicidad semanal que adoptaría. El éxito del programa subiría como la espuma hasta el punto de contar con tres temporadas, copresentadas desde 1998 por Paula Vázquez y Alicia Ramírez cuando la primera se marchó a Telecinco.

En marzo de 1999 ‘La Parodia Nacional’ cerró sus puertas debido al bajón de audiencia (en esa época un 20% era muy poco) que llevaba acarreando durante meses. El programa fue rescatado brevemente en 2001, en un plan de Antena 3 por realizar programas trimestrales (‘La Parodia de Primavera’, Otoño… lo que tocara). Sin embargo el programa fue fulminado también por falta de audiencia.

Hablar de ‘La Parodia nacional’ es hacerlo de uno de los grande hitos televisivos de los 90. Una época en la que el mérito de hacerse un hueco en el corazón de la audiencia era aún mayor ya que no pocos programas reunían a casi toda la familia alrededor de la tele y se comentaban al día siguiente con los compañeros. Con ‘La Parodia Nacional’ uno iba con una sonrisa a la cama, que no es poco.

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Por mucho que las networks intenten levantar el primetime de los viernes, actualmente lo peor que le puede pasar a una serie es ser movida a ese fatídico día. Pero no siempre fue así. Muchos de los títulos que ahora recordamos de nuestra adolescencia se emitieron en viernes con unas audiencias que la mayoría de series actuales no consiguen ni oler, y una de ellas es ‘Vivir con Mr. Cooper’.

La noche de los viernes en ABC durante los noventa la ocupaba un espacio de comedia llamado TGIF (Thank god is Friday, gracias a Dios es viernes). En ese espacio que ocupaba el primetime de ese día, se emitían algunas de las sitcom que ahora consideramos clásicos, como ‘Cosas de Casa’, ‘Padres Forzosos’, ‘Primos Lejanos’ o esas series simpáticas que todos hemos visto y recordamos con cariño como ‘Dinosaurios’ (¡Tu no mami!), ‘Yo y el Mundo’ o ‘Sabrina, cosas de brujas’.

Mark Curry era un comediante cuyo primer papel importante fue como el protagonista de la serie nostalgia que nos ocupa hoy. Interpretaba a Mark Cooper, un exjugador de baloncesto que acaba como profesor sustituto y entrenador en un instituto de Oakland. Una amiga suya de la infancia, Robin (Dawnn Lewis) comparte casa con Vanessa (Holly Robinson) y Cooper se muda con ellas ya que necesitan un tercer inquilino para pagar el alquiler. Ya en la segunda temporada, Dawnn Lewis abandonó la serie y se incorporaron Saundra Quarterman y Raven-Symone como Geneva, la prima de Cooper, y su hija Nicole. Ah, y no me olvido del cansino vecino Tyler. Siempre tiene que haber un vecino.

La 2, el hogar de las comedias

Era en esa noche de sitcoms cuando La 2 emitía clasicazos como ‘Infelices para Siempre’ o ‘Matrimonio con Hijos’. Estamos hablando de series que se emitían a mediados-finales de los noventa, y no eran series de las que se hablase al día siguiente con los colegas en el instituto (además de que eran sitcom que no se prestaban a ello), pero con el tiempo han cogido la dimensión que de verdad tenían en la época y hay generaciones enteras que no se perdían ni un solo episodio de las aventurillas de Cooper (ni tampoco ninguna de las aplaudidas apariciones de Nikki Cox).

Comedias de familia desestructurada, eterno planteamiento

Cooper y compañía no tenían mucho. Él era un listillo que siempre quería salirse con la suya, la pequeñaja Nicole siempre acababa metiéndole en problemas, Geneva era como la madre de todo el mundo y Vanessa la tontita de turno que siempre tuvo esa tensión sexual con Cooper, algo que resolvieron de forma atropellada en la última temporada, en la que se convirtieron en pareja.

La sobreactuación y el humor blanco estaban a la orden del día pero hasta vista ahora, ‘Vivir con Mr. Cooper’ apoyaba tanto su personalidad en el carismático y divertido Mark, que es probable que en algunos aspectos siga funcionando. Es algo que no creo que me atreva nunca a probar; estas series en las que el factor nostalgia es tan importante casi es mejor dejarlas estar en la mayoría de los casos.

Despidamos este homenaje con ese característico opening. La serie tuvo tres canciones e intros distintos en sus cinco años de vida, pero la más característica es sin duda la primera, mucho más tirando a lo sensi, con una canción muy pegadiza. La versión de ‘Soul Man’ que hicieron para la segunda temporada, con esos créditos más convencionales de sitcom de los 90 estaba bien, pero no decía aquello de… CoooooooOOOooooOOOOOoooper!

PD: Ver este pixel gigante vídeo daña ligeramente la vista.

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¿Vosotros eráis de esos niños que se levantaban de la cama de un salto, incluso los lunes, que se vestían de cualquier manera, que ni siquiera se peinaban y desayunaban a trompicones porque todo su interés matinal radicaba en poder ver las series de dibujos que ponían en la tele antes de irnos al cole? Ehhhh, yo tampoco (guiño, guiño). Y con una de las series con las que menos me pasaba esta ansia por el consumo audiovisual era ‘Ranma 1/2’, uno de los anime que revolucionó nuestra pequeña pantalla.

En un principio, la historia pudo seguirse a través del manga que creó Rumiko Takahashi en 1987, publicado semanalmente en la revista Shonen Sunday. En 1989, la avispada Fuji Television decidió transformarlo en un anime de 161 capítulos, emitidos entre 1989 y 1992, y pronto se convirtió en una de las series favoritas de los japoneses. Los capítulos llegaron a España de la mano de Antena 3 en 1993, dentro del contenedor infantil ‘Tras tres tris’.

