En el Nostalgia TV de hoy me permitiré darme un gustazo, hablando de una de las series de dibujos animados que más me impresionó en su momento y que entró en ese club de animes que revolucionaron a unos niños espectadores que veíamos una rica y sugerente evolución de las historias de dibujos animados a los que estábamos acostumbrados. Seguro que a algunos de vosotros también os supone un placer poder volver a hablar de Guerrero Luna.

Para entender un poco mejor la historia de esta serie, hemos de remontarnos, como es habitual en las ficciones que nos llegan del Japón, a un manga llamado ‘Pretty Soldier Sailor Moon’ (‘Bishojo Senshi Sera Mun’), una creación de Naoko Takeuchi que nos traslada a 1992. Casi simultáneamente a la aparición del manga, pudimos ver su traslación a la pequeña pantalla, con un anime también de 1992, producido por Toei Animation que constó de más de 200 capítulos y cuyo éxito se puede vislumbrar en estas cifras: fue doblado a 42 idiomas y emitido en 80 países.

El nacimiento de un mito

Una curiosidad sobre la creación de la serie es que toda la saga nació, en primer lugar, con el personaje de Guerrero Venus, pues antes de la aparición del manga de ‘Sailor Moon’, Takeuchi había publicado ‘Codename: Sailor V’. Cuando se empezó a trabajar en la idea de convertirlo en un anime y de incluir elementos nuevos (como venía a ser que el uniforme de lucha estuviera basado en la ropa que llevaban al colegio), Takeuchi concibió a un nuevo personaje que finalmente fue quien triunfó.

La historia de ‘Sailor Moon’ supo ofrecer al espectador, desde el primer momento, muchos elementos que resultaron atrayentes. En primer lugar, se trata de un shojo con muchos ingredientes amorosos y aventuras románticas. A esto, hay que sumar el hecho de que los personajes sean “guerreros”, esto es, auténticas heroínas con la garra, el empuje y la acción en primera persona que eso conlleva. Los ataques y peleas, acompañados de golpes maestros al estilo de ‘Los caballeros del zodiaco’ hicieron que el gusto por la historia tuviera también éxito entre el público masculino.

Otro elemento importantísimo a la hora de tratar a ‘Sailor Moon’ es el hecho de que se trata de una auténtica saga de aventuras con implicaciones de telenovela, con vinculaciones familiares entre los personajes, con giros y secretos, descubrimientos de toda índole… Tampoco es nada desdeñable el uso de elementos de la mitología clásica (el mito de Selene y Endimión está presente en la historia de la Princesa), de la astronomía (el nombre de las guerreras remiten a un planeta, por lo que parece establecerse una relación de pertenencia, identificación y representabilidad) y, si seguimos indagando en lo que se oculta tras los personajes, tampoco nos podemos olvidar del hecho de que los villanos suelen tener nombres de minerales (malaquita, rubí, esmeralda…) Todo esto ayuda a que las leyendas interpretativas detrás de cada elemento de la serie sean más sugestivas y evocadoras.

Además, no podemos olvidar la leyenda japonesa del conejo de la luna, muy presente en la esencia de la serie misma. De hecho, la Guerrero Luna protagonista fue llamada en España Bunny. La leyenda hace referencia a una sombra lunar en la que algunos ven la silueta del conejo y cuya presencia se explica por el sacrificio que hizo uno de estos animales ofreciéndose como alimento a un anciano hambriento. El anciano, un dios, en realidad, se conmovió por el gesto del conejo y decidió enterrar sus restos en la luna, restos de los que surgió esa silueta en la que muchos ven a un conejo machacando arroz para prepara mochi, el dulce tradicional.

Anime y manga, tan unidos, tan diferentes

La historia que nos cuenta ‘Sailor Moon’ se centra en el personaje de Bunny. Es una adolescente, una chica un tanto torpe y despistada que va al instituto y centra sus problemas vitales en sus relaciones con los chicos, con sus amigas o en la pereza que le puede dar hacer los deberes. Su encuentro con una gata parlante con una marca en forma de luna en la cabeza le enseñará poco a poco su verdadero destino: convertirse en Guerrero Luna y luchar por el bien y la justicia. Bunny pasa de ser una chica común a llevar una doble vida y proteger a la Tierra de las fuezas oscuras.

A esta trama se van uniendo nuevos personajes, positivos y negativos, que amplían el universo y magnifican el destino de Bunny, su procedencia y su legado. Gerrero Marte y Guerrero Mercurio son las primeras aliadas en unirse a Bunny en su lucha en favor del bien. Las tres tienen unas personalidades muy diferentes que ayudan a generar conflictos más personales y emotivos. Posteriormente, entran en juego Guerrero Júpiter y Gerrero Venus, que completan el quinteto protagonista al que luego se sumarían nuevas Guerreros.

Las diferencias argumentales entre la serie de dibujos y el manga original son muy numerosas y convierten ambas historias en productos bastante diferenciados. Esto se debe, entre otras cosas, a la simultaneidad que existió en la aparición de ambos formatos que obligó a que tuvieran que trabajarse como proyectos separados, cada uno con una estructura y progresión diferenciadas. Desde el inicio de la serie, hay diferencias, por ejemplo, con respecto al Cristal de Plata (que en el anime está separado en siete fragmentos) o en los descubrimientos que van haciendo los personajes, así como en los “sacrificios” de ciertas Guerreros para ayudar a Guerrero Luna.

Historias de amor, mitos y algunas curiosidades

La peripecia épica de ‘Sailor Moon’, era importantísima para los espectadores. La lucha con los malos (cada cual con un poder diferente, que eran inexorablemente derrotados), la progresión hacia misiones más complicadas, el aprendizaje de los ataques (sin olvidar la preciosista coreografía de colores y luces que la acompañaba), la búsqueda de objetos de poder… eran elementos muy potentes que hacían avanzar la historia y lograr mantenernos atentos, pero no podemos perder de vista la historia de amor que vivían los protagonistas.

Como en muchos de los animes de la época, el elemento amoroso era fundamental, y, en comparación con las series que estábamos acostumbrados a ver, resultaba más maduro y complejo. Si Bunny era Sailor Moon y posteriormente se descubría como la Princesa Luna, Armando, el chico que le hacía rabiar y suspirar a partes iguales, tenía también su secreto, pues se transformaba en un héroe con toques realmente más románticos que de lucha. Se convertía en el Señor del Antifaz, un misterioso joven vestido con frac y rodeado de rosas que ayudaba a Guerrero Luna en muchas de sus peleas.

En realidad, la historia de estos dos se remontaba en el pasado esencial de la serie, pues eran, ni más ni menos, que la Princesa Selene y Endimión y sus lazos de amor se fundían pues con el mito clásico que habla de esta pasión entre la diosa Selene y el pastor Endimión, al que Selene visitaba de noche, cuando dormía, viviendo un amor más místico que físico. A todo esto, cabía unir después unos elementos bastante telenoveleros, como era la aparición de Chibiusa, la pequeña Guerrero Luna, que venía del siglo 30 y que era, ni más ni menos, que la hija de Bunny y Armando.

Como sea, tenemos que destacar el grandísimo éxito que esta serie tuvo en España, su influencia en las fantasías de miles de niños y cierta resistencia a que termine de desaparecer, algo que explica la versión en carne y hueso, live action, que se preparó en 2004 a manos de la tele japonesa Tokyo Broadcasting System. Además de cientos de productos de merchandising, la serie ha contado con su adaptación al género musical. El recuerdo de esta saga permanece intacto entre sus fans, y, para alegría de todos ellos, desde 2010 se está viviendo un “renacer” de la serie, que se emite de forma remasterizada en lugares como Italia.

Ficha Técnica: Sailor Moon

Título Original: Bishōjo Senshi Sērā Mūn

Género: Anime

Cadena: TV Asahi

Cadena en España: Antena 3

Disponibilidad DVD: Serie Completa

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

Los noventa vieron un auge del género adolescente. Culebrones, comedias y títulos de todo tipo pululaban por las parrillas de lunes a domingo (porque sí, algunas de las mejores las emitían los fines de semana por la mañana). Dentro de ese cajón adolescente, ‘Clarissa’ entraba dentro de las series dirigidas más dirigidas a un público más infantil y yo no me perdía ni un solo capítulo cuando mi edad aún no alcanzaba los dos dígitos.

Hoy en día sería inconcebible que una chica mona de la edad de Clarissa protagonizase una serie tan blanquita y familiar como aquella. Los niños de 12 años ya me deprimen llamándome señora, y quizá sea mi visión de adulta escandalizada pero hace tiempo que los 8 son los nuevos 11 y los 14 son los nuevos 19.

El primer papel de Melissa Joan Hart

Melissa era Clarissa, pero sin nadie de quien quejarse, la serie no era nada. Las bromas con su hermano Ferguson eran una constante en la serie. Tampoco era nadie sin Sam, su mejor amigo del alma, de esos que entran a la habitación por la ventana con una escalera. Salvo algún episodio que jugaba con la idea, la amistad entre ambos nunca se llevó por el típico camino del posible romance entre ambos. Sus padres, claro, también tenían su papel en volver loca a Clarissa. Su madre era una profesora aficionada a la comida orgánica y constantemente cocinaba platos ecológicamente asquerosos y su padre era un arquitecto que nunca acababa de acertar con sus consejos.

La cuarta pared

La característica más destacable de ‘Clarissa: explains it all’ es la ruptura de la cuarta pared. Los temas de la serie no se desviaban de los típicos problemas con el colegio, los chicos, granos en la cara y el hermano insoportable, pero era esa forma en la que ella compartía su visión de la vida con la audiencia lo que la hacía especial. Eso y el hecho de que fuese un personaje tan directo y peculiar; una especie de Punky Brewster digievolucionada que en lugar de calcetines de distinto color y a Brandon tenía un caimancito llamado Elvis y camisas de estampados imposibles.

A diferencia de otras series protagonizadas por adolescentes en aquel momento (‘Blossom’), ‘Clarissa’ se adaptaba al perfil más infantil e inocente del Nickelodeon de la época, aunque no evitaba tocar algún tema algo más maduro en algunos episodios, como el bullying, que nunca falta en todo instituto televisivo que se precie.
En 1995, CBS encargó el piloto para una continuación titulada ‘Clarissa Now’, pero finalmente no recibió luz verde para la temporada. Sin embargo, dentro de las constantes repeticiones de ‘Clarissa’ que Nickelodeon programaba cada cierto tiempo, se emitió ese piloto varias veces, y ahora está disponible para ver en youtube a súper calidad VHS. En él vemos a Clarissa en Nueva York, trabajando como becaria para un periódico de la ciudad.

‘Clarissa’ se pudo ver en España con unos meses de retraso en Televisión Española y tuvo varios títulos durante su emisión, ‘Las aventuras de Clarissa’ y ‘Las Historias de Clarissa’. Yo debí pillarla siempre en reposiciones, porque recuerdo verla por las tardes o por las mañanas los fines de semana, pero buscando la programación en los archivos de El Pais, los estrenos están marcados para las 20:30h, ¡en TVE 1! Está claro que eran otros tiempos, tanto para nuestra televisión pública como para las adolescentes televisivas.

Ficha Técnica: ‘Clarissa’

Título Original: Clarissa Explains it All

Género: Comedia adolescente

Cadena: Nickelodeon

Cadena en España: TVE 1

Disponibilidad DVD: Completa en VO

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

En la sección más nostálgica de ¡Vaya Tele! nos acercaremos hoy al pasado de Antena 3 para hablar de una serie que se enmarca dentro de un grupo de ficciones de plácida existencia y benévolo desarrollo que los espectadores podíamos seguir de manera sencilla y pausada (nada que ver con los sobresaltos que la contraprogramación provoca hoy en día). Se llamaba ‘Canguros’ y se emitió entre 1994 y 1995.

Era una época en la que la ficción española en televisión vivió una edad dorada, con series que empezaban a copar los prime times, con muchas ganas por parte de los espectadores de ver qué podían ofertar los profesionales de nuestro país, contando historias de aquí, que nos llegaban adentro porque hacían referencia a cuestiones que todos conocíamos muy bien. Un etapa de despegue, progresión y confianza en los productos patrios, algo que ahora se echa un poco de menos.

Una leve comedia con pocas pretensiones

Seguramente, esta serie no será recordada como una de las ficciones más depuradas de la historia de la televisión pero tenía muchos ingredientes para resultar fresca y divertida, y, personalmente, la recuerdo con mucho cariño. Se trataba de una producción José Frade y estaba dirigida por José Miguel Ganga. Era una sitcom en toda regla, con localizaciones muy acotadas y mucho protagonismo del salón de la casa en que vivían las protagonistas.