Acción, humor, amor, fantasía… muchos ingredientes para enganchar

‘Ranma 1/2’ entró de lleno en nuestros corazoncitos audiovisuales pues supo aunar con mucho acierto muchos de los ingredientes que más pueden atraer no sólo al público infantil, sino también adolescente. Nos contaba la historia de un chico, Ranma, que, en uno de sus entrenamientos de artes marciales, cae a un lago en el que, en tiempos pasados, se había ahogado una joven pelirroja. Desde ese mismo momento, cae sobre Ranma una maldición: cada vez que se moje con agua fría, se convertirá en esta chica y, para recuperar su forma masculina, tendrá que bañarse con agua caliente.

Para terminar de redondear una premisa tan atractiva, Ranma y su padre Genma viajan a Japón, hasta el gimnasio del viejo amigo de Genma: Soun Tendo. Soun y Genma fueron discípulos del mismo maestro, y considerándose más que hermanos, decidieron, en su momento, aunar del todo sus lazos emocionales, comprometiendo en matrimonio a sus respectivos vástagos. Vamos, que Ranma tiene que casarse con una de las hijas de Soun. De las tres hijas, la seleccionada es rápidamente Akane, una chica muy interesada en las artes marciales. Esta cosa del verse uno obligado a casarse con quien no ha decidido, tenga o no verosimilitud, resultaba de una chicha impresionante y uno de los mayores atractivos de la serie.

Una de las motivaciones de Ranma era averiguar la manera de romper la maldición que había caído sobre él, algo que le llevaba a contactar con nuevos personajes, a vivir peligrosas aventuras, a entrar en combate y a dotar a la serie de muchos momentos de intensidad, con golpes maestros, técnicas prohibidas, peleas a muerte… Un elemento de acción que enganchaba a otro sector del público.

Además, la historia se podía englobar también dentro del género del humor, con unos personajes torpes, taimados, egocéntricos… entre los que cabría destacar al maestro Happosai (o Ernesto, en la traducción española), a Kuno Tatewaki, enemigo del Ranma masculino y pretendiente de la Ranma femenina, o a los mismos Genma y Soun, unos adultos muy infantilizados que temen y odian a su maestro a partes iguales.

Una historia con muchas relaciones amorosas

Una de las patas fuertes de esta serie era la relación amor/odio que se establecía entre Ranma y Akane, comprometidos desde niños en contra de su voluntad (ohhhh)y que vivían una de las tensiones sexuales no resuelta más explotadas de la historia de los dibujos animados. A estos dos jovencitos, cabía unir también una caterva de personajes implicados emocionalmente con ellos, que se oponían al romance de los dos protagonistas y pugnaban por lograr el afecto de su amado.

Así, haciendo un repaso muy general, podemos hablar de que Ranma tenía tres pretendientas. La de mayor peso en la serie era la amazona Shampoo, a la que Ranma vencía en combate. Las antiguas leyes del poblado de Shampoo decían que debía casarse con un hombre si es que éste le ganaba en una pelea. Shampoo era muy pasional, valiente y decidida y no tenía ningún problema en turbar a Ranma con su anatomía. Por otro lado, estaba Ukyo que, a ver si lo adivináis, era también la protemida de Ranma, una estupenda luchadora y cocinera. Y la tercera era la Rosa Negra, Kodachi, que practicaba gimnasia rítmica. Era una de las “malas”, aunque resultaba entrañable porque tenía la cabeza llena de pájaros.

Por el lado de Akane, también había una caterva de pretendientes en busca de su amor. Ryoga era el candidato principal, el chico que con más gracia se desorientaba. Establecía una curiosa relación afectiva con Akane basada en su transformación en cerdito cuando se mojaba con agua fría (también había caído a los manantiales mágicos). Akane no sabía que el tierno P-Chan con el que dormía era el joven Ryoga. Kuno e Hikaru eran otros de los pretendientes, personajes con toques cómicos que, en realidad, no tenían ninguna posibilidad de hacer mella en el corazón de la chica.

Además, estaba Tsubasa, el chico que se vestía de mujer (y de mil cosas más) y estaba enamorado de Ukyo. Y Mousse, el miope pretendiente de Shampoo. Y Kasumi, la hermana mayor de Akane y su patosa relación con el doctor Tofu Ono… Incluso existía amor para la tercera edad, entre Cologne, la abuela de Shampoo y Happosai, enamorados en su juventud y enemigos acérrimos en la vejez. Las disputas de estos dos siempre prometían la máxima diversión. Muchos amoríos, vamos, como en la mejor telenovela que se precie.

Unas jugosas maldiciones

Los elementos mágicos de la historia convertían unas tramas amorosas en entretenidas e imaginativas aventuras. Existían miles de objetos que entraban en juego a nivel episódico y que tenían los efectos más diversos entre los personajes, elementos que me recordaban mucho a los objetos mágicos que hemos conocido desde nuestra más tierna infancia, protagonistas de los cuentos más populares: la manzana de Blancanieves, la rueca de la Bella Durmiente o la flauta de Hamelin. Estos objetos, per se, eran portadores de un universo fantástico y evocador.

Muchos de los personajes de la serie habían visitado los famosos lagos de Jusenkyo y no sólo era Ranma quien se transformaba. Genma lo hacía en panda, Shampoo en gato, P-Chan en cerdito y Mousse en pato. Los equívocos y complicaciones que generaban estas transformaciones daban mucha vidilla a las tramas de cada capítulo. Por si fuera poco, Ranma tenía una maldición relacionada con su pelo, que debía estar siempre atado con un bigote de dragón o crecería hasta alcanzar proporciones monstruosas y derivar en una posterior calvicie.

¿Esto para los niños?

En su momento, y como ha sucedido con muchas series anime, ‘Ranma 1/2’ recibió críticas por parte de quienes consideraban que no era un programa adecuado para niños. Las referencias explícitas al sexo y la violencia de algunas imágenes tuvieron mucho que ver con ello. El personaje del viejo maestro fue puesto en duda en muchas ocasiones por su afición a robar ropa interior femenina. Además, el hecho de que las disputas se vieran solucionadas de forma violenta tampoco gustó en su momento a la Asociación de Telespectadores y Radioyentes que, en 1995, emitió un informe en el que denunciaba estos aspectos de la serie.

Creo que ya he comentado alguna vez que las series anime que nos llegaron en los 90 revolucionaron la programación infantil en especial por el universo “adulto” que traían a los niños. Recuerdo mirar algunos de estos capítulos, no sólo de esta serie, con los ojos como platos, extasiada con esta nueva oleada de temáticas más amorosas, en las que jóvenes y jóvenas eran protagonistas de fantásticas odiseas. Claro está, no todo el público infantil era el idóneo para estos productos. Al igual que, por ejemplo, ‘Los Teletubbies’ no están pensados para niños de doce años. En fin, que, a veces, es difícil establecer los límites de visionado. Eso sí, esto me preocupaba bien poco en esos momentos, en los que lo que yo quería ver era un beso entre Ranma y Akane.

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Orry Main. Para buena parte de los espectadores españoles que se pasaron pegados a la tele las tardes de 1986, el nombre de este personaje es inconfundible e indisociable de su intérprete, Patrick Swayze, y de la serie en la que aparecía, ‘Norte y Sur’. En realidad, fueron tres miniseries, emitidas en ABC entre 1985 y 1994, que adaptaban una trilogía de libros de John Jakes ambientados en la guerra civil americana entre el sur agrícola (y esclavista) y el norte industrial. La que tuvo mayor éxito fue la primera, que lanzó a Swayze como galán y como joven promesa de Hollywood en plena época del Brat Pack de Rob Lowe, Emilio Estévez y compañía, promesa que acabaría confirmándose dos años más tarde en ‘Dirty Dancing’. ‘Norte y Sur’ es la séptima miniserie más vista en la historia de la televisión estadounidense, y una gran exponente de aquellas producciones de pocos capítulos, que adaptaban libros históricos sin escatimar en gastos de ambientación y con un tono romántico que buscaba enganchar a los espectadores con las peripecias amorosas de sus protagonistas.

‘Norte y Sur’ seguía a dos chicos, Orry Main, de Carolina del Sur, y George Hazard (James Read), de Pennsylvania, que se hacen amigos en la academia militar de West Point. Cada uno de los dos representa las características típicas del sur y del norte del país, que terminarían por enfrentarlos en la guerra de Secesión. La familia Main tiene grandes plantaciones de algodón en las que trabajan no pocos esclavos, mientras la familia Hazard vive de la industria del acero. En su camino a West Point, Orry se enamora de una joven de Nueva Orleans cuya familia tiene otros planes, y tanto él como George tienen que resistir en la academia a un sádico y malvado cadete llamado Elkanah Bent. George y Orry combaten juntos en la guerra contra México por el control de Texas y, después, hasta sus respectivas familias se visitan, lo que da para que surjan relaciones y enemistades entre algunos miembros de cada familia. Sin embargo, su amistad se ve puesta a prueba por la guerra civil, pues George pasa a formar parte del ejército de la Unión, del norte, y Orry, del confederado, del sur.

Las secuelas

‘Norte y Sur’ fue un enorme éxito para ABC con su mezcla de drama romántico, sobre todo con el amor prohibido de Orry y Madeleine, e historia de superación y maduración de sus dos protagonistas en el ejército. Así que enseguida se puso en marcha el rodaje del segundo libro, subtitulado ‘Amor y guerra’, y que cuenta exactamente eso, cómo la guerra civil afecta a las dos familias. Aunque Orry y George eran el centro de la historia, sus padres, hermanos y demás parientes tenían bastante importancia también en la trama, y la miniserie era bastante coral. La plantación de los Main se convierte en un escenario principal de la historia, en especial por los esclavos y la abolición de la esclavitud proclamada por Lincoln, y ‘Norte y Sur’ intenta seguir un poco los pasos de ‘Lo que el viento se llevó’ y cómo la guerra cambia a los estados del sur.

Orry se presentaba como el héroe romántico que pelea por lo que está bien (siempre evitaba que los esclavos fueran maltratados, por ejemplo), y no es raro que Swayze se convirtiera en una gran estrella gracias a la miniserie, especialmente las dos primeras, que contaban con un reparto muy amplio y, muy en el estilo de la época, lleno de viejas estrellas de Hollywood, como Peter O’Toole, Robert Mitchum y hasta Johnny Cash. La ABC intentó repetir de nuevo la jugada en 1994, adaptando el tercer libro de Jakes, ‘Heaven and hell’, en el que vemos a George, Orry y los demás después de la guerra, pero esta tercera miniserie no tuvo la misma acogida entre público y crítica que sus predecesoras. Se quedaba más como drama romántico, sin los riesgos y peligros que entrañaba la guerra, y perdía gancho, aunque sí es un festival de actores que entonces no eran demasiado conocidos, como Kyle Chandler.

El éxito

Como decimos, las dos primeras partes de ‘Norte y Sur’ fueron un enorme éxito no sólo en Estados Unidos, sino también en España, donde las emitió TVE. Ser una historia épica de amores imposibles, gente puesta a prueba por la guerra y personas que luchan por sus principios la llevó a conectar mucho con la audiencia, hasta el punto de ser uno de los epítomes de la televisión en España de mediados de los 80. Producciones como ésta eran habituales en las cadenas en abierto estadounidenses, hasta que las cadenas por cable empezaron también a producirlas (sobre todo, HBO) y las networks fueron dedicándose a otro tipo de programación que les podía salir más rentable gastándose menos dinero, como los realities, sin abandonar la producción de series.