‘Canguros’ nos contaba las andanzas de cuatro compañeras de piso que vivían en Madrid y que tenían los líos clásicos de las “historias de chicas”: conflictos amorosos, problemas con el pago del alquiler, problemas derivados de malentendidos… La protagonista absoluta era Alicia, una estudiante de medicina que había llegado de Soria para cumplir su sueño de trabajar en Médicos sin Fronteras. Para ayudarse a pagar los estudios, Alicia trabajaba como canguro en sus ratos libres, profesión que “contaminaba” las vidas de sus compañeras y que suponía el meollo de las tramas verticales.

Historias muy sencillas, con personajes estereotipados pero bien jugados, situaciones previsibles pero divertidas… ‘Canguros’ era una comedia entretenida, sin pretensiones, que lograba que el espectador pasara un buen rato sin más complicaciones. Sobre todo, la serie desprendía vitalidad y buen rollo, con unos conflictos alocados que las chicas solventaban con entusiasmo y buen humor.

Piso de solteras, cosas de chicas

Las cuatro protagonistas principales de ‘Canguros’ trataban de ser lo suficiente diferentes para tocar todos los palos y dar pie a cualquier conflicto y lo bastante parecidas para entender su amistad y empatizar con sus problemas.

Maribel Verdú (ella) daba vida a la protagonista principal. Alicia era una chica vital, decidida, atractiva, que estudiaba medicina y trabajaba como canguro. Algo muy destacable de su personaje era el hecho de que mantenía tres relaciones a la vez: con su novio del pueblo de Soria, el de toda la vida; con un médico casado que era su amor imposible; con el clásico guaperas y chulito que le metía en mil líos. La infidelidad femenina no era muy habitual en las ficciones de aquellos años y yo creo que confería al personaje una dimensión muy interesante y pícara.

Ana Risueño, a la que hasta hace poco hemos podido ver en ‘Gran Reserva’, se ponía en la piel de Almudena, una “niña bien”, inocente y un tanto frívola, que aparecía por el piso cuando peleaba con su familia o quería evadirse; Lia Chapman interpretaba a Sara, una norteamericana que preparaba una tesis sobre Camilo José Cela y que resultaba bastante alocada, presentándose a castings de actriz, cantante… y Silvia Marsó hacía el papel de Rita, una hippie que estudiaba veterinaria pero que estaba tremendamente interesada en la meditación o la ecología.

Como en tantas y tantas series, el reparto inicial sufrió cambios. Marsó y Chapman dejaron la serie y sus sustitutas fueron Paula Vázquez y Mar Flores. Paula Vázquez era entonces una jovencísima actriz que no había saltado aún a la fama (o al menos, no había alcanzado su estatus actual). Interpretaba a Nancy, informática y manitas. Mar Flores tuvo aquí una de sus oportunidades para demostrar sus dotes de actriz, dando vida a Helena.

Además de las chicas, había un numeroso vaivén de hombres, chicos y señores, que protagonizaban los enredos amorosos de las muchachas. A destacar, Luis Merlo como guaperas rompecorazones. Micky se llamaba su personaje, era camarero, liante, mentiroso y muy atractivo. Xabier Elorriaga daba vida al hombre casado del que estaba enamorada Alicia, le tenía profundamente idealizado y él se aprovechaba de la situación. Blas Moya era Eugenio, el novio del pueblo, un chico tierno y confiado, adorable.

Muchísimos episódicos acompañaban las historias de ‘Canguros’. Ligues, padres de los niños a cuidar, los mismos niños (con las dificultades que nuestra ficción tiene en este aspecto) y, difícil de olvidar, un Santiago Segura en sus primeras apariciones televisivas, como casero de las chicas. Un personaje muy caricaturizado al que Segura sabía darle su sello inconfundible.

‘Canguros’, ¿humor blanco?

Cuando recuerdo esta serie siempre lo hago imaginándome un producto de humor blanco, muy sencillo, con un desarrollo relajado y con trazas para ser visto por toda la familia. Las inevitables tramas infantiles de sus historias parecían hacerla apta para cualquier público.

Igual esta imagen es por la comparación que, sin querer, se establece con la ficción actual, llena de historias más truculentas y morbosas, pero la realidad es que ‘Canguros’ no tuvo un camino fácil en cuanto a críticas se refiere. Sus contenidos fueron puestos en entredicho más de una vez e incluso una asociación pro derechos del niño pidió su retirada de la parrilla. ¿La causa? Que en algunos de los capítulos, los niños adoptaban roles de adultos, jugando incluso a ser prostitutas o a emborracharse.

A pesar de todo esto, reconozco que mi recuerdo personal es muy positivo: el de una serie fresca, entretenida y dinámica, con historias que tocaban temas muy diferentes, de fácil consumo y con unas protagonistas que enamoraban.

Ficha Técnica: ‘Canguros’

Título Original: Canguros

Género: Comedia

Cadena: Antena 3, Canal 7

Disponibilidad DVD: No

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

“I’m Muzzy, big Muzzy”. Si sois de la cantera de finales de los 70 o principios de los 80, probablemente estas fueran las primeras palabras que aprendisteis en inglés. Y es que este extraterrestre gigante y bonachón hizo las veces de profesor en las tardes de TVE para toda esa generación de pan con nocilla. Un domingo más activamos el modo nostalgia para viajar muy lejos en el tiempo, en este caso, para remontarnos más de 20 años atrás (imposible no sentirse mayor después de hacer las cuentas).

Escuela de idiomas

‘¡Que viene Muzzy!’ tenía una clara finalidad pedagógica. Las aventuras de este marciano que aterrizó en el extraño país de Gondoland se convirtieron en un método sencillo y ameno de aprender inglés en divertidas lecciones de 10 minutos. La idea partía de la película de animación producida por BBC, Muzzy in Gondoland. (1986). Aquel bicho tuvo tanto éxito que la cadena inglesa se ha dedicado a exportarlo a través de su filial Early Advantage a medio mundo como sistema de aprendizaje de idiomas: Muzzy habla español, italiano, francés, alemán, ruso, portugués, chino mandarín ¡y hasta esperanto!

El éxito del método se basa en la presunción de que los niños tienen un talento innato para aprender idiomas nuevos. Y más aún si es a través de un personaje tan entrañable como este comerrelojes de voz barítona. Muzzy machacaba una y otra vez los conceptos, partiendo de lo más básico: aprender a conjugar el verbo to be. Era imposible no asimilarlo: esas lecciones quedaron grabadas a fuego, mucho más que todo el inglés que, se supone, aprendimos después.

La versión española

En nuestro país, fueron tres actores los encargados de introducir las aventuras de Muzzy: Juan Antonio Ollero (el habitual profe de ‘Un rato de inglés’) Stephan moran e Izaskun Azurmendi (que también partició en el programa juvenil ‘Pista Libre’). Ellos también hacían las veces de profesores, y, mediante sketches cómicos muy blanquitos daban paso a un elenco de personajes, cuanto menos, curiosos: Muzzy (el marciano), la princesa Silvia (un caniche gigante), los reyes de Gondoland (un león y una rata), Bob el jardinero (un ratón), Norman (el humano) y el malo malísimo Corvax, una versión animada y algo más amable de Nosferatu (técnicamente, un goblin) que vivía platónicamente enamorado de la princesa.

Se empezó a emitir en la 2 en 1987 y fue, sin duda, el predecesor de todos los Lunnies, Doras y Pocoyós que posteriormente han asumido (en mayor o menor medida) la tarea de enseñar algo de la lengua de Shakespeare a los críos. Sin embargo, ya le gustaría a Dora la exploradora presumir de ser, además de serie infantil, un curso de inglés con sus DVD y sus libros de lecciones y ejercicios prácticos. Muzzy es un ejemplo más de la gloriosa década de los 80 y sus contenidos televisivos infantiles: ‘El Kiosco’, ‘Planeta imaginario’, ‘La Bola de Cristal’, los tigres y leones de Torrebruno, Espinete y compañía… Fue, sin duda, la época dorada de los niños frente a la tele. Hasta que llegaron Yupi y los 90 (y los chándales de táctel).

Ficha Técnica: ¡Que viene Muzzy!

Título Original: Muzzy in Gondoland

Género: Animación

Cadena: BBC

Emitida en España: La 2

Disponibilidad DVD: Curso completo en DVD con libros

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

El verano pasado sucedió algo extraño en Cataluña. ‘Plats Bruts’ se convirtió en la serie revelación, logrando picos del 26% de share en TV3 y reuniendo más de medio millón de espectadores por la tarde. ¿Y qué había de raro? Pues que se trataba de una serie que había terminado hacía una década y que se encontraba en su cuarto pase en la cadena autonómica.

Muchos, por supuesto, ya habrán oído hablar de ‘Plats Bruts’ y otros no. Para esos, esta breve descripción: es un ‘Friends’ a la catalana. Emitió seis temporadas entre 1999 y 2002 y en ese breve periodo de tiempo batió todo tipo de récords, con audiencias que superaban habitualmente el millón de espectadores y convirtiéndose en la comedia más famosa de la breve historia televisiva de Cataluña.

El argumento de ‘Plats Bruts’ era convencional: López, un pesimista locutor de radio, se veía obligado a convivir en un piso del Ensanche de Barcelona con David, un joven burgués y guapo. Y la serie estaba hecha a medida de los dos actores que los interpretaban, Jordi Sánchez y Joel Joan, por una razón muy clara: ellos también eran los creadores de la serie.

Los excéntricos personajes

El formato era muy simple: muy pocos escenarios, una grada con público en directo y carcajadas por doquier. Una sitcom clásica con un sentido del humor asequible y que utilizaba las diferencias entre los protagonistas como eje central. David era infantil, consentido, superficial y corto de luces mientras que López sólo hacía que quejarse a todas horas, ya fuera por lo poco agraciado que era o por como le molestaba absolutamente todo, incluyendo su compañero de piso.

Como toda buena comedia de situación, los dos estaban rodeados de una buena galería de secundarios. Tenían una especie de Penny llamada Emma, una ingenua y despreocupada hippy que vivía ilegalmente en el tejado, que les robaba la comida y de la que estaban enamorados. También estaba Pol , el camarero homosexual que tenía más sentido común que cualquiera de los demás, y los compañeros de trabajo de López, el estúpido de Ramon y la tirana de Mercedes. Pero nadie puede superar a Carbonell, la asistenta de David de toda la vida que dominaba la jerga militar y cuyo hobby era limpiar sus rifles en el comedor o en la cocina.

Un premio Ondas y un remake

Su éxito le permitió obtener algo de popularidad fuera de Cataluña y ganó el Premio Ondas a la mejor serie en 2002. Se emitió en TVG y también en el País Vasco, donde desarrollaron un remake que fue fiel al concepto y con el mismo título en castellano, ‘Platos Sucios’. Copiaron los decorados y siguieron los guiones pero el éxito no se repitió y tuvo una sola temporada. ‘Plats Bruts’, al fin y al cabo, resultó ser una sitcom con denominación de origen, lo que no impidió que Paramount Comedy también la emitiera para el resto del estado.

El éxito de ‘Plats Bruts’, que conste, no fue porque era la primera comedia de tomo y lomo autóctona, ni porque el espectador aceptara cualquier cosa que le echaran. La cuestión es que cogía una receta tradicional, la de la sitcom americana, la adaptaba a la perfección y encima los astros se alinearon. Los personajes resultaban simpáticos, entrañables y cercanos a pesar de sus defectos, los actores tenían una vis cómica y una química obvias y los guiones estaban trillados de bromas que funcionaban. Y para todos los públicos (sin niños pequeños de por medio).

El ‘happy place’ catalán

Desde el arranque del episodio hasta el final, el piso de David y López era un ‘happy place’, un lugar muy reconfortante donde no había hueco para las preocupaciones y donde sólo se podía pasar un buen rato. Y esas actuaciones tan excesivas puede que ahora chirríen un poquito como ocurre con ‘Aquí no hay quien viva’, pero los gags y el ambiente alegre y fresco se mantienen con el paso del tiempo.