‘Norte Sur’, como decimos, lanzó la carrera de Patrick Swayze y tuvo también unas cuantas nominaciones a los Emmy, especialmente en aspectos técnicos, de las que ganó el de mejor vestuario en miniserie. Eso sí, no hay que confundir esta producción de ABC con otra miniserie del mismo título emitida por la BBC en 2004, que adapta un libro de Elizabeth Gaskell sobre una joven del sur de Inglaterra que se muda a una ciudad industrial del norte, donde conoce a uno de los dueños de las fábricas textiles. Es muy recomendable, pero no tiene el mismo aura de romanticismo épico de Orry Main, claro.

Ficha Técnica: Norte y Sur

Título original: North and South

Género: Drama romántico

Cadena: ABC (1985, 1986, 1994)

En España: TVE

Disponibilidad DVD: Completa

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Todos tenemos un pasado, hasta los famosos. ¿Cuánto daría Pe porque nunca hubieran emitido su famoso cásting para ‘La quinta marcha’ en tantos refritos navideños y záppines varios? Entonces era joven e inexperta y ni se imaginaba que su carrera en televisión le encumbraría años después hasta la alfombra roja. En aquellos tiempos sólo era una de las marchosas presentadoras de este programa teenager-musical que se emitió en las mañanas de domingo entre 1990 y 1993, cuando Telecinco era el aladid de la modernidad. Marcó la diferencia en cuanto a formato y tono, aunque ese empeño por ser moderno acababa por convertirlo en cargante. Activando modo nostalgia, después del salto.

Ante todo mucha marcha

‘La quinta marcha’ bebió inevitablemente de sus predecesores: ‘Tocata’ y ‘Plàstic’ ya habían llevado la movida musical a los platós televisivos, sucediéndole después Beatriz Pécker con ‘Rockopop’ y una pátina de algo más de seriedad. Pero ‘La quinta marcha’ se contextualizaba en otra época. Los 90 arrasaron con sus colores flúor y sus Levi’s rotos por las rodillas con todo lo que recordaba a los 80 y Telecinco abrió la puerta a otras formas de vida adolescente, como la de los chicos de ‘Sensación de Vivir’. Digamos que los teenagers eran otros y el criterio musical parecía difuminarse entre melodías comerciales, nuevos sonidos y nuevas movidas (la mítica ruta del Bacalao, Chimo Bayo, Máquina Total, etc.)

Mientras ‘El Príncipe de Bel Air’ había empezado a poner de moda el rap en nuestros colegios y el grunge empezaba a materializarse, en ‘La quinta marcha’ sonaban grupos como ‘Siniestro Total’, ‘La década prodigiosa’, o ’2 unlimited’. Combinado y remezclado. Al parecer tenía que llegar Kike Supermix al grupo para imponer un poco de modernidad. Pero no todo era música: el programa se inclinaba más hacia el magazine, mezclando toda suerte de secciones, desde las actuaciones en plató hasta concursos; incluso sirvió de contenedor para otros espacios que después contarían con su propio hueco en parrilla como ‘Vivan los compis’ y series low cost como ‘El Sheriff Chiflado’.

Pero lo verdaderamente novedoso era su estilo. Aparentemente natural, se trataba de conectar con los jóvenes más marchosos (que, paradójicamente, debían estar levantados y ante la tele un domingo ¿a las 11 de la mañana?) usando una jerga muy de la calle, de tú a tú, de colega a colega, buen rollito, dabuten. Supongo que entonces hablaríamos el mismo idioma y sentíamos esa conexión; ahora no soportaríamos ni cinco minutos de aquella súperpizpireta Penélope Cruz. Pero no puede negársele el esfuerzo por resultar innovador. Tanto fue así, que desde Antena 3 les imitaron con su ‘Leña al mono que es de goma’. Se estrenó justo después de que acabara ‘La quinta marcha’ y contaba, entre otros, con Tony Aguilar y Paco Pil. Es decir, se buscaron su propio Kike Supermix para ser tan modernos como ellos, aunque acabó tomando otro caliz porque incluía hasta un culebrón-falso reality protagonizado por sus presentadores. Y en TVE, directamente les copiaron con ‘Ponte las pilas’ (del que destacaría a un jovencísimo Dani Martin poniendo en práctica los pasos aprendidos viendo a Will Smith). Al menos eso aseguraban desde la dirección de ‘La quinta marcha’, que acusó al ente público de plagio. Directamente.

El elenco de presentadores

Además de la ya más que mencionada y ahora oscarizada Penélope Cruz, por ‘La quinta marcha’ pasaron otros rostros conocidos. Algunos han seguido sus carreras en televisión, de otros sabemos más bien poco. Jesús Vázquez fue la otra gran sorpresa del programa, pues ese resultó ser sólo el primero de los cerca de treinta espacios que ha conducido a lo largo de su ya intensa trayectoria como presentador en Telecinco (exceptuando puntuales lapsus en cadenas de la competencia). La otra pareja de copresentadores la formaban Inma Brunton, a quien se le pudo ver en ‘Bellezas al agua’ para retirarse poco después del mundo de la tele, y Luis Alberto Sánchez, que fue otro de los habituales en la programación infantil-juvenil de Telecinco durante sus primeros años de existencia, participando en ‘La Tele es tuya, colega’ y ‘Telebuten’.