Solamente así se puede entender que diez años después de emitir el último episodio el público catalán todavía esté interesado. Y es que no hay nada mejor que encontrarte una reposición de ‘Plats Bruts’ en la tele, de la misma forma que no hay nada más frustrante que ver que no sacan la colección completa en DVD. De momento y desde hace años, solamente se puede adquirir el paquete con la primera temporada. Por suerte, el bendito canal de Youtube de TV3 permite que podamos recuperar casi todos los capítulos de vez en cuando.

¿Qué pasó con Jordi Sánchez y Joel Joan?

Joan, en cambio, se quedó en Cataluña donde es uno de los rostros más conocidos del independentismo catalán, presidió la Academia del Cine Catalán desde 2008 hasta este año y su trabajo más importante también fue en TV. ‘Porca Misèria’ era una comedia dramática de autor y él la escribió, dirigió, produjo e incluso compuso su música, y le reportó un segundo premio Ondas.

Por lo que parece, ninguno de los dos tiene previsto retomar los personajes de López y David. ‘Plats Bruts’ fue un éxito sorprendente y apabullante que, como se retiró cuando todavía estaba en la cresta de la ola, mantiene intacta su áurea de mito. Y bien que se la merece.

Ficha Técnica: ‘Platos Sucios’

Título Original: Plats Bruts

Género: Comedia

Cadena: TV3

Cadena en España: Paramount Comedy

Disponibilidad DVD: Sólo la temporada 1

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

Corría 1989. Tras del exitazo de alguna de sus series clave como ‘Canción triste de Hill Street’ o ‘La Ley de Los Ángeles’, Steven Bochco, uno de los productores y creadores de ficción televisiva más relevante de la historia americana, se adentró en un contrato con ABC para producir diez series para televisión. El primer título resultante de ese acuerdo fue ‘Hooperman’, una comedia con John Ritter que fue cancelada tras dos temporadas. Su segunda producción dentro de este acuerdo fue ‘Doogie Howser, M.D’, estrenada en España por Telecinco como ‘Un médico precoz’.

Con la idea original, Bochco acudió a uno de los guionistas de ‘La Ley de Los Ángeles’, que luego se convertiría en otro relevante creador televisivo de aquel país: David E. Kelley. Fue el primer created by de Kelley, aunque su verdadera primera creación propia sería (unos años después) ‘Picket Fences’. Juntos arrancaron esta historia protagonizada por un jovencísimo Neil Patrick Harris, que interpretaba al Doctor Douglas Howser, un adolescente que inspirado por su propia experiencia de sobrevivir a la leucemia decide convertirse en médico cuando es niño.

No puede comprar cerveza, pero puede prescribir drogas

Uno de los principales conflictos del personaje durante la serie es la credibilidad. Cualquiera podría entender que si llegas al hospital con un problema de salud y te topas con que tu médico no se levanta por encima de metro y medio, un pelín de dudas de nada es aceptable. La serie rondaba además otros temas más sociales, una línea que las series médicas facilitan con su variedad de pacientes por episodio. Y si ya no tiene suficiente, además se le suman las preocupaciones habituales de un chico de su edad, como los granos y las chicas; pero claro, eso al lado de salvar vidas, queda un poco superficial.

Si existe algún elemento que inmediatamente nos lleva a la serie ese es el diario que Doggie escribe en su ordenador modernísimo de la época, con letra blanca sobre fondo azul. Siempre se trataba de una pequeña reflexión que hacía al término de cada episodio sobre lo aprendido en ese día o ese caso.

Es una dramedia mayormente autoconclusiva en sus inicios, pero con el paso de las temporadas la serie fue derivando más hacia la comedia adolescente, sobre todo cuando Doogie se independiza de sus padres. A partir de este punto, en la tercera temporada, la serie empezó a perder audiencia y para la cuarta, la cadena decidió cancelarla fulminantemente con un episodio final precipitado que no coincidía con la idea que Bocho comenta en uno de los extras de los Dvds, que pretendía hacer a Doogie abandonar la medicina por haber malgastado su juventud y convirtiéndose en escritor.

Los Howser y compañía

Max Casella interpreta al mejor amigo de Doggie en la serie, y como Neal, tiene otro papel posterior televisivo que ha marcado su carrera, el de Benny Fazio en ‘Los Soprano’. Los padres de familia Wanda y David estaban interpretados por Lisa Dean Ryan, que ha seguido haciendo carrera en televisión y ahora se limita mucho a papeles episódicos, y James B. Sikking, uno de los rostros más conocidos que ya trabajó previamente con Bochco en el papel del teniente Hunter de ‘Hill Street Blues’.

‘Un médico precoz’ se mantuvo en antena durante cuatro temporadas, alcanzando casi el centenar de episodios desde 1989 hasta 1993, y en algunos sitios se puede encontrar como una adaptación o inspiración de Sho Yano, un joven que obtuvo el título de doctor a la edad de 21 años, aunque es una afirmación que no parece haberse hecho nunca de forma oficial. También podréis leer referencias a otro joven doctor, Howard A. Zucker.

Por supuesto, Doogie Howser ha inspirado muchas referencias y parodias desde que se emitiese, pero las mejores siempre se dan cuando es el propio Harris quien las protagoniza. En ‘Como conocí a vuestra madre’ se bromeó con el tema del diario en el ordenador, música de cabecera incluida.

En ¡Vaya Tele! | Neil Patrick Harris, de ‘Un médico precoz’ a presentar los Emmys

¿Os acordais de los Soletes y sus melenas muy ochenteras? ¿Y de Poluto y su barco, que no hacía más que tirar todo tipo de basura y vertidos al mar? Entonces vísteis ‘Los Contamimalos’, que es como se llamó en España la serie de animación ‘The Smoggies’. Formaba parte de aquellas series de dibujos animados que TVE emitía los sábados por la mañana, probablemente dentro del contenedor ‘Cajón desastre’, que fue el encargado de sustituir a un programa tan mítico como ‘La bola de cristal’. No es que fuera una serie de gran éxito, ni unas de ésas que fueron una gran influencia en la televisión posterior, pero los Soletes fueron curiosos porque su temática era muy de su época, de finales de los 80 y principios de los 90, una época en la que coincidieron, por ejemplo, con ‘Seabert’, que era otra serie muy preocupada por transmitir a los niños el respeto por el medio ambiente.

‘Los Contamimalos’ era una serie franco-canadiense cuyo título español ya explicaba claramente su temática medioambiental. Sus protagonistas eran los Soletes, un grupo de personajes de pequeña estatura, y melena al viento, que vivían en una paradisíaca isla llamada Isla Coral. Los Soletes protegían el entorno de su isla de cualquier tipo de contaminación y aprovechaban los recursos disponibles de una manera sostenible, y tenían que mantener a raya constantemente a los Contamimalos del título, tres villanos que viajaban en un un barco muy, muy sucio. La líder de los malos era Emma y estaba obsesionada por un coral mágico que daba la eterna juventud y que, según ella, estaba en la isla de los Soletes. Con ella viajaban su marido Clarence, que era el capitán del barco, y Poluto, su único tripulante, al que se mostraba como no demasiado listo y con buen corazón en el fondo. Que participara en las actividades contaminantes de Emma y Clarence era más resultado de sus pocas luces y su deseo por seguir las órdenes de Clarence.

Una serie con mensaje

Lo más destacable de ‘Los Contamimalos’ es, evidentemente, su claro mensaje ecologista. Todos los capítulos giraban en torno a los intentos de Emma y compañía de ensuciar la Isla Coral de diferentes maneras, y cómo los Soletes los desbarataban todos. Además, claro, estaba la búsqueda de ese coral mágico que, desde casi el principio, sabíamos que no existía, pero que contribuía a que viéramos a Emma como una villana impulsada sólo por su vanidad y por una vacía búsqueda de la belleza. Dicho así, parecería que ‘Los Contamimalos’ era una serie muy profunda, pero nada más lejos de la realidad. En realidad, era bastante ligera y sencilla, y su mensaje de conservación del medio ambiente quedaba muy claro en todo momento.

Los dibujos tampoco eran especialmente sofisticados, pero cumplían su función. Aunque en Canadá se emitió entre 1988 y 1991, cuando llegó a Estados Unidos, en 1995, lo hizo en medio de una ola de títulos infantiles que buscaban igualmente inculcar a los niños el respeto por el medio ambiente. Entre ‘Capitán Planeta’ y la serie de ‘Liberad a Willy’, ‘Los Contamimalos’ formó parte de una tendencia en la programación infantil que respondía mucho a lo que se hablaba en la época, en la que se comenzó a discutir seriamente lo que era la ecología.

Emisión en España

Como decíamos antes, la serie se vio en TVE dentro de ‘Cajón desastre’, y dentro también de aquella ola de dibujos animados producidos en Canadá, muchos de la productora Nelvana, que llegaron a nuestra televisión entre los 80 y principios de los 90. ‘Los Contamimalos’ quizás no sea tan recordada como ‘Seabert’, por ejemplo, pero los Soletes y sus melenas sí que se recuerdan entre los que la vimos. Eso, y la imagen del barco de los malos tirando basura de todo tipo al mar.

No tenía ningún tipo de subtexto ni de mensaje oculto por debajo de su idea de la protección del medio ambiente, ‘Los Contamimalos’ era exactamente lo que parecía y era, al mismo tiempo, un producto de su época. Poluto y los Soletes tenían su gracia en aquel momento, y presentaban un tipo de animación para niños muy de los 80, sencilla y que transmitía un mensaje a la vez que buscaba entretener a su público.

Ficha Técnica: Los Contamimalos

Género: Animación infantil

Cadena: HBO (en EE.UU.)

En España: TVE

Disponibilidad DVD: En Estados Unidos, completa

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

Si hay una etapa mítica en la televisión es ese tan sobado “inicio de las cadenas privadas”. Coincidió con la década de los 90 y nos abrió todo un mundo de posibilidades. En el caso de Telecinco nos enganchó a ‘Sensación de Vivir’ y nos aberró también con programas cañí como ‘Goles son amores’ o ‘Las noches de tal y tal’. Esa era de la cadena también encumbró a los anales de la historia de nuestra televisión a un payaso. Sí, un payaso de verdad, de los de nariz roja y tirantes. Y ese payaso es ahora, ni más ni menos, el presidente de LaSexta. Pero antes de eso fue presentador de ‘VIP’, cantante, showman (en general) e incluso ‘Médico de Familia’. Arrancamos en modo Nostalgia tras el salto.

La franquicia VIP

Pocos sabrán (incluida una servidora) que Emilio Aragón no fue el primer conductor de ‘VIP’, sino José Luis Moreno acompañado de una jovencísima Belén Rueda. Se estrenaba en marzo de 1990 (coincidiendo con el nacimiento de la cadena). Entonces era un programa de emisión diaria. Fue sólo unos meses después cuando se hizo una versión road en Marbella, rebautizándose como ‘VIP Mar’ y pasando a la batuta de quien por aquel entonces era conocido como Milikito. Y desde aquel momento, ‘VIP’, en todas sus modalidades, se asociaría para siempre a un rostro, el de Emilio Aragón, y un mítico estilismo: smoking combinado con zapatillas converse.

Y es que los ‘VIP’ se multiplicaron como panes y peces. Se inventaron la versión infantil en aquella época del chachi y el guay. Raquel Carrillo y Ana Chávarri fueron las co-presentadoras del ‘VIP Guay’ de los sábados de pan con nocilla para la generación post-Bola de Cristal. Horas más tarde el espacio volvía a la pantalla amiga con la versión ‘VIP Noche’, siempre con Aragón al frente y acompañado de, por etapas, Belén Rueda, Mar Flores, Thalia y Carmen Russo.

Un año después de su estreno, ‘VIP Tarde’ había desaparecido y se sacaron de la manga una versión rosa,‘VIP Corazón’, que se unió al resto de Vips. De modo que este programa fue el ‘Gran Hermano’ de los 90 en cuanto a rentabilidad televisiva. Prácticamente se convirtió en un estandarte de la cadena, sobre todo gracias al tirón de Emilio Aragón que, a esas alturas ya se había convertido incluso en cantante de éxitos como Te huelen los pies y era un recurso fácil para llenar horas de parrilla.

‘VIP Noche’, el primer hit

‘VIP Noche’ fue el típico programa de variedades, pero contaba con un valor añadido. Emilio Aragón no era un simple presentador; era y es, ante todo, cómico y explotaba esta vis en el programa con sketches y personajes recurrentes, casi como una continuación de su papel en ‘Ni en vivo ni en directo’ (TVE, 1983) aunque adaptados al target de un espacio familiar. Su labor de presentador fue premiada con diversos reconocimientos (Varios Tepés, Premio Ondas, Antena de Oro) y el programa fue elegido por los espectadores como el mejor de 1991 en su categoría.