Ellos componían el cuarteto inicial, pero con la marcha de Penélope Cruz, debutó Natalia Estrada y también comenzaron a colaborar Mónica Estarreado (principalmente bailando) y los dobles españoles oficiales de Brenda y Brandon (sí, teníamos de eso). Kike Supermix se incorporó después al grupo como quinto presentador y quinta marcha, aportando sus conocimientos como pinchadiscos (porque entonces no había dj’s ni esas moderneces de ahora). Es más, escuchábamos el Máquina Total en casette y con la última canción de la cara cortada, como debía ser. Ah, nostalgia…

Ficha Técnica: La quinta marcha

Título Original: La quinta marcha

Género: Magazine

Cadena: Telecinco (1990-1993)

Disponibilidad DVD: No

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Antes de que nuestra generación nos entusiasmáramos con las andanzas de Jax y el resto de moteros de Charming, California, nuestro gran primer contacto con pandillas de motoristas la tuvimos en el mundo animado. Corría mediados de los noventa y en Televisión Española comenzaba una de esas series con nombre medianamente ridículo pero que si no veías no eras nadie en el patio del colegio: ‘Los Motorratones de Marte‘.

‘Los motorratones de Marte’ (‘Biker Mice from Mars’) fue una serie emitida originalmente entre 1993 y 1996 creada por Rick Ungar, quien en ese momento trabajaba para Marvel Productions en el desarrollo de las series de superhéroes de la compañía de aquella época. Y desde ahí creó y produjo una serie sobre unos ratones que iban en moto. Una serie que no pensaría que se convertiría en uno de los grandes hits en una época dorada de la buena animación.

Nos encontramos con la historia de tres ratonen antropomórficos (Throttle, Modo, y Vinnie) que tienen que huir de su planeta natal, Marte, debido a un gran desastre ecológico causado por los plutarkians. Este trío roedor aterrizará en Chicago (que si lo piensas con cosas como esta es una de las ciudades con peor fama de todo el mundo), donde conocerán a Charlene “Charley” Davidson (chistaco) que se convertirá en una poderosa aliada. Sobre todo cuando descubran que los mismos que han destrozado su hogar en Marte han ido a la Tierra a explotar sus recursos naturales.

He de reconocer que cuando vi el primer episodio de ‘Los motorratones de Marte’ me quedé un poco de esa manera. En una época en la que te encontrabas una gran oferta animada el encontrarte con algo que se parecía tanto a ‘Las Tortugas Ninja’. Pero se parecía también en la producción y en tono. Ese tono medio gamberro que te encontrabas en la serie de las tortugas aquí lo veías replicado. Y quizás fue eso lo que ayudó a ‘Los Mototorratones’ en convertirse en una gran franquicia con sus videojuegos y demás.

El tema principal de ‘Los Motorratones’ era la ecología. Pero no es que la usaran de forma velada (bueno, a veces sí) sino que la trama de muchos de los episodios era esa: Limburger quiere soltar residuos en tal río y ahí estan los motorratones para detenerlo. Evidentemente no siempre era así, sino que también había planes de todo tipo.

El revival

En 1996 la serie fue cancelada. Pero sería rescatada apenas diez años después. En 2006 se realizó una nueva serie de ‘Los Motorratones de Marte’. En esta ocasión nos encontramos con un remake que continuaba las andanzas de los motorratones enfrentándoles a unos nuevos enemigos: los catatonians, con aspecto felino. La serie está disponible de forma íntegra en Youtube.

‘Los motorratones de Marte’ fue todo un éxito en todos los sentidos. Este concepto tan “de serie b” fue capaz de conquistar a toda una generación de infantes de los noventa que disfrutábamos con las aventuras de estos roedores. Una gran serie con la que te divertías de lo lindo

Ficha Técnica: Los motorratones de Marte

Título original: Biker mice from mars

Género: Animación

Cadena: Sindicada

En España: TVE

Disponibilidad DVD: Primera temporada y packs varios

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Como cada domingo, es hora de mirar por el retrovisor de los recuerdos audiovisuales y acercarnos a uno de esos programas que marcaron nuestros primeros pasos en esto de la televisión. Esta semana, toca hablar de ‘Los ladrones van a la oficina’, una de las primeras series creadas para la jovencísima Antena 3 (entonces, ni Atresmedia ni nada) y que nos trajeron a la pequeña pantalla a grandes actores españoles de los que marcan época.

La serie contó con diez temporadas emitidas entre los años 1993 y 1996. El creador de la misma fue el guionista Eduardo Ladrón de Guevara (’Cuéntame‘, ‘Querido maestro’) y el director fue Tito Fernández, cuyo pueblo natal sirvió de nombre para la calle en la que se situaba el punto geográfico de la acción, el bar ‘La Oficina’, sito en la calle San Esteban de Pravia. Producida por Cartel, la serie consiguió audiencias de más de cuatro millones de espectadores.

Picaresca en televisión

La historia que nos contaba ‘Los ladrones van a la oficina’ surgía de una de las tradiciones culturales más arraigadas en nuestro país: el género de la picaresca. Aquí, unos cuantos ladrones de poca monta organizaban capítulo tras capítulo diferentes “timos”, dirigidos por un jefazo respetado por lo que había sido en la profesión, y que no era otro actor que Fernando Fernán Gómez interpretando a Don Anselmo.

Así pues, la serie era una amable comedia en un tono bastante blanco, muy alejado del desgarro social que podría haber tenido esta temática. En cada capítulo, La Oficina era el bar que servía de punto de encuentro a los veteranos estafadores que se unían para practicar nuevos timos y explotar un arsenal de recursos que no se centraba en el uso de armas precisamente, sino que utilizaba el ingenio y la perspicacia.