‘VIP’ era, en esencia, un concurso. Lo que se añadiera después dependería del público y el horario. Rostros conocidos ocupaban las casillas de un gran tablero del juego del Tres en raya. Por estas casillas se pudo ver a humoristas como el Dúo Sacapuntas, Gran Wyoming, Los Morancos o Miguel Caiceo. Eran los encargados de intentar confundir a los concursantes contándoles historias que podrían ser verdad o no. Cada acierto, un movimiento de tablero. Muy simple. Pero ésto sólo era la base. Al concurso se añadían, como decíamos, otros atractivos: actuaciones musicales, el humor de Emilio Aragón o el mítico ballet del Cacao Maravillao, el falso “sponzorao de la nostra trasmissao”.

En realidad todo estaba ya inventado. ‘VIP’ tomó la idea del formato original americano ‘The Hollywood Squares’(NBC) pero lo adaptó a la idiosincrasia del humor español de bar en general y de la etapa Lazarov en particular. Las bailarinas del ‘Cacao’ (como pasaría con las Mama Chicho) se convirtieron casi en un espacio propio y banda sonora de los inicios de Telecinco, muy influenciados por el modo de hacer de la televisión italiana. Pero lo que verdaderamente lo convirtió en hit fue, sin duda, la presencia y el carisma de Emilio Aragón. Presentador cercano y con una gran capacidad para conectar con el público, se hizo megapopular durante esta etapa. Y es que desde sus inicios en la tele demostró con creces sus dotes de showman; a lo largo de su trayectoria se ha revelado como un hombre polifacético: director de orquesta, compositor, director de cine… Pero eso sí: ante todo, payaso. Y a mucha honra.

Ficha Técnica: VIP

Título Original: VIP

Género: Variedades

Cadena: Telecinco

Disponibilidad DVD: No

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

Llegó el domingo y es hora de echar un vistazo al retrovisor de los recuerdos televisivos y ponernos un poco melancólicos recordando las series y programas con los que crecimos y que nos marcaron. Ya sabéis, en nuestro Nostalgia TV nos gusta compartir recuerdos catódicos y traer a la memoria personajes inolvidables, historias que nos hicieron soñar, momentos que nos dejaban con el bocado de merienda en el aire, absortos como estábamos con esas imágenes que desfilaban ante nosotros. Y el protagonista de hoy se llama ‘Raqueta de oro’.

Una época dorada para los niños espectadores

Cuando las privadas se pusieron en marcha en nuestro país, abrieron un abanico de posibilidades que la tele pública no había tocado. El interés de Telecinco y Antena 3 era ganarse la confianza de los espectadores, algo que no puede lograrse si no se tiene el favor del público infantil. Tal vez siguiendo ese deseo, en las parrillas comenzaron a proliferar animes venidos de Japón y que presentaban historias que resultaban altamente adictivas para unos niños acostumbrados a ver dibujos mucho más “inocentes”.

Antes de ir al cole, cuando volvíamos para comer y a lo largo de una licenciosa tarde (que nunca invitaba a ir a hacer los deberes) teníamos siempre dibujos. Y solían ser japoneses, y con temas tan atractivos como el amor, el deporte, la superación personal… o todos a la vez. Éste es el caso de la serie que nos ocupa hoy: ‘Raqueta de oro’, una ficción que nos presentaba el mundo del tenis desde un marco de relaciones personales y con cierto misticismo hacia el deporte, un ingrediente estupendo para enganchar.

Un anime deportivo

‘Ace o nerae!‘ es el nombre original de un manga creado en 1972 por Sumika Yamamoto y publicado en Margaret. Debido a su éxito y, tal y como sucedió con muchas otras series, la historia fue adaptada para televisión, convirtiéndose en un anime dirigido por Osamu Dezaki y producido por el estudio Tokyo Movie Shinsha. En España, pudimos verlo en Telecinco, en el programa ‘Superguay’, un espacio vespertino conducido por Miliki y Rita Irasema que funcionaba como un contenedor de series para niños.

También, y en relación con la historia que nos contaba ‘Raqueta de oro’, tuvimos otra serie anime y dos OVAs, e incluso una película que funcionaba como un recopilatorio de los momentos más importantes de la historia. Posteriormente, la serie también tuvo una versión en live-action drama (o sea, con actores de carne y hueso) que llegó a las pantallas en 2004.

‘Raqueta de oro’, como se tradujo la serie en España, nos traía la historia de Marta, una chica cuya gran pasión era el mundo del tenis y pretendía convertirse en una gran profesional, por lo que dedicaba todo su tiempo a entrenar y a mejorar su técnica en el equipo de su colegio, Nishi. La historia estaba planteada para que el espectador sintiera absoluta identificación con la chica que, de ser una jugadora más “normalita” iba convirtiéndose en toda una crack, gracias sobre todo, al sacrificio.

Deporte, drama y amor, éxito asegurado

Son numerosas las series japonesas que llegaron a nuestro país y que contaban con una base sólida centrada en un deporte: el fútbol, el baloncesto, el voleibol, la gimnasia rítmica… ofrecían una historia de superación y un entusiasmo y compromiso que inyectaban sentimientos positivos en los niños acerca de la práctica del deporte. Pero, a ello, por supuesto, había que aunar el hecho de que todas estas historias no se concebían como los clásicos dibujos animados de historias autoconclusivas y peripecias ligeras y humorísticas, sino que tenían una carga amorosa brutal, muy parecida a la de las telenovelas, y conseguían que los desvelos de los protagonistas se convirtieran en los desvelos de los espectadores.

La historia tiene un esquema que nos suena de otras series: Marta Nolan es un joven que quiere llegar lejos en el mundo del tenis. Entra en el equipo del colegio Nishi y pronto se gana la confianza de su entrenador, Jeremías, un hombre rudo y severo pero de fondo noble. En cambio, Marta no cuenta con las simpatías del resto del equipo, que le hacen el vacío y la marginan (algo que vemos en otras series como ‘Campeones’ o ‘La panda de Julia‘). El buen hacer de Marta, su esfuerzo y tenacidad, lograrán que poco a poco vaya ganándose el respeto y la admiración de sus compañeras. En su evolución, conseguirá convertirse en una gran jugadora.

Otros elementos muy importantes de la historia, venían de la mano de otros personajes: Rosa, Madame Butterfly, era una compañera de Marta en el equipo de tenis. Era talentosa, guapa, carismática, todo un modelo a seguir por sus compañeras. Al igual que las otras chicas, Marta quería parecerse a ella. Las frías maneras de Rosa, su talante egocéntrico, acababan convirtiéndose en una carga para ella. Y, por supuesto, imposible olvidar a Roberto, el chico de la serie. Roberto era miembro del equipo masculino de tenis y Marta y él se enamoraban. Pero el entrenador obligaba a Marta a alejarse de él para centrarse en su carrera, todo un drama.

Y es que eso mismo, el drama, era un ingrediente fundamental para esta series. El acoso que Marta sufría al comienzo de la serie, un bullying en toda regla que incluía malas palabras, boicots, e incluso el robo de una raqueta sólo se veía superado por la tragedia que suponía el conocimiento de que el huraño pero querido entrenador, Jeremías, tenía leucemía. Curiosamente, los animes siempre han tenido la habilidad de equilibrar estos puntos más dolorosos con momentos simpáticos y divertidos fomentados, sobre todo, por la personalidad de la protagonista, un ejemplo de vitalidad y buena disposición.

Ficha Técnica: Raqueta de oro

Título Original: Ace o nerae!

Género: Anime

Cadena: NTV

Cadena en España: Telecinco

Disponibilidad DVD: No en castellano

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

Hace ya más de una década, un pequeño japonés invadió poco a poco los hogares de la península. Empezó por Cataluña, se extendió por Galicia y el País Vasco, se consolidó en Andalucía y finalmente llegó a todas partes. El tipo se llamaba Shinnosuke Nohara y en un tiempo récord se convirtió en la peor influencia de los niños y una gamberra diversión para el público mayor.

La serie, que conste, engañaba. En Occidente estamos poco acostumbrados a ver productos protagonizados por menores y que vayan dirigidos a un target adulto, y este era el caso de ‘Shin-Chan’. De aquí que despertara tanto furor como polémica allí donde se estrenara, revolucionando al público infantil, poco acostumbrado a tener un referente tan políticamente incorrecto como ese niño de cinco años.

Los orígenes de Shinnosuke

‘Shin-Chan’ era un manga de Yoshito Usui, que lo creó en 1990. Dos años más tarde ya tenía una adaptación en anime, que lleva 20 años en emisión en Japón, donde ya se han emitido alrededor de 800 episodios. Aquí llegó el año 2000 en TV3 y se expandió poco a poco por el territorio hasta que Antena 3 se hizo con los derechos en 2005. Su sobre-explotación, sin embargo, también provocó que tres años después bajase su repercusión social.

Su éxito llegó a ser tal en Cataluña que en 2004 Usui visitó Barcelona en un acto promocional y acabó escribiendo un episodio donde la familia Nohara visitaba la capital catalana. Ellos visitaron la estatua de Colón, la Sagrada Familia y, cuando el protagonista se perdía, un señor le daba tortilla y croquetas para comer. Usui, sin embargo, murió el 11 de septiembre de 2009 tras caer de un precipicio de 120 metros, aunque la serie de televisión siguió su curso y produciendo nuevos episodios.

¿Quién es este incordio?

Shinnosuke tenía un argumento bien simple y comprensible. Era un incordio de cinco años que sacaba de quicio a sus padres, Hiroshi y Misae, a quienes apenas obedecía. Le gustaban mucho las mujeres y tendía a imitar a los adultos con resultados cuestionables. Aplicaba mal las expresiones que oía a los mayores, hacía preguntas indiscretas, odiaba los pimientos, intentaba ligar con chicas mucho mayores que él y jamás perdía su inocencia. Él veía el mundo de forma desinhibida y pocas veces se daba por aludido cuando le caía alguna bronca.

Tenía el hábito de pintarse elefantes en el pene y a la mínima se bajaba los pantalones para hacer la danza del ‘culito, culito’. Recordaba en este aspecto al Son Goku de los inicios, el protagonista de ‘Bola de Dragón’, que tenía bastante curiosidad sexual y actuaba con total normalidad cuando se encontraba desnudo. En su estreno ya hizo toda una declaración de intenciones con su primera escena:

El universo de ‘Shin-Chan’

Cuando se producen centenares de episodios, es normal que se acabe elaborando un universo rico en personajes. Por un lado, tenía su familia inmediata: su padre aficionado a las mujeres como él, una madre adicta a las compras y con muy mal carácter, su hermana Himawari que nació a mitad de la serie y que adora las joyas, y un perro llamado ‘Nevado’ al que Shinnosuke adora pero que constantemente recibe las consecuencias de tener un amo tan distraído, que tanto le deja sin comida o sin salir a pasear durante días.

Shinnosuke y el Ejército de Salvación

Y después están los compañeros de guardería con los que formó el Ejército de Salvación de Kasukabe, cuya única misión es meterse en aventuras. De esta grupo probablemente los más memorables son Boo-chan, ni que sea porque siempre lleva el moco colgando, y Nené, la chica del grupo y que tenía una visión muy retorcida del juego de ‘papás y mamás’. También están la señorita Midori, la señorita Uma de la clase de las rosas, el director con pinta de mafioso y Nanako Ohara, una estudiante universitaria que también es su amor platónico, entre muchos otros.

Las claves del éxito

‘Shin-Chan’ arrasó porque nadie esperaba que alguien tan insolente tuviese cabida en los bloques de comedias infantiles de la televisión. De repente un mocoso llegaba a la televisión con sus manías, sus ansias exhibicionistas y su obsesión por las mujeres, y encima hacía que todas sus expresiones y costumbres fueran populares. En Cataluña no debe existir una sola persona que no sepa a quien no le gustan los pimientos o quien inventó el ‘culet, culet’.

Y resultaba refrescante encontrar un humor algo gamberro y con unos personajes bien definidos, que les permitían a los guionistas jugar con multitud de situaciones. Lástima que llegó la saturación y la pérdida de la novedad, el ciclo natural de las ficciones infantiles (ahora, por ejemplo, ‘Bob Esponja’ está perdiendo algo de fuelle mientras aparecen nuevas alternativas). Pero un episodio de ‘Shin-Chan’, que conste, siempre significará diversión asegurada.