Repoker de actores

Uno de los puntos fuertes de esta serie fue la reunión de grandes actores españoles que supuso su producción. Podríamos decir que había cinco grandes nombres: Fernando Fernán Gómez, era el patriarca, un Don Anselmo tan resabiado como conquistador; Manuel Alexandre interpretaba a uno de los veteranos, respetado por su sapiencia y que se hacía llamar El Anticuario; José Luis López Vázquez se ponía en la piel de El Escabeche, otro de esos ladrones de rancio abolengo con muchas anécdotas que contar; Agustín González trataba de buscarles las cosquillas a todos éstos dando vida al comisario de la zona, el encargado de poner orden en el barrio. A estos grandes nombres, hay que añadir las colaboraciones de otro grande de los escenarios: Paco Rabal.

En este universo lleno de ladronzuelos y timadores no faltaba ni uno sólo de los estereotipos que tanto han triunfado en nuestro audiovisual, y todo ellos cobraban vida gracias a un actor de renombre: regentaban el bar el matrimonio formado por Anabel Alonso y Antonio Resines, o, dicho de otra manera: la Pruden y el Smith; Guillermo Montesinos era un “ciego” que vendía cupones en la entrada del bar y que veía más que quería; Roberto Cairo interpretaba a un inocentón ayudante del comisario; Enrique San Francisco era “El Carteras”…

Las apariciones de actores y artistas de solera eran un continuo en la serie y entre los nombres más conocidos podemos encontrar a Gracita Morales, Lola Flores, Aurora Redondo o Imanol Arias. Además, una de las canciones de la serie estaba compuesta e interpretada por otro grande, en este caso de los escenarios, como fue Enrique Morente.

Una serie inolvidable

‘Los ladrones van a la oficina’ nos remite irremediablemente a una época muy dulce televisívamente hablando. Ésta fue la segunda serie de producción propia para Antena 3, tras ‘Farmacia de guardia’, y su creación y desarrollo estaban llenos del sincero impulso por crear un mercado audiovisual español con las mejores armas posibles.

A pesar de la pícara temática, las tramas eran contadas con un tono muy blanco y familiar, y la comedia se abría paso constantemente en sus diálogos. La escenografía del bar permitía escenas y momentos muy teatrales y el dominio de la escena de los actores favorecía un buen resultado final. Eran otros tiempos para la tele. Todo se hacía de una manera más pausada y se confiaba más en los productos. Había buena voluntad por parte de las cadenas.

La serie recibió además multitud de reconocimientos, como el Premio Ondas a Mejor Serie Nacional en 1993 o el Fotogramas de Plata para Anabel Alonso. Aún hoy podemos disfrutar de sus capítulos (a pesar de que sea fácil usar en su visionado esa frase de “el tiempo no perdona”) en reposiciones del canal Nova.

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Todo siempre comienza con una típica familia americana, pero esta tiene algo de especial: tiene un Big Foot en casa. Como una especie de ‘Alf’ de los 90, ‘Harry y los Hendersons’ se centraba en el día a día familiar y cómo Harry entraba dentro de esa dinámica, con su enorme tamaño pero también enorme corazón.

En 1987 se estrenó ‘Bigfoot y los Henderson’, protagonizada entre otros por John Lithgow. Pocos años después, Universal produjo la adaptación televisiva para que fuese emitida directamente en sindicación. La serie arrancó en la midseason de 1991 y se despidió en verano de 1993 con tres temporadas y más de 70 episodios a sus espaldas.

Bruce Davison interpretaba el papel de John Lithgow, el padre de familia, al que hemos visto recientemente interpretando al almirante Arthur en ‘Last Resort’ y hace unos años fue el Senador Kelly en las dos primeras entregas cinematográficas de la saga ‘X-Men’. Le acompañaban Molly Cheek, Carol-Ann Plante y Zachary Bostrom, que interpretaban a la madre y los hijos, respectivamente.

¡Qué vecino tan peludo!

Siempre se paseaban por ahí novias, vecinos, parientes o trabajadores del control de animales que creían ver algo pero nunca acababan de dar con Harry. En la tercera temporada, el secreto quedó expuesto al público y, al contrario de lo que creían los Henderson (que apostaban porque el gobierno le capturaría para experimental con él), Harry se hizo famoso de la noche a la mañana. Harry fue interpretado durante la primera temporada por Kevin Peter Hall, quien también le dio vida en la película, pero tras su muerte tuvo que ser sustituido.

El sensible de la familia

Además de las típicas situaciones de enredo, equívocos y todo ese contraste del mundo humano con las costumbres salvajes del personaje, la inevitable moraleja final tiraba mucho de esa ya manida reflexión de que el Big Foot acababa siendo muchas veces más humano que los propios miembros de la familia, y ese punto cariñoso de la serie era probablemente su gran virtud.

En España fue emitida por la televisión pública, tanto en TVE1 y TVE2, en un panorama televisivo que acababa de estrenar las cadenas privadas. Yo era una canija cuando ponía aquel contenedor de programación infantil, y ver un hombre enorme y peludo intentando secarse el pelo con el secador me resultaba hilarante. Y por eso sigo recordando ‘Harry y los Henderson’ con nostalgia y cariño. ¿Y vosotros? ¿Formó Harry parte de vuestra infancia? ¿Ibais por el campo mirando a todas partes por si os encontrabais un Bigfoot al que adoptar?

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Con el estreno de ‘Defiance’, se habla mucho de que Syfy está volviendo a sus orígenes, a las series de aventuras de ciencia ficción con naves espaciales, planetas exóticos y alienígenas. En la última década, las series que mejor ejemplificaron ese tipo de historias de space operas en el canal fueron las de la franquicia ‘Stargate’, una franquicia iniciada en 1997 con ‘Stargate SG-1’. Este título era el más longevo de ciencia ficción en la historia de la televisión estadounidense (hasta que lo superó ‘Smallville’), pues sobrevivió diez temporadas emitidas, además, en dos cadenas diferentes. De hecho, bastante diferentes, porque antes de encontrar un hogar en Syfy, ‘Stargate SG-1’ se estrenó en Showtime.

La serie, en realidad, se basa en la película ‘Stargate’, de 1994, dirigida por Roland Emmerich, en la que un grupo de militares utiliza un misterioso artefacto encontrado en un yacimiento arqueológico egipcio, y que tiene el aspecto de algún tipo de portal. Acaban descubriendo que, efectivamente, es una puerta que, en este caso, conecta la Tierra con otro planeta, muy parecido al Egipto antiguo. La película tuvo bastante éxito y, gracias a la compra de los derechos por parte de MGM a Emmerich y Dean Devlin (que luego pusieron en marcha ‘Independence Day’), acabó convertida en serie, adaptada a televisión por Jonathan Glassner y Brad Wright, dos antiguos guionistas de ‘Más allá del límite’.

En Showtime

Resulta curioso que fuera Showtime, que entonces se dedicaba más a la emisión de películas de estreno y que tenía un acuerdo con MGM, la que acogiera por primera vez a ‘Stargate SG-1’, pero la apuesta le salió bien desde el principio, atrayendo una audiencia bastante buena para el canal. No obstante, el acuerdo al que el estudio llegó con Showtime para la emisión de la serie era peculiar porque, como no era especialmente barata de producir, logró que pudiera comenzar a verse en sindicación sólo seis meses después de que se estrenara, figurando Syfy entre las cadenas que compraron los derechos de esa emisión. En Showtime, ‘Stargate SG-1’ aguantó cinco temporadas en las que se estableció el tono de la serie, que seguía las aventuras del equipo de militares que utilizaba la puerta para viajar a diferentes planetas. En ellos iban encontrándose con alienígenas que casi siempre tenían algún contacto con alguna historia mitológica de la Tierra, y durante buena parte de la serie fueron uno de esos extraterrestres, los Goa’uld, los villanos principales, algo heredado de la película.

De hecho, también dos de sus protagonistas se trasladaron a la serie desde la cinta; uno era el coronel Jack O’Neill, al que interpretaba Richard Dean Anderson, y el otro era el egiptólogo Daniel Jackson, al que daba vida un entonces desconocido MIchael Shanks. Los dos reproducían en parte también el conflicto entre los objetivos científicos y militares de las puertas estelares, aunque O’Neill era menos taciturno y toda la serie, en general, tenía un tono algo más ligero, con toques de humor, a petición de Anderson, quien también puso como condición para su participación en la serie que ésta fuera más coral. Junto a ellos, completaban el reparto principal Samantha Carter (Amanda Tapping) como una capitán de la Fuerza Aérea que, además, es astrofísica, y Teal’c (Christopher Judge), un Jaffa que deserta de su puesto entre los Goa’uld y se une el equipo de Stargate con la esperanza de liberar a su pueblo. Dentro de ese tono de aventura, en ‘Stargate SG-1’ hubo muchas referencias a la cultura popular contemporánea (incluida, por supuesto ‘MacGyver’), y la serie nunca se tomó a sí misma demasiado en serio. Wright y Glassner querían hacer una serie para toda la familia.

El paso a Syfy

Tras cinco temporadas en Showtime, la cadena decidió que ‘Stargate SG-1’ no era rentable, ya que al estar en sindicación, no servía para atraer a nuevos suscriptores. En ese punto, Syfy (que entonces aún se llamaba Sci Fi) decidió quedarse con ella, pues sus audiencias eran bastante buenas, y allí continuó hasta su final. En 2004, aprovechando su popularidad, se estrenó el primero de sus spin offs, ‘Stargate Atlantis’, en el que la base donde se encontraba la puerta estelar era construida por los Antiguos, y se encontraba en una trama del final de la séptima y el principio de la octava temporada de SG-1. Ambas series se entrecruzarían bastante, y Carter hasta se trasladaría allí tras la cancelación de la serie madre en 2007. Durante un breve momento en 2005, estas dos series y la todavía reciente ‘Battlestar Galactica’ convirtieron a Syfy en uno de los canales de cable básico más populares entre el público.

Sin embargo, la longevidad de la serie también empezaba a notarse. Anderson dejó de aparcer como personaje regular en las dos últimas temporadas, siendo sustituido por Ben Browder, y las audiencias fueron resintiéndose, aunque no tanto como para no seguir siendo de las series más vistas de Syfy. Sin embargo, éste tenía en mente un cambio de imagen que comenzaría con el estreno de ‘Eureka’ y la cancelación de ‘Stargate SG-1’, en 2007, justo al poco de haber celebrado su capítulo número 200. Su legado aún se mantendría en antena con Atlantis, que aguantaría cinco temporadas, y a su fin, con ‘Stargate Universe’, que intentaba darle un tono más serio a la franquicia, y que sólo estuvo en antena dos temporadas. Syfy estaba en pleno cambio de nombre y de identindad, y las puertas estelares ya no encajaban allí.

El legado

Además de los dos spin offs, ‘Stargate SG-1’ produjo un par de películas directas para el DVD, ‘The ark of truth’ y ‘Continuum’, pues la serie siempre se ha vendido bien en ese formato. Se habló de rodar alguna más, pero la cancelación de ‘Stargate Universe’ parece haber significado el cierre, por el momento, de la franquicia. La cadena está volviendo a las space operas y a las aventuras de ciencia ficción, pero no sabemos si serán serias o con el sentido del humor que desplegaban, sobre todo, SG-1 y Atlantis, en las que, además, eran los científicos los héroes, más que los militares y los guerreros. En España, además de en Syfy, la serie se pudo ver en las autonómicas.