Ficha Técnica: ‘Shin-Chan’

Título Original: ‘Kureyon Shin-chan’

Género: Anime

Cadena: TV Asahi

Cadena en España: Neox

En ¡Vaya Tele! | ‘Bola de Dragón’, Nostalgia TV

Algunos lugares forman parte de nuestro ideario televisivo colectivo, ya sean reales, ficticios o una mezcla de ambos. En ‘Las chicas de oro’ oíamos continuamente esas historias de Sofía que empezaban con un “Imaginad: Sicilia…“. Pero Rose nos divertía con las surrealistas anécdotas de un lugar llamado, por arte de birlibirloque y los caprichos del doblaje, Senolaf; en realidad, St. Olaf (en el estado de Minnesota). Y el primo Balki nos llegó a convencer de que existía una isla griega llamada Mypos.

‘Primos lejanos’ es de la misma quinta que otras míticas como ‘Alf’ o ‘La familia Hogan’. Estas se estrenaron en 1986 (en España, Balki y Larry llegaron en 1990, de la mano de Canal+ en abierto) pero lo cierto es que en la década de los 80 las sitcoms proliferaban en la televisión americana y esta sección le debe mucho a aquella época dorada. ABC nos trajo esta comedia blanca y ligera sobre dos primos, dos perfectos desconocidos de carácter antagónico que comparten piso en Chicago y que hoy protagonizan nuestro ‘Nostalgia TV’.

Un periodista y un pastor

‘Primos lejanos’ parte de la llegada de Balki Bartokomous (Bronson Pinchot) a Chicago para experimentar la vida en la gran ciudad y dejar atrás sus ovejas y su Mypos natal. Cuando se presenta ante la puerta del “Primo Lary” (Mark-Linn Baker) diciendo que es su primo (lejano) y con su extravagante acento, aquel no puede estar más confuso. Más aún cuando se acopla a vivir en su sofá. Pero viniendo de tan lejos, ¿cómo decirle que no? Incluso le consigue trabajos; para la temporada 3, Balki acaba convirtiéndose en el chico del correo en el Chicago Cronicle, el periódico en el que trabaja Larry.

El griego empieza así una nueva vida de inmigrante en América, tratando de adaptarse al entorno, a costumbres completamente nuevas y al idioma, dando lugar a las típicas situaciones rocambolescas. Su nostalgia le hace recordar constantemente (llegando a ser algo cansino) su vida en Mypos: la “danza de la alegría”, un baile típico de la isla, será un gag recurrente en la serie. La convivencia con Larry es un auténtico desastre: Balki tiene el don de la inoportunidad y de poner muy nervioso al maniático Larry Appleton.

Pero, lógicamente, los primos acabarán haciéndose amigos porque Balki es socialmente torpe, pero de buen corazón. En la segunda temporada se incorporan las novias oficiales, Jennifer y Mary Ann, que lo serán hasta el fin de los tiempos de la serie: en la última temporada se casan, se embarazan a la vez y acaban compartiendo casa. Pero después de aquello, no quedaban muchas tramas por explotar. Sólo ponerle fin, después de 150 capítulos, ocho temporadas y siete años en la parrilla de ABC.

Y ‘Primos lejanos’ engendró a ‘Cosas de casa’

Resulta que Steve Urkel apareció en nuestras vidas gracias a ‘Primos lejanos’. Todo empezó en el Chicago Cronicle, el periódico ficticio en el que también trabajaba Harriette Winslow de ascensorista, esa persona que, no sé muy bien por qué motivo, ocupa un puesto laboral únicamente para apretar los botones por ti. Carl también fue convenientemente presentado a la audiencia como su marido. Algún genio debió pensar que estaría bien saber qué pasaba en casa de los Winslow cuando Harriette acababa su jornada laboral de operadora de ascensor. Así se gestó ‘Family Matters’ y, con ella, uno de los personajes más odiables de la televisión, que pronto perdió la gracia (aunque Antena 3 y su bucle de redifusión tuvieron mucho que ver en ello).

Y es que, como comentaba más arriba, los 80 fueron la edad de oro de las sitcoms blandas y familiares, con openings en los que veíamos a los actores (algo casi impensable hoy): ‘Los problemas crecen’, ‘Padres forzosos’, ‘La hora de Bill Cosby’, ‘Papá Comandante’, ‘Las chicas de oro’ y tantísimas otras. Afortunadamente, el género ha evolucionado hasta llegar al nivel de ‘Modern Family’, que ha puesto patas arriba el concepto de comedia familiar.

Balki y Larry en la actualidad

Bronson Pinchot ha participado como secundario en una lista discreta pero aceptable de películas. También ha intervenido como invitado en diversas series; su última aparición en una ficción fue en 2010, en ‘Hawai 5.0’. Pero aún le quedaba algo más por hacer en televisión: desde 2012 conduce su propio programa de “rey del bricolaje” en el canal de cable DIY, llamado ‘The Bronson Pinchot Project’. Al parecer, se dedica a comprar casas antigüas y reformarlas.

Mark Linn-Baker ha aparecido también en numerosas series (‘Padres forzosos’, ‘Cosas de casa’, ‘Ally McBeal’, ‘Ley y orden’) pero al mismo tiempo desarrolló su faceta de director en algunos capítulos de ‘Vivir con Mr. Cooper’, ‘Paso a paso’ o ‘Cosas de casa’. También lo intentó con ‘The trouble with Larry’, al frente de la cual puso al propio Pinchot como actor principal, el mismo año que finalizaba ‘Primos lejanos’. Sin embargo, la serie sólo duró una temporada en antena. Su última intervención televisiva fue el pasado año, cuando pudimos verle en un capítulo de ‘The good wife’, interpretando a un juez. Seguro que muchos lo reconocisteis como el genuíno “primo lary”.

Por cierto, que Factoría de Ficción repuso ‘Primos lejanos’ hace un par de años y Cuatro hizo lo propio en 2006. Un estreno fresquito.

Ficha Técnica: Primos lejanos

Título Original: Perfect Stranges

Género: Sitcom

Cadena: ABC (1986-1993)

Emitida en España: Canal+, Cuatro, Factoría de Ficción

Disponibilidad DVD Temporadas 1 y 2

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

No sé si os pasa como a mí que cuando me topo con cierto tipo de series infantiles haciendo zapping, me quedo a verlas. ‘David el Gnomo’ es una de ellas, que por muy infantil que sea sigue estando estupendamente escrita y tiene unos valores tan universales y atemporales que no pierde su atractivo. ‘Pingu’ es uno de los títulos que incluiría en esa lista, pero me guardo los porqués para más adelante.

‘Pingu’ es una serie de animación stop-motion procedente de Suiza que estuvo en producción y emisión durante 20 años. Las catorce temporadas con las que cuenta se emitieron desde 1886 1986 hasta 2006 y durante el camino algunas productoras británicas entraron en el proyecto hasta que se completaron los 157 episodios de cinco minutos (con algún que otro especial largo) antes de que dijese adiós.

Su protagonista era el pingüino que daba nombre a la serie. Pingu vivía en un iglú del Polo Sur con su modélica familia: padre trabajador (cartero con trineo motorizado), madre ama de casa entregada, hermana que juega a servir el té a muñecos de nieve, el abuelo… Además de pasar tiempo con ellos, Pingu tenía a sus amigos y compañeros de aventuras, muchos de ellos pingüinos como él, pero también estaba su mejor amiga la foca o una especie de abominable pero amoroso hombre de las nieves.

Universal y exportable

El stop-motion, lo entrañable de sus personajes y situaciones y la nostalgia son tres motivos por los que aguanta bien el paso de lo años(y consigue atraparme si me topo con ella), pero el principal valor de cara a la actualidad es la simpleza y claridad con la que transmite esos valores como la curiosidad, la imaginación, la aventura, la amistad o la generosidad. Lo digo sobre todo en contraste con otras series prescolares como ‘Los Teletubbies’, que apenas transmiten nada más allá de dar vueltas una y otra vez sobre la misma anécdota chorra. No digo que ‘Pingu’ sea ‘Barrio Sésamo’, pero tampoco pretende ser tan obviamente educativa y se concentra de manera clara en ciertos valores identificables por los niños a través de las aventurillas de un pingüino muy simpático.

Es cierto que es difícil valorar series dirigidas a niños tan pequeños desde una perspectiva adulta sin que exista un factor nostálgico detrás. Mientras que ‘Pingu’ sí ha formado parte de mi infancia, los ‘Teletubbies’ me pillaron en mitad de la adolescencia, cuando luchaba porque mis primos pequeños viesen cualquier cosa menos eso. Algunos defienden a esa especie de osos marcianos de colores por estar dirigidos a niños más pequeños, pero no veo que su público potencial sea distinto al de ‘Pingu’, que simplemente es apto para un rango de edad más amplio.

Comparaciones aparte, ‘Pingu’ es de esos dibus que tantos años después no han perdido su encanto. Aunque no consigo encontrar confirmación al respecto más allá de tirar de programación + hemeroteca, en España debía tener los derechos de emisión la FORTA porque recuerdo verla en Telemadrid y tengo testimonios de otros Pingufans que la veían en TV3 (donde se sigue emitiendo) o Canal9.

Por acabar con una sonrisa, en 1993 David Hasselhoff lanzó en Suiza un rap titulado ‘Pingu Dance’ que posteriormente se ha utilizado como música de cabecera para los episodios en algunas emisiones internacionales (aunque yo siempre lo ví con esta versión)

Ficha Técnica: ‘Pingu’

Título Original: ‘Pingu’

Género: Animación/Infantil

Cadena: SF DRS (Suiza)

Cadena en España: Autonómicas

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

En la última gira de la Asociación de Críticos de Televisión, The CW anunció que introduciría en ‘Arrow’ a otro superhéroe de DC, Flash, con la idea de luego desarrollar un spin off alrededor de él. No sería la primera vez que el relámpago rojo tiene una serie para él solo, porque CBS ya intentó adaptarlo a la gran pantalla en 1990, y además como una de sus apuestas fuertes para aquella temporada. ‘Flash, el relámpago humano’ (o ‘The Flash’, que era su título original), llegaba un año después de que Tim Burton tuviera un gran éxito en el cine con ‘Batman’, y pretendía aprovechar su tirón para tener en antena una serie de superhéroes décadas después de las primeras series centradas en Batman o en Spider-Man.

‘Flash’ necesitaba unos efectos especiales muy avanzados para la televisión de la época para mostrar la enorme velocidad a la que podía correr Barry Allen, y sus capítulos figuraron entonces entre los más caros de producir. El traje estaba diseñado por Stan Winston, todo un veterano de Hollywood que se había encargado de las criaturas y los maquillajes especiales de películas como ‘Terminator’, ‘La cosa’ o ‘Depredador’, y el tema principal de la serie estaba compuesto por Danny Elfman, que también se había encargado de la música de ‘Batman’. El diseño de producción y la fotografía estaban también muy inspirados por esa película y, como curiosidad, la banda sonora de los capítulos estuvo a cargo de Shirley Walker, que después haría la de ‘Batman, la serie animada’. Había muchas expectativas alrededor de ‘Flash’, pero por desgracia no llegó a cumplir casi ninguna.

Entre policiaco y fantástico

‘Flash’ se centraba en Barry Allen, un científico forense que sufre un accidente con un rayo en su laboratorio y, como resultado, desarrolla una velocidad sobrehumana. Con él trabaja su ayudante, Julio Méndez, y la doctora Christina McGee, que le ayuda a entender sus poderes y hasta le proporciona el traje. Al principio, McGee trabaja con Allen sólo porque quiere estudiarlo, pero como era de esperar, enseguida se deasrrolla cierta tensión sexual no resuelta entre ellos. Además, en el piloto, el hermano mayor de Allen, que es policía, muere a manos de un psicópata, y Barry queda al cargo de su sobrino. Estos son los héroes principales de la serie, interpretados todos por actores que entonces no eran conocidos. El encargado de ser Flash fue John Wesley Shipp, que después sería el padre de Dawson en ‘Dawson crece’, y que interpretaba el papel con total entrega y seriedad.