Ficha Técnica: Stargate SG-1

Género: Ciencia ficción

Cadena: Showtime (1997-2002), Syfy (2002-07)

En España: Autonómicas

Disponibilidad DVD: Completa

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Domingo (y lluvioso), el escenario perfecto para dejarse atrapar por la nostalgia, pero de la inofensiva. Hoy, en Nostalgia TV, no sólo vamos a rememorar un programa de televisión; también recordaremos a un personaje carismático, humanista y naturalista empedernido, un trabajador incansable que dejó un infinito legado, tanto audiovisual como de obras y proyectos para la defensa del mundo animal. Si los ingleses tienen a David Attenborough, nosotros tuvimos a nuestro Amigo Félix. Félix Rodríguez de la Fuente y su serie para TVE, ‘El hombre y la Tierra’, que ostenta el gran honor de ser la Mejor producción de la historia de la televisión en España, elegida por la Academia de las Ciencias y las Artes de la Televisión. Tras el salto, cabecera de las míticas y una inolvidable sintonía.

Una producción impecable

‘El hombre y la Tiera’ fue una producción de RTVE que se emitió desde 1974 hasta 1980, aunque hace sólo tres años volvió a emitirse (esta vez remasterizada) en La2 de TVE, con motivo del 30 aniversario de la desaparición de su creador). De marcado caracter divulgativo, esta serie de documentales sobre animales no sólo pretendían acercarnos a nuestra fauna (nunca habría oído hablar del lirón careto o del alimoche si no fuera por este programa) y enseñarnos a leer las señales de la naturaleza; también concienciarnos sobre el valor de nuestro patrimonio animal y la importancia de defender a las especies más vulnerables y en peligro de extinción, como el lince ibérico. Félix Rodríguez de la Fuente volcó todos sus conocimientos, su pasión y su devoción por los animales en este programa, consiguiendo llegar a las televisiones de todo el mundo. La serie le llevó también a descubrir la fauna de Venezuela y Canadá, donde rodó episodios para ‘El hombre y la Tierra’, aunque aquí su obra fuera menos prolífica. La serie ibérica contó con 92 episodios de 26 minutos de duración, narrados por la inconfundible y teatral voz de Félix.

En la fresca mañana de mayo, lejos los días del hambre del invierno, lejos el recuerdo de la gran matanza, la loba monta la guardia cerca de la cueva roquera donde ha traído al mundo a sus lobeznos. En el alto y tupido savinar, la loba tiene a salvo a sus pequeños y se limita a vigilarles y a amamantarles esperando la llegada del macho que está cazando, seguramente muy lejos. Son las lobas tiernas y amantísimas de sus cachorros. Son las lobas vigilantes infatigables. El carnívoro, el gran matador, se torna dulcemente maternal en los días de mayo y de junio.

Como documento audiovisual e histórico, su valor es incalculable, pues estableció un precedente en la forma de rodar (no exenta de polémicas y voces críticas que enombrecieron su recuerdo) y de narrar, gracias a unos cuidados (y hasta poéticos) guiones y a la espectacular fotografía, entre otros numerosos aspectos técnicos destacables. El resultado: los animales, la naturaleza, como nunca se había visto en televisión. A veces de forma cruda (por lo que también se le criticó en ocasiones). Siempre con la intención de acercarnos lo máximo posible a nuestra fauna en su estado salvaje. Un trabajo que implicaba muchas horas de rodaje para conseguir la imagen perfecta, conviviendo con lobos, linces y águilas. También se trataba de hacer un ejercicio de conciencia y sensibilizar al espectador. Porque el conductor de ‘El hombre y la Tierra’ no sólo fue el creador de un espacio; creía en lo que decía y en lo que mostraba. Quizás eso fuera lo que más realismo aportaba a estos documentales y lo que convirtió a ‘El hombre y la Tierra’ en un referente del género y a su autor en pionero de la concienciación ecológica.

Amigo Félix

‘El hombre y la Tierra’ es, en esencia, el espíritu de su director, realizador y presentador. Médico de formación y biólogo por afición, Félix Rodríguez de la Fuente ya apareció en 1963 en el espacio ‘Fin de semana’, en el que impartía lecciones sobre el mundo animal. En 1966 adquiriría su sobrenombre de Amigo de los animales al convertirse en el profesor de Zoología de ‘Televisión Escolar’. También desarrolló esta labor en programas de radio y en sus columnas semanales de la desaparecida revista Blanco y Negro. Sin duda, su vocación pedagógica marcó su carrera. Pero también su férrea defensa de los animales, una lucha que le llevó a alcanzar grandes victorias en la protección de animales como el lobo, el halcón peregrino o el lince, y a influir en la promulgación de normativas para la conservación de estas especies.

Con su presencia en televisión creó un personaje carismático, tremendamente popular, que conectaba con todas las generaciones de espectadores. De ahí el gran impacto mediático y social que provocó su desaparición. Y sobre todo porque murió haciendo lo que más le gustaba, trabajando. Un accidente aéreo sobrevolando Alaska mientras rodaban la mayor carrera de trineos de perros acabó con su vida y la de su cámara y su ayudante, paradójicamente, el día en que celebraba su 52 cumpleaños. Vicepresidente de ADENA, creador de refugios para rapaces, voz crítica contra las políticas medioambientales que no respetaban la armonía y el equilibrio de la naturaleza. Una labor que desarrolló a lo largo de su vida y que reflejó en esta obra, que forma ya parte de nuestra historia televisiva.

Ficha Técnica: El hombre y la Tierra

Título Original: El hombre y la Tierra

Género: Documental

Cadena: TVE1, La2

Disponibilidad DVD: Serie Completa

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