La serie tenía un esquema autoconclusivo, con sus casos de la semana, y un tono que quería ser oscuro y presentar la ciudad en la que Allen vivía como un lugar lleno de amenazas contra las que él debe luchar. Los episodios oscilaban entre las historias típicas de los policiacos, algunas con toques más fantásticos y otras con supervillanos histriónicos como Trickster, al que interpretaba Mark Hamill. No había un tono muy consistente entre los diferentes capítulos, lo que tal vez contribuyó a que la audiencia no terminara de encontrarle el punto a ‘Flash’ y se quedara a verla. Se podía pasar de tramas oscuras y muy serias a otras bastante pasadas de rosca, pero lo que sí se mantenía a buen nivel, especialmente para ser de 1990, era la manera en la que veíamos a Allen correr cuando era Flash, dejando tras de sí una estela rojiza.

Sólo una temporada

En España, TVE la emitió por las tardes de verano, y para un niño era muy entretenida y disfrutable, una historia de buenos y malos con un héroe que realmente molaba con su traje rojo y su supervelocidad. Evidentemente, si la vemos ahora, resulta muy clara la influencia del ‘Batman’ de Tim Burton por todas partes, y las interpretaciones de gran parte de su reparto son muy unidimensionales. Shipp es un Flash convincente, pero como Allen está demasiado envarado, y también es posible que su programación en CBS contribuyera a su eventual cancelación. Sufrió bastantes parones en su emisión por la cobertura de la guerra del Golfo, y resultaba demasiado cara para la audiencia que tenía, así que se quedó en los 22 capítulos inaugurales.

El Velocista Escarlata no tuvo demasiada suerte en esa encarnación (en un año en el que Warren Beatty estrenó también ‘Dick Tracy’), pero eso no quiere decir que no haya aparecido más en televisión. Flash tuvo su participación en ‘Smallville’ y en la serie animada ‘Young Justice’, y Sheldon Cooper se ha disfrazado con el traje rojo en ‘The Big Bang Theory’. Además de esa posible serie en The CW, y su aparición en ‘Arrow’, uno de los productores de esa serie, Greg Berlanti, es el responsable de la adaptación cinematográfica del cómic, prevista para 2016. Aquel primer Flash quizás no estaba preparado para funcionar en televisión. ¿Logrará hacerlo ahora?

Ficha Técnica: ‘Flash, el relámpago humano

Título original: The Flash

Género: Aventuras de superhéroes

Cadena: CBS (1990/91)

En España: TVE

Disponibilidad DVD: En Estados Unidos, completa

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

La sección Nostalgia TV es una de las más agradecidas para los editores que escribimos en ella. Cada semana, buscando temas de los que hablar, nos reencontramos, sin darnos cuenta, con estupendas series y programas que marcaron nuestra faceta de espectadores, que consiguieron emocionarnos, ilusionarnos, llenarnos de tristeza y de alegría… y que, tal vez, teníamos olvidadas, confinadas en una remota parte de nuestra memoria.

Algo así es lo que me ha pasado con ‘La doctora Quinn‘ una serie que realmente adoraba, que me sorprendió con su temática y a la que fuí muy fiel a través de sus capítulos y en la que, sin embargo, no había vuelto a pensar. ¿Os acordáis de esta intrépida doctora? Tal vez os apetece recordar esta serie conmigo, a partir del salto.

Una serie muy popular y querida

La serie de ‘La doctora Quinn’ es recordada con mucho cariño por los espectadores. Fue creada por Beth Sullivan en 1993 para la CBS y contó con seis temporadas y un total de 150 capítulos hasta su cancelación en 1998. Además, el éxito cosechado por las historias de esta mujer médico llevaron a la filmación de dos películas que redondeaban la historia y que no tenían otro interés que exprimir al máximo las aventuras de una historia que había dado en el clavo. Los premios acompañaron también a esta producción, que consiguió el Globo de oro para su actriz protagonista en 1996 así como numerosas nominaciones tanto en Emmys como en Globos de oro.

La historia era un acierto pues recuperaba el género del western (de gran aceptación además fuera de las fronteras de Estados Unidos) y presentaba historias familiares con un halo de blancura muy agradecido, de los que permitían reunir a toda la familia bajo la luz de un mismo televisor, con resoluciones felices y giros que demostraban la bondad del corazón humano, con temáticas que afrontaban todo tipo de polémicas y problemas sociales, económicos, más “realistas”.

Todo ello aderezado, por supuesto, con la brillante presencia de la doctora Micaela Quinn (Jane Seymour), que siendo tierna, dulce y amable, resultaba también una mujer decidida, valiente, adelantada a su época. Un homenaje para unas pioneras que se abrieron camino en lo que se consideraban trabajos masculinos.

Mujer, doctora y madre en la vida

En ‘Medicine women’, éste era su título original, nos remontábamos a 1867 para encontrarnos a la joven doctora Michaela Quinn que abandonaba las comodidades de su lujoso hogar en Boston, para instalarse en Colorado Springs y abrir su propio consultorio médico. La muerte de su padre, también doctor e inspiración de las decisiones más importantes de su vida, la impulsaba a cambiar de esta forma tan radical su existencia y a tratar de sacarse las castañas del fuego en un lugar en el que no era muy bien acogida por, precisamente, ser una mujer ejerciendo una profesión que, por entonces, parecía únicamente asociada a los hombres.

La doctora Mike llegaba a este pueblecito del oeste y todos se mostraban morrudos con ella. ¿Todos? Pues no. Rápidamente encontraba el afecto y la amistad de otra mujer, la comadrona Charlotte Cooper, quien le brindaba su apoyo. Cooper era madre de tres hijos y regentaba, además, un pequeño hostal. La tragedia se precipitaba sobre sus vidas cuando la mordedura de una serpiente acababa con la vida de Charlotte y obligaba a la doctora a hacerse cargo de los tres niños de la mujer, convirtiéndose de golpe en madre cuando aún no se había habituado a la vida en su nuevo hogar. La relación entre los niños y Mike era muy compleja al principio pero, poco a poco, se iban uniendo, formando una familia muy feliz y complementada.

A este marco familiar un tanto disfuncional, había que unir la presencia de Sully (interpretado por Joe Lando), un hombre que había decidido dejar atrás los convencionalismos sociales y lo que la tradición marcaba (igual que la doctora, vamos) para vivir en contacto con la madre naturaleza, y que se había hecho muy amigo de los indios. Su relación con estos últimos marcaba un rechazo absoluto por parte de los vecinos de la zona. Pero Sully era decidido, valiente, honesto y, por si no ha quedado claro, el interés romántico de la doctora, a la que ayudaba en su nueva vida y con la que acababa desposándose y teniendo descendencia.

Un héroe como Sully, con un físico imponente, con atuendo indio, ojos azules y pelazo-pelazo no podía dejar de recordar al clásico héroe de las novelas románticas que están tan cerca y tan lejos de la heroína, que viven un trauma interior que no les deja abrirse al mundo, que son enigmáticos, fogosos y tiernos.

La serie, además, trataba de hacerse eco de problemas sociales y de integración en la época: el racismo hacia los indios o los negros, la intolerancia hacia los homosexuales (en un capítulo el poeta Walt Whitman visitaba el pueblo), el sexismo, el conservadurismo, la lucha obrera por conseguir derechos sociales… Aunque, hay que reconocer que la sangre nunca llegaba al río y que todo quedaba bastante más diluído de lo que seguramente fue en la vida real.

La afición de algunos actores por complicar las cosas

Como en muchas series que consiguen éxito y reconocimiento y se prolongan en el tiempo, ‘La doctora Quinn’ tuvo problemas derivados de las pretensiones de sus actores. Uno de ellos, estuvo protagonizado por la hija de la familia, la dulce e inocente Colleen. La actriz que la interpretaba, Erika Flores tuvo problemas con la dirección de la serie (supuestamente por demandar un incremento en sus emolumentos) y la CBS decidió hacer un “madre de ‘El príncipe de Bel-Air’” y, sin más ni más, cambiar a la actriz por Jessica Bowman, que retomó el papel de Colleen como si nada hubiera pasado.

Por otro lado, las relaciones entre los protagonistas, Joe Lando y Jane Seymour, también dieron que hablar. En los inicios de la serie, los dos actores protagonizaron un romance en la vida real. Eso sí, siempre se ha dicho que los dos conservaron una buena amistad, incluso después de romper. Pero en la temporada cinco se produjo un suceso que sentenciaría para siempre el destino de ‘La doctora Quinn’. Joe Lando no estaba contento con la evolución que había tomado su pesonaje y decidió abandonar la serie pero poco, vamos, que no sabía si quería volver a ella o no. Los guionistas le dieron a su personaje un enigmático final en el que caía por un acantalidado y no se sabía qué había sucedido con su cuerpo.

Durante la sexta temporada, se buscó un nuevo “noviete” para la doctora pero la química no funcionó igual. La bajada de audiencias provocó que la serie se cancelara, ni siquiera la vuelta de Sully en los últimos capítulos consiguió salvar a ‘La doctora Quinn’.

Ficha Técnica: La doctora Quinn

Título Original: Medicine woman

Género: Drama western

Cadena: CBS

Cadena en España: TVE

Disponibilidad DVD: No en España

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

Dentro de un par de décadas quizá alguien eche la mirada atrás a estos días televisivos; quizá escriba sobre el auge de las series escandinavas, subraye cómo en televisión Hollywood también se embarcó en una era de remakes, reboots, adaptaciones, secuelas (esta temporada de nuevo estaremos inundados entre cuentos clásicos, pasos de gran a pequeña pantalla, adaptaciones literarias…) o marquen el final de ‘Breaking Bad’ como el hito que ya todos deberíamos estar reconociendo. A veces es necesario mirar atrás. Por nostalgia, claro, pero también por perspectiva; y hoy quiero celebrar mi cambio de década con vosotros echando un ojo a lo que nos dio 1983 televisivamente hablando, ¿me acompañáis?

Aunque en ABC viese la luz en 1978, la serie original de ‘Battlestar Galactica’ llegó a Televisión Española en 1983. Yo no recuerdo haberla visto en televisión, aunque después me sentaba junto a mi padre a –o me escondía tras el sofá según cuál tocase en ese momento- a ver todos los títulos de ciencia ficción que se tragaba como ‘V’ o ‘SeaQuest’, así que no me extrañaría que algo de aquel primer Teniente Adama se quedase por mi subconsciente para después emerger con la versión moderna (cuyo estreno cumple 10 años en diciembre, por cierto). La serie de los lagartos (que es la que vía con los ojos cerrados, si me entendéis), también es hija del 83, ya que NBC estrenó la miniserie que arrancó la saga en mayo de aquel año.

Fueron Los Beatles los que revolucionaron el mundo del videoclip cuando sus primeros montajes vieron la luz en ‘The Ed Sullivan Show’ a mediados de los 60, pero si quisiéramos destacar un hito musical televisivo de 1983 sin duda sería ese fabuloso Thriller de Michael Jackson. La primera emisión de estos 14 minutos de Michael-zombie fue todo un evento y han convertido a Thriller en uno de los vídeos más emitidos en televisión. Podría seguir en el apartado musical acordándome cómo la barca de Remedios Amaya se fue a pique en el Festival de Eurovisión de aquel año; 0 puntitos para España, pero como no soy muy eurovisionera pero sí perteneciente a una generación marcada por los dibus de la infancia –es uno de esos temas que nunca dejarán de salir- tenía que acordarme de algunos de esos títulos que tanto chiste nostálgico nos han proporcionado.

Seguro que os suenan esos campos de fútbol kilométricos con colinas, los curris, el castillo de Grayskull o tú el bárbaro y yo el arquero… ‘Dragones y Mazmorras’ estaba producida por Marvel (junto a Disney) y se estrenó en el otoño del 83 en CBS, Mattel quiso acar tajada del éxito de unos muñecajos de acción con la serie de ‘He-Man y los Masters del Universo’, que se estrenó precisamente un 30 de septiembre del 83 en USA Network.

Vamos a jugar (palmas) tus problemas déjalos; para disfrutar, ven a Fraggle Rock

Otros títulos inolvidables del momento es aquel ‘Agatha Christie’s Partners in Crime’, la serie británica que se basaba en las historias cortas de la escritora con James Warwick y Francesca Annis; personalmente me encantan sus cabeceras. ‘El Equipo A’ no llegaría a Televisión Española hasta dos años más tarde, pero fue en 1983 cuando NBC sacó a la calle a Murdock, M.A, Aníbal y Fénix en su furgoneta; El 16 de septiembre de este año arrancaría también en ABC una de esas sitcoms protagonizadas por un personaje inolvidable, el pequeño ‘Webster’.

Acercándonos a casa, en 1983 se aprobó la Ley del Tercer Canal de Televisión, una ley con la que Televisión Española pretendía añadir un canal más a su lista con intención de crear desconexiones autonómicas en cada región. Sin embargo, los gobiernos autonómicos fueron más rápidos y finalmente se convirtió en una posibilidad abierta de solicitar concesiones; un primer paso hacia el fin del monopolio de Televisión Española que finalmente llegaría con la Ley de la Televisión Privada en 1988.

Y por acabar con un hito, el 28 de febrero de 1983 se emitió en CBS Goodbye, Farewell and Amen, episodio número 256 de la aclamada ‘M*A*S*H‘. Este capítulo cerraba última temporada de la serie con un episodio de más de dos horas que aún conserva el récord de ser la emisión más vista de la historia en Estados Unidos con la apabullante cifra de 125.5 millones de espectadores y un 77% de share.

En fin, estos son sólo algunos apuntes de lo que nos dio el año 1983 televisivamente hablando; de entre toda esta marabunta inconexa de estrenos, títulos, récords y leyes, personalmente me quedo con ‘Fraggle Rock’, porque es una de esas series que no se olvidan, que unen a una generación en la nostalgia y que nos dio esos seres tan adorables que eran los curris. Venga, pongámonos nostálgicos y echemos la mirada atrás, ¿con qué estreno o acontecimiento os quedáis de vuestro año de nacimiento?

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

Como cada domingo viajamos al pasado con nuestra sección más querida, Nostalgia TV, para rememorar nuestra infancia televisiva. Algunos recuerdos permanecen inalterables en nuestra memoria, otros acaban siendo mitificados y otros apenas forman una imagen borrosa, pero toman forma en cuanto los recuperamos. Tal vez ni siquiera recordarais haber visto el programa de hoy, hasta que, de pronto, los flashbacks se agolpan en vuestra mente y todo cobra sentido. Y es lo que me ha pasado a mi con ‘Chocky’, una serie de la que apenas me acordaba, que estaba tan diluida entre otras imágenes que no eran más que un conjunto de fotogramas que parecían irreales. Pero sólo me ha hecho falta esa cortinilla de Thames TV tan Londinense para comenzar a revivir… ¡Bendito YouTube!

Esta va por los más mayores. Vosotros, yogurines nacidos desde mitad de los 80 en adelante, ni siquiera sabréis de qué os estoy hablando…

Ciencia ficción para niños

‘Chocky’, la serie, es una de las adaptaciones que se hicieron de la novela de ciencia ficción escrita por John Windham en 1963. La historia de “la extraña amistad entre un chico de la Tierra y un extraterrestre del espacio exterior” (¿de dónde si no?) se convirtió en serial radiofónico para la BBC primero y en miniserie de televisión después, de manos de Thames Televisión (1984). También tuvo sus secuelas, ‘Chocky’s Children’ (1985) y ‘Chocky’s Challenge’ (1986), aunque a nosotros sólo nos llegó la primera parte de la historia. La novela de Windham tiene tanto potencial que hasta Dreamworks se interesó por ella y adquirió los derechos en 2008. Desde entonces, se ha anunciado como “el siguiente proyecto de Spielberg”, pero lo cierto es que esta revisión de amistad niño-E.T. aún no ha visto la luz.

El caso es que hay toda una generación que nacimos a finales de los 70 y principios de los 80 y que recordamos (con más o menos claridad) ‘Chocky’ como una serie, cuanto menos, inquietante. Ya sólo con el opening nos podemos hacer a la idea de cuán perturbadoras podían resultar estas imágenes para una niña de, en mi caso, 8 años. Como una cabecera de ‘American Horror Story’. Y es que ‘Chocky’ nos adentraba, a tan tierna edad, en el género fantástico y de terror, a través de la historia de un extraterrestre que “coloniza” la mente de un niño “utilizándole” para obtener información sobre nuestro planeta telepáticamente (aunque a veces, también, con una extraña voz que sonaba a sintetizador). Como tener un Alien en el cerebro. Un extraterrestre que, además, se materializaba en forma de holograma y de luces, todo muy abstracto.

La relación con Chocky provoca cambios muy evidentes en el comportamiento del niño, para preocupación de sus padres. Ellos creen que la entidad es sólo producto de la fantasía del niño, un amigo imaginario. Pero Matthew hace algo más que hablar solo. También se convierte repentinamente en un genio de las mates y muestra otras grandes habilidades como su capacidad para leer la mente. Chocky, además de utilizarle como huésped humano, le concede el superpoder de una superinteligencia. Alfo fuera de este mundo, nunca mejor dicho. Pero al mismo tiempo el pobre Matthew tiene que lidiar con el estigma de ser un incomprendido, hasta por sus propios padres.

Invasión alienígena

‘Chocky’ es coetáneo en nuestra televisión de la serie ‘V’, que empezó a emitirse por primera vez en 1985. En 1986 también llegaría ‘Alf’ y sólo unos años después (1991) ‘Alien Nation’, la visión más surrealista del contacto humano-alien, con aquellos seres calvos de cráneos moteados. En España la conocimos como ‘Ciudadanos del espacio’ y se basaba en la película emitida en 1988.

En la gran pantalla, más de lo mismo: la saga de Alien acababa de producir la segunda parte (Alien, el regreso, 1986); Star Trek iba ya por su cuarta entrega; E.T. ya había hecho su agosto en 1982 pero en 1988 llegaría otra historia entrañable (aunque bastante cutre en cuanto a efectos especiales y caracterización) de amistad entre un niño y un marciano, con Mi amigo Mac. Son sólo unos ejemplos de la fiebre que sufría la ficción por contactos con extraterrestres en esta década.

Ficha Técnica: Chocky

Título Original: Chocky

Género: Ciencia-ficción

Cadena: ITV (UK, 1984)

Emitida en España: TVE (1986)

Disponibilidad DVD Trilogía en V.O.

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

¡Ah! Los dibus de la infancia. Ya lo comentaba cuando hablé de los nacimientos del 1983 televisivo y lo demuestro aquí. Las series animadas de nuestros primeros años es uno de los temas más recurrentes entre una misma generación. Y es normal; escuchas de nuevo esas notas con las que empezaba tu serie favorita mientras desayunabas a las 7:30 de la mañana antes de ir al cole y te entra una nostalgia insoportable de otros tiempos más sencillos, cuando conseguir una sensación de paz y tranquilidad era tan fácil como levantarte temprano un sábado para no perderte ni un episodio y ser el dueño de un salón (y casa) en absoluto silencio.

‘La Corona Mágica’ es para mí una de esas series y, sin embargo, me cuesta bastante encontrar a gente de mi generación que recuerde haberla visto o que la recuerde con estima. Cuenta tan sólo con una temporada de 26 episodios, cosa que jamás habría pensado. Es un poco el síndrome ‘Verano Azul’; la repitieron tantísimo que daba la sensación de que tenía chorrocientos capítulos y solo eran 19. Televisión Española, cuando aún no había cadenas privadas, emitió las aventuras de Rahman y compañía a finales de 1989 en la sobremesa de los sábados, una producción española que hasta hace nada aún aparecía reflejada en la base de datos en RTVE.es.

Idún, la ladrona de coronas

A lo largo de los 26 episodios, el grupo tiene que superar diversas pruebas que poco a poco les van acercando a conseguir recuperar la Corona Mágica. Seguro que sí recordáis ‘Dragones y Mazmorras’; pues esta es del mismo estilo, fantasía ochentera con un tratamiento muy rolero en las tramas. Que si la Luna de las Tormentas, que si la Sala de las Siete Puertas (que te podían transportar a cualquier punto en el espacio-tiempo y no le sacaron mucho partido), un caballo mágico que les sirve para huir en ciertas ocasiones (algo así como las Águilas para Tolkien), sobrevivir al planeta desierto, laberintos… Eso, fantasía.

‘La Corona Mágica’ es una producción española cuya animación quizá no fuese la más currada del momento pero cumplía a la perfección con aquellas versiones jóvenes, imaginativas y mucho menos exigentes de nosotros mismos. Nuestros primeros pasos hacia la seriefilia y ‘La Corona Mágica’ forma parte de ello (y también de los pasos hacia la fantasía y el rol).

Quizá porque yo aún era muy pequeña para tener interés por estas cosas (9 añitos tiernecitos), pero es divertido buscar vídeos por internet y leer los comentarios lascivos de algunos chicos cuyo primer icono sexual fue la reina Idún. Yo no juzgo, conozco el factor CILF (Cartoons I’d fuck) de sobra. En cualquier caso, era una de esas series en las que los villanos eran más protagonistas que los buenos de la peli; tenían más minutos y estaban más desarrollados.

Juan Ramón Pina fue el creador de ‘La Corona Mágica’, un animador que venía de trabajar en otras series como ‘Los Pitufos’ o ‘El Conde Duckula’ y colaborador habitual del mítico estudio Hanna Barbera. Este fue uno de sus últimos trabajos, junto con ‘Las auténticas aventuras del profesor Thomson’. El narrador principal de la serie era Narciso Ibañez Menta, el padre de uno de los nombres más míticos de la ficción patria, Chicho Ibañez Serrador.

La serie llevó a varios productos derivados tipo cromos y cartas coleccionables, pero quizá lo que más se recuerde sea el videojuego que, por otra parte, fue un fracaso de crítica y público. Sería malísimo, pero ver fotos de capturas de pantalla, con esos gráficos, esos colores, esos diseños… casi me hace añorar mi 486. La nostalgia es peligrosa, tiras del hilo y deshaces el jersey entero.

Ficha Técnica: ‘La Corona Mágica’

Título original: ‘La Corona Mágica’

Género: Fanstasía, aventuras

Cadena: TVE (1989/90)

En España: TVE

Disponibilidad DVD: No. En youtube hay algunos.

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

Durante la década de los 80, las series que hacía TVE eran, generalmente, o adaptaciones de grandes clásicos de la literatura española o dramas que reflejaban la realidad cambiante de la sociedad española de la época. Con la llégada de la década de los 90, y la aparición de las cadenas privadas, también varió el tipo de series que se producían en la cadena pública. Una de esas nuevas series fue ‘Chicas de hoy en día’, una comedia (pero con sus momentos de drama, y que duraba 50 minutos) que seguía a dos chicas jóvenes que llegan a Madrid para perseguir su sueño de ser actrices. Era el primer trabajo para televisión del director Fernando Colomo, que se había hecho conocido en el cine gracias a los que se denominaba como “la comedia madrileña”; películas protagonizadas por jóvenes que vivían en una gran ciudad, con un tono muy desenfadado y fresco, y entre las que destacaban entonces ‘¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste?’ o la que tuvo más éxito hasta entonces, ‘Bajarse al moro’.

Colomo trasladó su estilo a la televisión con guiones de, entre otros, Joaquín Oristrell, y mostró algo que, hasta entonces, no era tan habitual en la ficción televisiva en España; la vida cotidiana de dos amigas que no estaban definidas por los hombres de sus vidas, sino por la relación entre ellas y por su esfuerzo por triunfar como actrices. Esas dos amigas veinteañeras eran Nuria, una joven fría y organizadora de Barcelona, y Charo, una sevillana más espontánea. Cada una partía de esos estereotipos para ir avanzando hacia personas más complejas y hacia una amistad entre ellas que era el motor de los 26 capítulos de los que se compuso ‘Chicas de hoy en día’, y cada una estaba interpretada por una actriz que, hasta ese momento, no era demasiado conocida.

Sobre la amistad

Carmen Conesa y Diana Peñalver daban vida a Nuria y Charo de tal manera, que la serie parecía un poco una autobiografía de sus propias carreras. Este proyecto las hizo famosas más allá de los circuitos teatrales por donde se habían movido hasta entonces. Conesa había trabajado antes con Colomo en ‘El caballero del dragón’, aquella extraña película de fantasía, con Harvey Keitel y Miguel Bosé, entre otros, que fue un tremendo fracaso de taquilla, mientras Peñalver había participado en bastantes filmes, desde ‘Extramuros’ hasta ‘El Lute’, y también tenía cierta experiencia en televisión, dçen series como ‘Lorca, muerte de un poeta’. Desde el principio de la serie, las dos consiguieron transmitir una gran química y se convirtieron sin problema en el centro de la serie. Hasta cantaron el tema principal, que quizás sea lo que más se recuerda todavía del proyecto.

Como Nuria y Charo, seguían el consejo que les había dado Verónica Forqué de que, para ser actriz, primero debían conseguir un trabajo, así que en cada episodio las veíamos compaginar las clases de interpretación y las audiciones con trabajos de todo tipo para pagar el alquiler. Por supuesto, no faltaban tampoco sus novios y, ya en el tramo final de la serie, hasta llegaron a viajar a Nueva York. ‘Chicas de hoy en día’ era la historia de su amistad, de cómo va evolucionando conforme sus situaciones vitales cambian, pasando de las reticencias iniciales (y de la comodidad de compartir piso para compartir gastos) a una relación más estrecha que también atraviesa un momento de separación y enfado entre ellas que no hacía más que demostrar que cuando la serie funcionaba mejor, era cuando ellas dos se llevaban bien.

¿Dónde están ahora?

‘Chicas de hoy en día’ se emitió en La 2 en 1991 y funcionó muy bien en audiencia, pero no tuvo continuidad. Hizo conocidas a Conesa y a Peñalver, y mientras a la primera se la ha visto más por las pantallas españolas (actualmente está en ‘Amar es para siempre’), la segunda se ha dedicado más al teatro. Sin embargo, Peñalver tiene en su haber toda una obra de culto, ‘Braindead’, la tercera película de Peter Jackson cuando todavía se dedicaba al gore más absurdo. Por la serie pasaron también actores veteranos, como Joé María Pou o Marisa Paredes, con otros que entonces estaban al principio de sus carreras, como Juan Echanove, Enrique Simón o Nathalie Seseña. Fernando Colomo volvería después a dirigir más televisión, la última vez con la tv movie ‘El pacto’, pero durante los 90 se centró principalmente en el cine.

TVE ha vuelto a reponer un par de veces la serie, la última de madrugada, el pasado verano, en su canal de HD, pero no está colgada en el archivo de su página web, por lo que hay que conformarse con YouTube para ver cosas de ella. Tenía una estética muy de finales de los 80 y estaba rodada más en la calle que en interiores. Equilibraba la comedia con el drama y encajaba en esa “nueva comedia madrileña” urbana y joven con la que los críticos describían las películas de Colomo de la década de 1980. No obstante, como decimos, por lo que más destacaba era por ese retrato de la amistad entre Nuria y Charo y su pelea por salir adelante por ellas mismas.

Ficha Técnica: ‘Chicas de hoy en día’

Género: Comedia

Cadena: TVE (1991-92)

Disponibilidad DVD: No editada

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

En un país multicolor, nació una abeja bajo el sol…

Si crecisteis a finales de los setenta o durante los ochenta puede que vuestro corazoncito haya dado un pequeño salto al leer el título de nuestro Nostalgia TV de hoy, con el que recordaremos a uno de los insectos animados más queridos de la historia de la televisión. ‘La abeja Maya‘ es nuestra protagonista. Ella y sus simpáticas aventuras llenaron de gozo las tardes de unos chiquillos que absorbíamos los contenidos de las series como esponjas.

La novela y la serie

Para encontrar los orígenes de Maya hemos de retroceder hasta una novela publicada en 1912 por el alemán Waldemar Bonsels. Se trataba de una colección de cuentos que no parecía especialmente dirigida al público infantil; pero su tono (heredero del romanticismo) y las historias que hablaban de la belleza de la naturaleza convirtieron esta historia en la preferida de los niños europeos.

En 1975, la prolífica empresa japonesa Nippon Animation Company, decidió adaptar la historia de Maya a la pequeña pantalla (al igual que hiciera con otros grandes títulos literarios, como ‘Heidi’ o ‘Dartacán y los tres mosqueperros’ algo por lo que aquellos que siempre nos sentiremos niños nunca acabaremos de dar las gracias) bajo el título de ‘Mitsubachi Maya no boken’. La serie contó con 52 episodios que, tras su éxito, se vieron incrementados con una segunda temporada en 1979.

Maya, la abeja feliz

Aquellos que recordamos a la abeja Maya con tanto cariño no podemos dejar de pensar en ella como en un personaje vitalista, optimista y soñador. La historia de la serie nos traía a una pequeña abeja recién nacida, Maya, que en un futuro se convertiría en reina pero que, de momento, era cuidada por su profesora, la señorita Cassandra, quien se ocupaba de que Maya y el resto de niños aprendieran todo lo que tenían que saber sobre la vida de las abejas.

Pero, para Maya, la colmena se quedaba pequeña. En la primera ocasión que tenía de salir al exterior para buscar polen, Maya se quedaba maravillada con todas las posibilidades que la naturaleza le ofrecía. Sentía una gran curiosidad por el mundo y muchos deseos de aprender acerca de todo lo que le rodeaba. Así, Maya era un personaje muy positivo. Englobaba valores como la amistad, el compañerismo, la bondad… y resultaba encantadora por su manera tan simpática y determinada de enfrentar cualquier problema. Maya era resuelta, despierta, inquieta y aventurera.

Mi familia de insectos

Junto a Maya, pronto se hicieron igualmente populares los personajes que le acompañaban en sus aventuras. Uno de los más recordados es Willi, el zángano. Willi era el mejor amigo de Maya y su contrapunto perfecto. Glotón y perezoso, Maya siempre conseguía “convencerle” para que le acompañara en sus aventuras. Junto a Willi, otro de los grandes personajes de la serie era el saltamontes Flip (curiosamente, en España, Flip y Willi tuvieron el mismo doblador). Flip era una figura paternal para Maya, alguien que la cuidaba y protegía. Este saltamontes le enseñaba muchas de las cosas que Maya sabía que no podía aprender en la colmena.

Muchos insectos poblaban esta historia para ejercer una impresión de globalidad natural y cercanía entre todos los pobladores del bosque. La interacción de cada insecto y sus peculiaridades servía además, a los niños, para distinguir algunas de sus características. Teníamos también a la araña Tecla, toda una antagonista que no pretendía otra cosa que zamparse a las abejitas. Paul era una hormiga muy amiga de Maya, con la que robaba leche de pulgones. Se trataba de un soldado muy preparado y capaz aunque sus llamadas al hormiguero eran fuente de risión asegurada (todas las hormigas se llamaban Paul). Cómo olvidar además a Kurt, el escarabajo de la basura que quería ser un escarabajo de las flores; o a Hannibal el ácaro; o incluso a Toff y Zurpel, los torpes guardianes de la colmena.

Algunas curiosidades

La historia de la dulce Maya, esa historia infantil que nos habla de los valores de la bondad y la naturaleza no ha estado precisamene exenta de polémica. Diversos estudiosos han acusado al creador de las novelas, Bonsels, de tener tendencias filonazis que se ven reflejadas en el libro. Así pues, el investigador Sven Hanuschek ha comparado la colmena que Bonsels definía con una sociedad totalitaria que funciona en orden gracias a que todos los individuos se rigen por las normas establecidas. También se ha hablado de un tono militarista y de racismo contra las avispas (las enemigas de las abejas).

Todo esto, desde luego, quedó totalmente eclipsado con la versión televisiva. Maya es un personaje que vive un mundo multicolor. Es una abeja entusiasta y vitalista que ayuda a los demás siempre que puede y que posee un espíritu optimista y alegre. En este caso, Maya resultaría más bien un personaje de filosofía “hippie” que busca la conexión con aquello que le rodea y saca partido de lo más bello.

Lo cierto es que ‘La abeja Maya’ encandiló a miles de niños y su éxito ha producido todo un mercado de productos a su alrededor. Desde colecciones de cromos a cómics, pasando por todo tipo de merchandising. Y parece que Maya tiene cuerda para rato, pues a lo largo de 2013 se ha podido ver una nueva versión de la abejita. Una serie en 3D que supone la remodelación del mítico personaje y su adaptación a los nuevos tiempos para que su encanto siga conquistando a los niños (y los adultos) de cualquier parte del mundo.

Ficha Técnica: La abeja Maya

Título Original: Mitsubachi Maya no boken

Género: Animación

Cadena: TV Osaka

Cadena en España: TVE, Antena 3, FORTA

Disponibilidad DVD: Sí

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

Con perdón de Samantha Stephens, que movía la nariz como ninguna otra, probablemente las hermanas Halliwell sean las brujas más míticas de la historia de la televisión. Jessica Lange tendría que liarla muy gorda en ‘American Horror Story’ para poder compararse a ellas. Ellas estaban todo el día rodeadas de chicos guapos y eran bastante casposas pero también fueron las protagonistas de una serie con mucho culto en una época donde la ficción no era como ahora. Y, como hace quince años que llegaron a la televisión y eso es mucho tiempo, es hora de dedicarle una ración de nostalgia a ‘Embrujadas’.

‘Embrujadas’ llegó a Estados Unidos en octubre de 1998. Lo hizo de la mano de uno de los mayores productores que Hollywood haya visto jamás, el todo-poderoso Aaron Spelling que antes había hecho cosas tan dispares como ‘Sensación de vivir’, ‘Dinastía’, ‘Los Ángeles de Charlie’, ‘Starsky y Hutch’ o ‘Vacaciones en el mar’. Su creadora era Constance M. Burge, que hacía poco había creado otra serie con el productor llamada ‘Savannah’ de sólo dos temporadas, y que encontró el éxito dejando de lado la realidad para proponer un universo sobrenatural.

Prue, Piper y Phoebe eran tres hermanas que provenían de una estirpe de brujas y que habían nacido con dones individuales. Prue podía mover objetos, Piper podía paralizar la acción a su alrededor y Phoebe tenía premoniciones. Juntas, sin embargo, eran más temibles porque tenían el poder de tres. Eran las mujeres más poderosas de la historia y gracias al Libro de las Sombras, una reliquia familiar con hechizos e historia, combatían el mal en estado puro.

Su secreto y los líos

Inicialmente su mayor reclamo era el regreso de Shannen Doherty a la televisión, que había dejado ‘Sensación de vivir’ porque creía que se le había quedado pequeña. Ella interpretaba a Prue en la serie, la hermana mayor, y sus continuas peleas con el resto del equipo dieron algunas de las historias más jugosas de la época. El ascenso en popularidad de Alyssa Milano, que interpretaba a Phoebe, despertó celos y, si encima le sumamos que Doherty sentía la necesidad de “mejorar” la serie, se lió la gorda.

La propia Milano reconoció en entrevistas que no se llevaban especialmente bien y que a menudo ni se dirigían la palabra y, cuando la situación fue insostenible, Doherty se largó de la serie y su personaje murió al final de la tercera temporada. De hecho, se rumorea que Milano hasta organizó una fiesta que se llamó “The witch is dead” y donde todo el equipo celebró su marcha.

Pero ese no fue el único problema que vivió ‘Embrujadas’. Constance Burge abandonó las riendas creativas de la serie por culpa de sus encontronazos con el productor ejecutivo Brad Kern y las protagonistas de la serie siempre fueron observadas con lupa en busca de nuevos rumores. No ayudó que Combs y Milano pasasen a tener la etiqueta de productoras de la serie mientras que Rose McGowan, la cuarta hermana, solamente tenía contrato como actriz.

McGowan llegó en un momento muy complicado. Como la mitología de la serie se centraba en el poder de tres hermanas, los guionistas tuvieron que inventarse una cuarta hermana que pudiera sustituir a Doherty. Así llegó Paige, que era medio bruja y medio luz blanca, la hija de una aventura de la matriarca con un ser sobrenatural. Por suerte para el canal WB, la serie no perdió seguimiento y se mantuvo por encima de los cuatro millones de espectadores, algo crucial ya que ‘Buffy’ se había mudado de cadena y había ido a la competencia, UPN.

Tres hermanas en busca del amor

Piper formaría una familia con Leo (Brian Krause), un luz blanca con el que rompieron todos las convenciones del mundo sobrenatural. Pero el romance más épico y recordado sería el de Phoebe con Cole (Julian McMahon), un demonio cuyo objetivo era acabar con ellas y que se enamoraría de la pequeña Halliwell. Era tan épico su amor que llegaría a deshacerse de su condición de demonio, algo que desafortunadamente resultó ser provisional.

Ocho temporadas y… ¿una película?

Alyssa Milano se dirigió a McGowan, Combs e incluso a Doherty y propuso continuar su historia con una película, a lo que Doherty respondió interesada. “Quedaron suficientes cosas pendientes como para hacer una buena película” respondió demostrando, de paso, que habían enterrado el hacha después de tantos años. Y vosotros qué opináis, ¿también queréis ver a las Halliwell esta vez descubriendo el poder de cuatro?

Ficha Técnica: Embrujadas

Título Original: Charmed

Género: Drama fantástico

Cadena: The WB

Cadena en España: Telecinco

Disponibilidad DVD: Las 8 temporadas

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV