En el mundo de los gatos, Isidoro es el amo. Nadie le puede igualar, tiene clase de verdad

Existen dos series animadas de Isidoro, que en original se llama sutilmente Heathcliff como el protagonista de ‘Cumbres Borrascosas’ de Emily Brontë. La primera se estrenó en 1980 en ABC y en sus dos temporadas el gato estuvo acompañado de dos perros, uno por temporada, Dingbat y Marmaduke (que ha tenido su propia adaptación cinematográfica). Cuando aquella serie producida por Ruby-Spears terminó, DIC adquirió los derechos e hizo una reimaginación del personaje con un punto de vista distinto, algo más gamberro. Esta segunda serie llegaría unos años más tarde y sería emitida en sindicación (y Nickelodeon) en Estados Unidos también durante dos temporadas (pero con 85 episodios en total) y en España a través de La2.

Isidoro era un gato de calle, de cubos de basura y de fechorías y travesuras. Uno de esos pícaros que se hacen querer, que trae de calle al lechero y el pescadero del barrio pero se transforma en galán cuando se trata de conquistar a Sonia. Es un ‘Daniel el travieso’ gatuno, serie que tenían detrás a los mismos creadores (Bianchi, Chalopin y Katayama). Isidoro nos gustaba porque se alejaba un poco de todos esos dibus de moralina, demasiado inocentes o manifiestamente educativos; emanaba gamberrismo, era divertida y el gato tenía un carisma arrollador. Y en el fondo, era bueno.

Sonia era la tía buena del barrio y esto lo sabemos porque, como con Lois Griffin, todos los gatos del barrio lo decían y bebían los vientos por ella. Regordeta, con lacitos rosas y una pija de cuidado, porque ya sabemos que los intereses románticos de los chicos malos en los dibus de nuestra infancia (o las pelis Disney) siempre son féminas estiradas e irritantes. Además de ella, pululaban por ahí otros personajes como el bulldog al que siempre andaba fastidiando Isidoro , el niño huérfano que se suponía era el dueño del protagonista o los dos abuelos de éste con los que vivía

Al igual que sucedía con Garfield y la coletilla de y sus amigos, cada episodio de ‘Isidoro’ (es genial, es el rey de la ciudad… ¿no os pasa que no podéis evitarlo?) iba acompañado de una segunda historieta, ‘Los gatos Cadillac’. El líder Rif Raf (cuya titi con curvas nada tenía que ver con la novia de Isidoro) nunca interactuaba realmente con él sino que tenía sus desventuras aparte, pero el resto de amigos gatunos sí que aparecían en algunos episodios del gato naranja. Además, en la versión original, Isidoro fue doblado por uno de las más míticas personalidades a este respecto, Mel Blanc. Fue de hecho su último personaje antes de ponerles voz a otros como Bugs Bunny, Piolín, Pablo Mármol o el Pato Lucas.

Y como ya se ha podido ver con las menciones esporádicas en esta entrada, las comparaciones con Garfield siempre han estado ahí. Algunos acusan al gato de Jim Davis de ser demasiado obvio y con un humor mucho más blanco del que tenía Isidoro. No entraré en el debate ya que mi única opinión del último se basa en mis recuerdos de la serie animada, pero en una de las comedias animadas actuales hicieron su propio Celebrity Death Match pero con estos dos gatos enfrentados. Os dejo con el vídeo de ‘Robot chicken’.

Ficha Técnica: Isidoro

Título Original: Heathcliff

Género: Animación infantil

Cadena: Nickelodeon

Cadena en España: La 2

Disponibilidad DVD: Algunos packs con episodios en DVD

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Probablemente, todos tengamos nuestros recuerdos de infancia de las series y programas que veíamos durante las vacaciones de Navidad. En mi caso, las tengo asociadas a antologías de cuentos y, en concreto, a una en la que cada cuento lo contaba un viejecito sentado al lado del fuego, con su perro. Aquel viejecito era John Hurt, y la serie era ‘El Cuentacuentos’, una de las últimas creada y producida por Jim Henson, la mente detrás de las criaturas que poblaban títulos como ‘Cristal Oscuro’, ‘Los Teleñecos’ y los monstruos de ‘Dentro del laberinto’, entre otros. La idea de Henson era desarrollar una serie de antología que recogiera la vieja tradición de los cuentacuentos, las personas que entretenían a la gente de los pueblos contando historias alrededor del fuego, y en la serie aparecerían algunas de sus muy celebradas marionetas dando vida a los diferentes demonios, duendes, hadas y demás criaturas del folklore.

‘El Cuentacuentos’ era una co-producción anglo-estadounidense que se emitió inicialmente en HBO en 1988, aunque algunas de sus historias se reciclaron después para ‘The Jim Henson Hour’. Su esquema era muy sencillo; en cada uno de sus nueve capítulos, el cuentacuentos del título narraba una historia basada en cuentos populares europeos menos conocidos, en gran parte rusos y alemanes. Los episodios duraban unos 20 minutos, y todos ellos estaban escritos por Anthony Minghella, que más tarde se haría famoso gracias a ‘El paciente inglés’ y sus nueve Oscars en 1997. Adaptaba esos cuentos de tal modo que pudieran aparecer las marionetas de la compañía Henson y que el narrador y su perro, que representaba el punto de vista de la audiencia, participarán también de algún modo.

Los cuentos

Entre las historias que Hurt contó en aquellos nueve primeros episodios figuraban la de Juan Sin Miedo, una curiosa variación sobre el cuento de Cenicienta o la historia de un niño erizo. También se incluía una que contaba cómo el cuentacuentos había alcanzado la posición que tenía y, como decíamos las historias no se adaptaban tal cual, sino que no era raro que incluyeran retazos de otros cuentos tradicionales de otros lugares, sobre todo, nórdicos. ‘El Cuentacuentos’ tuvo una gran recepción, con gente como Miranda Richardson, Gabrielle Anwar o Sean Bean en su reparto, y llegó a ganar el Emmy a mejor serie infantil.

Los cuentos tenían ese toque Henson de magia, pero no ocultaban que, en su origen, podían ser historias bastante crueles y tristes. Al fin y al cabo, su objetivo era enseñar a los niños qué cosas estaban bien y cuáles no debían hacer. Por supuesto, las marionetas tenían un gran nivel de producción, pero eso no era noticia teniendo en cuenta el trabajo que Henson había hecho hasta sólo un año antes en, por ejemplo, ‘Los Fraggel’. Sin embargo, la serie era cara y difícil de producir, y se quedó en esos nueve episodios.

En el recuerdo

Lo que tal vez algunos no recuerden es que ‘El Cuentacuentos’ tuvo una continuación, una especie de spinoff en el que Michael Gambon se encargaba de narrar las historias y que, esa vez, adaptaba mitos griegos. Sólo tuvo cuatro capítulos, que contaban leyendas como la de Orfeo y Eurídice, Teseo y el Minotauro, Perseo o Ícaro, y también da la sensación de que es menos recordada que la primera temporada, que capturaba perfectamente esa atmósfera de los cuentos de hadas en su encarnación más primigenia, antes de que Disney los trasladara al cine pasándolos por su filtro.

‘El Cuentacuentos’ era también muy hija de los 80, pues aquella década fue un poco el final de las series de antología como ‘Cuentos asombrosos’ o ‘Historias de la cripta’, y como decimos fue también de las últimas cosas en las que participó Jim Henson antes de morir, en 1990. Su productora continuó funcionando, aunque en la actualidad los Teleñecos ya no le pertenecen a ella, sino a Disney, pero no ha vuelto a alcanzar las cotas de popularidad y gloria que tuvo en los 80. ‘El Cuentacuentos’ quizás no sea de las producciones más populares de Jim Henson, pero es una de las más peculiares y originales. Y entre sus colaboradores estaba también Frank Oz.

Ficha Técnica: ‘El Cuentacuentos’

Título Original: ‘The Storyteller’

Género: Fantasía

Cadena: HBO

Cadena en España: TVE

Disponibilidad DVD: En EE.UU., serie completa

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Nuestro Nostalgia TV tiene hoy una razón de ser muy especial. Esta semana nos desayunábamos con la triste noticia del fallecimiento de Fernando Argenta, ese gran comunicador y amante de la música clásica. Argenta tuvo clara, desde niño, su afición por lo musical y compatibilizó sus estudios de derecho con su carrera artística. Formó parte de aquel grupo rockero Micky y los Tonys, surgido en los 60, y en 1976 creó para RNE ese gran programa radiofónico llamado ‘Clásicos populares’, que seguro todos conocéis y que ha sido un gran impulsor de la difusión de la música en nuestro país.

Pero si nos fijamos en nuestro medio, es más que probable, al hablar de su figura, que automáticamente os acordéis de un estupendo programa de TVE que se llamó ‘El conciertazo’, que se emitió con el nuevo siglo y que ayudó a transmitir a los niños espectadores (y a muchísimos adultos) toda la pasión y la magia que despierta la música clásica. Desde esta sección, aquí va nuestro sentido homenaje a este gran profesional, recordando uno de los espacios televisivos de los que todos debemos sentirnos orgullosos: ‘El conciertazo’.

Un programa para no olvidar

‘El conciertazo’ es un programa que nació en 2000 y que tuvo que despedirse de nosotros en 2009, debido a los problemas derivados de la crisis económica (qué triste tener que hablar también de ello en nuestra sección más nostálgica), por los que los trabajadores de TVE sufrieron un expediente de regulación de empleo que afectó a algunos de sus más carismáticos presentadores, como es el caso de Fernando Argenta. La cuestión es que durante años, si sintonizábamos la 2 los sábados por la mañana, mientras mordisqueábamos con agradable pereza la tostada del prometedor fin de semana, podíamos deleitarnos con este fabuloso programa.

Didáctico, entretenido, comprometido, divertido… muchísimos calificativos podrían servir para valorar un programa como éste. Se trataba de un espacio para niños, pensado, primordialmente, para acercar la música clásica a los más pequeños. Para ello, Argenta ponía en marcha todo su talento de “showman”, su simpatía, su gracejo, su pasión por lo que estaba explicando y organizaba un auténtico concierto en el que la orquesta interpretaba los fragmentos más conocidos y populares de las grandes obras de la música clásica.

Aprender y disfrutar

Para que el objetivo se cumpliera, era muy importante aderezar la parte musical con otros ingredientes. En primer lugar, había una espectacular puesta en escena en la que participaban actores caracterizados como los personajes de la pieza interpretada, que bailaban, gesticulaban y hacían partícipe al embelesado público. Por lo que hadas, caballeros, animales de toda índole, duendes o príncipes se pasearon por el escenario de este programa durante años, haciendo las delicias de todos nosotros.

Era fundamental explicar qué tipo de pieza se estaba ejecutando, así como su esencia y su importancia, por lo que Argenta ofrecía una parte más didáctica, en la que nos contaba, ni más ni menos, qué era la obra que veíamos y escuchábamos. Las explicaciones servían a ese sentido didáctico y enriquecedor que tanto echamos a veces de menos en nuestra tele. Pero no se trataba de una exposición dogmática, enrevesada y aburrida. Todo lo contrario, las explicaciones eran divertidas y apasionantes y se lograba que el espectador se viera imbuido por toda la magia y el regocijo que el autor de la pieza quiso mostrar.

Una parte fundamental del éxito del programa radicaba en el hecho de que verdaderamente se desarrollaba un concierto en el que la orquesta tocaba en directo para deleitar al público presente en la sala. La interacción entre la orquesta, el presentador y la audiencia producía un efecto estupendo, pues lograba implicar al público, al ofrecerle divertidos sketches que, con muy poca puesta en escena, conseguían realzar el interés de lo que se estaba interpretando. En palabras del propio Fernando Argenta:

En “El Conciertazo” no existe la barrera entre la orquesta, el director y el público. La interacción es la base que sirve para que los niños y el público, en general, participen en un concierto. Los primeros, actuando al hilo de la música en diferentes ocasiones y, tanto los padres como los niños, interviniendo activamente en alguna que otra obra. Todo ello mantiene viva la atención de los más pequeños a los que les encanta salir y actuar, o ver a otros niños sobre el escenario, constituyendo una auténtica fiesta familiar en torno a la música clásica.

Interpretación viva

Otra de las virtudes del programa era hacer al público partícipe no sólo a través de explicaciones o buenos espectáculos, sino dándole un papel principal en el desarrollo del show. Los niños salían voluntariamente (esa cara de ilusión ansiosa que tiene el “¿seré yo?” previo) y se vestían para interpretar alguno de los papeles esenciales de la pieza. Podían ser los actores que encarnaran la acción, o los directores de orquesta que dirigían a los músicos… Una arma muy inteligente pues pocas cosas pueden implicar tanto al público como hacerle partícipe y co-creador del espectáculo.

Además, Argenta contaba con la colaboración de grandes secundarios. No debemos olvidar a Araceli González, co-presentadora del programa de radio ‘Clásicos populares’ y tan amante de la música clásica y del deseo de contagiar esta pasión como el propio Argenta. Había además, diferentes secciones, como la destinada a hablar de los preceptos de la danza clásica, o las divertidas apariciones de marionetas recurrentes que cumplían la función más clásica de divertir a los niños y “aprender” los contenidos y “mostrar” sus dudas, al nivel identificativo más funcional. Todo estaba pensado para pasar un rato agradable y, por ello, también había juegos, como ‘De momento, acierta el instrumento‘, en el que los niños debían reconocer el instrumento que se estaba tocando

En fin, que ‘El conciertazo’ fue un gran programa que no sólo ayudó a divulgar la música clásica y hacerla entendible a los niños (y mayores) sino que también supuso un programa muy bien hecho, que sabía cómo enseñar divirtiendo y que consiguió numerosos galardones, como el que ganó en 2001 de manos de la Academia de las Ciencias y Artes. Sin duda, muchos de nosotros no podremos olvidarlo fácilmente, ni tampoco a su mítico presentador, el inconfundible Fernando Argenta.

Ficha Técnica: ‘El conciertazo’

Género: Música

Cadena: TVE

Cadena en España: TVE

Disponibilidad DVD: Libro y CD

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Una de nuestras secciones favoritas es Nostalgia TV. Sus contenidos se convierten en la excusa perfecta para sentarnos al calor del ordenador y hablar y repasar los programas que más nos marcaron y con los que disfrutábamos sin plantearnos grandes hipótesis. Ahora seleccionamos con mucho mimo las series a las que dedicamos nuestra atención, pero todos empezamos igual: frente a nuestra tele, sintonizando esa serie que simplemente… nos gustaba.

En nuestro repaso por las series y programas que poblaron el pasado, dedicamos hoy esta sección a la serie de Antena 3: ‘¡Ay, Señor, Señor!’, una ficción que se emitió en 1994 y 1995. En aquel entonces, las teles privadas empezaban a funcionar como un tiro y la apuesta por la ficción nacional fue muy importante. Las series españolas empezaron a colarse en los prime-times que antes ocupaban ficciones americanas o, a lo sumo, concursos patrios. La apuesta por estas series fue esencial para el desarrollo industrial del audiovisual.

Un cura inusual

‘¡Ay, Señor, Señor!’ nos contaba las aventuras del padre Luis, interpretado por Andrés Pajares. La historia arrancaba cuando este sacerdote aterrizaba en un barrio obrero madrileño para comenzar a ejercer como cura principal en la parroquia, en sustitución del padre Claudio (el gran Cesc Forteza), un sacerdote que estaba a punto de retirarse y que necesitaba “traspasar” sus funciones. La peculiaridad y el interés de la serie radicaba en la personalidad del nuevo padre.

Luis era un hombre conciliador, bienintencionado, generoso y entregado a la parroquia, pero sus métodos no eran exactamente los más ortodoxos y su mentalidad resultaba más “abierta” de lo que se suele esperar de un sacerdote. Vestía vaqueros, hablaba informalmente, era un hombre con ideas modernas que revolucionaba por completo al barrio en cada uno de los capítulos.

Uno de los puntos por los que esta comedia consiguió triunfar fue por el contraste que ejercía el padre Luis con el también párroco padre Ángel. Este personaje dio a conocer a un jovencísimo Javier Cámara y hemos de agradecer a la serie que nos descubriera a este estupendo actor. El padre Ángel era el contrapunto de Luis: pese a su juventud, estaba chapado a la antigua. Seguía fielmente los dictados de la Iglesia, resultaba remilgado y un poquito cursi pero totalmente adorable pues, al final, siempre seguía a Luis en sus disparatados planes. Sin duda, un gran personaje para un gran actor.

Humor y temática social

Además, en el barrio, Luis se reencontraba con quien había sido su amor de juventud: Beatriz. Este personaje, curiosamente, estaba interpretado por la entonces pareja de Andrés Pajares, Chonchi Alonso. Era una directiva de banco que siempre trataba de ayudar al padre Luis. A pesar de que su relación se trataba de una manera muy blanca e inocente, era curiosa la innegable tensión sexual que se establecía entre los personajes.

La arrolladora personalidad del padre Luis era el motor de la serie. Era un hombre entregado al servicio público, aunque para ello tuviera que saltarse ciertas normas. Normalmente, en cada capítulo se planteaba el problema de un feligrés (económico, social, familiar) y el padre Luis se prestaba a echarle una mano ideando los planes más descabellados e incluso poniendo en riesgo su integridad.

Y es que ‘¡Ay, Señor, Señor!’, con su humor tan inocente y familiar, se preocupaba por tocar temas sociales e incluso polémicos: prostitución, delincuencia, drogas, maltratos… Eso sí, la resolución siempre era feliz para unos personajes que algunas veces caían en el maniqueísmo de los buenos y los malos. Pero que el bien triunfara en la tele de los 90 era un clásico ¿verdad? Incluso el gemelo “malvado” de Luis (otro clásico de la comedia) acababa por no ser tan fiero como lo pintaban.

La comedia española en los 90

El recuerdo de esta serie, dirigida por Fernando Colomo, nos lleva a reflexionar un poco sobre el tipo de televisión que se desarrolló en un momento en el que todo estaba por hacer y en el que el público había redescubierto la ficción nacional. Las series que se hicieron en esta época tal vez no tuvieran la resolución técnica más apabullante, a lo mejor podían ser hasta previsibles o un poco banales, pero el hecho es que el público español estaba sediento de ellas y así, con su tono blanco, sus chistes facilones y sus personajes estereotipados, resultaban también frescas, entretenidas y carismáticas.

Además, ‘¡Ay, Señor, Señor!’ contó con la virtud de recuperar a un cómico como Andrés Pajares, que se hizo muy popular en el cine de los 70 con el género del destape y que, de esta manera, aglutinó a una audiencia que ya le conocía. Eso sí, con el padre Luis, dio la vuelta completamente a los personajes que solía interpretar en esas historias y a través de las dos temporadas y 28 capítulos de ‘¡Ay, Señor, Señor!’, logró conectar de nuevo con el público.

Ficha Técnica: ‘¡Ay, Señor, Señor!’

Título Original: ¡Ay, Señor, Señor!

Género: Comedia

Cadena: Antena 3, FDF

Disponibilidad DVD: No

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Domingo con perspectivas de un día más de fiesta. Perfecto para un buen maratón de series o una buena sesión de Internet. Y de repente, “pasabas por aquí” y viste esta imagen. Y acto seguido, puede que hayas lamentado ser parte de aquella audiencia millonaria que siguió esta telenovela este culebrón en el que todo eran traiciones, lágrimas y drama, mucho drama. Mientras en USA se estilaban los grandes seriales de familias pomposas (que también seguimos gustosamente), en Latinoamérica triunfaban otro tipo de seriales, que llegaron a nuestro país con ‘Cristal’ de avanzadilla. Si tienes un vago recuerdo de este folletín, seguro que Rudy la Scala te hará recordar más, tras el salto…

La telenovela más seguida de la historia en España

Perdona, es que yo pasaba por aquí, caminaba por aquí y en tu alcoba vi la luz Perdona mi actitud, quizá debí llamar y no presentarme así…

Esta letra me retrotrae irremediablemente a 1990, cuando todo un país (aunque nos avergüence este pasado televisivo nuestro) permanecía atento al capítulo 246, el desenlace del primer (y último) culebrón al que muchos nos aficionamos (con permiso de ‘Los ricos también lloran’, que recuerdo más vagamente). ‘Cristal’, una historia de la prolífica autora y experta del género, Delia Fiallo, por alguna razón que aún desconozco, nos llegó al corazón. Sabíamos que la producción era muy underground, que las tramas eran inconcebibles y los personajes poco creíbles. Pero nos gustaba.

Además, si tenías doce años y un único televisor en tu casa no ejercías ninguna democracia sobre lo que se veía en la sobremesa, ya sea el Tour de Francia o culebrones, como el drama de Cristina y Luis Alfredo, de su amor imposible entre clases, con almibarado final feliz y torrentes de lágrimas, como no podía ser de otra forma. Ostenta el récord de ser la telenovela hit de nuestra historia televisiva: entre diciembre de 1989 y noviembre de 1990 enganchó a más de nueve millones de espectadores en la primera (muchos la seguían desde que se había empezado a emitir en TVE-2).

Las telenovelas ocupan la franja de sobremesa

Y no es cuestión baladí: lo cierto es que su éxito cambió la parrilla televisiva en esta franja horaria durante muchos años. Coincidió con la consabida “llegada de las privadas” que pronto vieron el filón: mientras en TVE se quedaban con los codiciados protagonistas de ‘Cristal’ (Jeanette Rodríguez y Carlos Mata) emitiendo ‘La Dama de Rosa’ (siguieron liderando con ‘Rubí’ y ‘Abigail’), Telecinco y Antena 3 intentaban arrastrar a parte de este target cuando acabó ‘Cristal’ con sendas telenovelas: ‘Señora’ (con Mata también de protagonista) y ‘Leonela’ (después vendrían ‘Topacio’ o ‘Vientre de alquiler’). Pero ninguna logró ser el fenómeno social y televisivo que fue ‘Cristal’.

La tendencia a programar telenovelas para las sobremesas siguió en el ente público hasta evolucionar a las “novelas” (como las llaman nuestras madres) de “nueva generación”: Amar en tiempos revueltos en 2005 (actualmente, ‘Amar es para siempre’), que ha ocupado esta franja horaria durante siete temporadas o ‘Gran Reserva: el origen’. En las privadas los magazines y otros esperpentos como ‘Sálvame’ hace ya tiempo que funcionan como alternativa al clásico culebrón, aunque los contenidos no distan mucho de éste a aquellos.

Un drama aderezado por la comedia de Doña Adelaida

La emisión de ‘Cristal’ (que en Venezuela había arrasado ya entre 1985 y 1986) tenía un valor añadido en TVE: las crónicas de Doña Adelaida, o lo que es lo mismo, el trabajo de la periodista Charo Gómez Miranda (madre de la colaboradora habitual de Telecinco, Belén Rodríguez y recientemente desaparecida). Charo creó el personaje de Doña Adelaida para el programa de Jesús Hermida, ‘A mi manera’, magazine-contenedor que contaba con ‘Cristal’ entre sus contenidos. Doña Adelaida era una señora muy maja, que contaba las cosas a su manera, como si se lo contara a su vecina al encontrársela en el portal o a sus amigas tomando café.

Su misión era ponerte al día con la emisión, por si te habías perdido algún capítulo. Básicamente, te espoileaba, pero tampoco suponía gran cosa, pues siendo 246 episodios no es que la trama avanzara tan deprisa (ni fuera tan críptica) como para no poder perderte una hora de Jeanette Rodríguez moqueando, caras de mala de Marion, muchos “ay, chama, qué chévere” y algún trabajo actoral digno del óscar de la villana de la historia, Victoria.

El éxito de ‘Cristal’ no tiene parangón en su género. Y aunque ha habido incluso un remake ‘Triunfo del amor’ (que Nova emitió en 2012) y que en realidad era una versión de otra versión, ha quedado claro que gran parte de aquella audiencia tuvo con ‘Cristal’ su única vivencia televisiva con seriales latinoamericanos. Los nostálgicos de aquella época serán, supongo, los que conforman ese escaso 2% de share que tiene Nova en la actualidad y que ¿le salva? de la quema, al parecer.

Ficha Técnica: Cristal

Título Original: Cristal

Género: Drama

Cadena: RCTV (1985-1986)

Emitida en España: TVE (1989-1990)

Disponibilidad DVD No

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Como cada domingo, sintonizamos nuestro canal del recuerdo y la morriña para hacer un viaje a nuestro pasado televisivo, a esas series y programas que forman parte de nuestro ideario, que vimos bien porque no había alternativas (en aquella época de La primera o La segunda), bien porque fueron auténticos fenómenos sociales (como comentábamos la semana pasada sobre ‘Cristal’) bien porque eran realmente buenos… o algo inherente a tu generación (véase’La Bola de Cristal’). De algunos de estos episodios de nuestra vida ahora casi renegamos (¿Cómo es posible que nos tragáramos Los Aurones?) pero hay series, como ‘Autopista hacia el cielo’, que recordamos como entrañables (pese a las altas dosis de azúcar y moralinas).

Cierto que vista ahora, con el paso del tiempo, el mensaje resulta excesivamente christie. Pero en un contexto de inocencia infantil, parece que se asimilaba de manera más natural, sin cuestionar este énfasis religioso (menos aún si esa era además, tu educación escolar). En cualquier caso, hoy en día sería impensable que una serie como ésta convenciese al público. Ahora nos van los antihéroes, los apocalipsis y las guerras entre reinos.

El bueno de Michael Landon

Es que es oír esa melodía y el corazón se te encoge. Y luego, para rematar, aparece tras ese fundido Michael Landon con su cara de bonachón, ligero de equipaje pero con el corazón lleno de amor para repartir entre todos los humanos. Porque él es un ángel caído del cielo (no el maligno, sino uno al que dejaron en una autopista para que cumpliera una misión. La cabecera, por cierto, es todo simbolismo: un cielo, una autopista). Además la serie apareció en 1984 (1985 para nosotros), cuando el público ya le había interiorizado como aquel padre abnegado, honrado y decente del melodrama La casa de la pradera.

Ahora Michael Landon es Jonathan Smith (el nombre más común en América, como decir “un tipo cualquiera”) un ángel enviado a la Tierra para ayudar a los hombres en los trances de la vida. Un ángel custodiador, que se asegura de que los humanos sean personas decentes y éticas para que el mundo sea un lugar mejor. Y se sirve de bonitas frases y metáforas y ejemplos prácticos, haciendo además uso de una especie de don que consigue sacar de manera natural lo mejor de cada persona, haciendo que se enfrenten a sus conflictos morales, sus problemas y dilemas. Sin que ellos se den casi cuenta “les ilumina” con su sabiduría de la vida. Los demás sólo ven a un tipo bonachón que pasó por sus vidas y luego desapareció.

Como ángel que es puede obrar milagros, no sólo arreglando cosas o haciéndolas surgir de la nada (para lo que necesite, está Dios) sino también transformando a las personas. A su compañero de aventuras, Mark (Victor French), sin ir más lejos, lo rehabilita del alcohol y de una vida miserable tras haber tenido que abandonar el cuerpo de policía por un episodio de ira. Se convertirá en cómplice de Smith al desvelarle éste su verdadera identidad (aunque como buen sabueso, sospechaba que había algo raro en él) y en su compañero de cruzada on road. Juntos forman equipo con Dios, “El Jefe”, que expresa su voluntad a través de Jonathan aunque Mark se permite muchas veces “bromear” indirectamente con él (en esos puntos “cómicos” de la serie). De cara a los demás, Jonathan se refiere a Dios como un amigo, “El mejor que puedas tener”.

Un actor encasillado… en NBC

Después de numerosos roles secundarios, Michael Landon tuvo tres grandes papeles protagonistas en la pequeña pantalla y las tres series compartieron cadena (además de compositor de tres sintonías, a cuál más mítica). Lo de Landon no se debió a falta de oportunidades, sino, más bien, a una cuestión de tiempo. Sus papeles se alargaron años porque todas fueron series exitosas. A los 22 años se estrenó como protagonista en ‘Bonanza’ interpretando al menor de la saga Cartwright. La serie se emitió la friolera de catorce años (1959-1973) y el personaje le lanzó a la fama.

Después vendría ‘La casa de la pradera’ (1973-1983) en la que Michael Landon no sólo actuó, sino que se desenvolvió en otras facetas técnicas y artísticas, como os contó mi compañera Noelius en su Nostalgia TV. Y allí nació el mito de hombre bonachón: su personaje no podía ser más blanco y puro, un padre de familia enfrentándose a los duros reveses de la vida con buena cara y espíritu alegre. Un personaje-tipo que Landon ya había creado a su imagen y semejanza, que tenía mucho que ver con su personalidad real. Había allanado el camino para ascender a ser celestial y convertirse en ese tipo tan majete de ‘Autopista hacia el cielo’.

La serie, de la que fue director y guionista ocasional (también Victor French) se prolongó cinco temporadas. Dos años después, Landon fallecía. Su compañero de reparto había muerto sólo unos días antes del fin de la serie, que fue cancelada en agosto de 1989 ante la negativa de Landon de sustituir a su compañero y sin que ofrecieran un final como tal (algo así como Jonathan ascendiendo al cielo con sus nuevas alas). Así, Michael Landon se iba dejando tras de sí estos tres personajes de los que ya nunca se hubiera podido desprender, por más que vinieran otros. Aunque claro, otros (más jóvenes) le recordaréis más por los doblajes de ‘El Informal’.

Ficha Técnica: Autopista hacia el cielo

Título Original: Highway to Heaven

Género: Drama

Cadena: NBC (1984-1989)

Emitida en España: TVE (1985-1989)

Disponibilidad DVD Temporadas 1 y 2

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Antes de que Disney creara un monstruo, como quien dice, con con ‘Hannah Montana’ y Miley Cyrus, ya había lanzado a otra estrella adolescente, o pre-adolescente, en la figura de Hilary Duff, una joven texana de 14 años que se había mudado a California con su hermana Haylie para intentar entrar en Hollywood. Habíe hecho pequeños papeles en producciones sin demasiado éxito hasta que llegó ‘Lizzie McGuire’, que la lanzó como actriz y como cantante, que ya sabemos que todas las estrellas Disney son multidisciplinares. Al contrario que Cyrus, que ha aprovechado para tomar al asalto el trono de diva del pop del momento, Duff se ha quedado más en segundo plano, pero eso no impide que recordemos la serie que la hizo famosa, una comedia amable y familiar muy típica de Disney Channel.

Su creadora era Terri Minsky, una guionista con cierta experiencia en comedia que cuenta en su currículum con algunos capítulos de ‘Sexo en Nueva York’ y que también estuvo implicada en la puesta en marcha de ‘The Geena Davis Show’ y ‘Less than perfect’, una comedia en la que podíamos encontrar a un jovencito Zachary Levi. La idea detrás de ‘Lizzie McGuire’ es muy sencilla. Es una sitcom familiar pero centrada en la hija mayor de una familia de clase media muy normal, Lizzie tiene un hermano pequeño con el que siempre está discutiendo y es tímida y siempre está intentando encajar en el instituto. Pero lo que ella no dice en voz alta lo vemos representado en pantalla a través de su versión en dibujo animado.

Éxito breve

Como es a veces habitual en las series desarrolladas para canales de cable básico, ‘Lizzie McGuire’ recibió una orden de 65 episodios, directamente, que se emitieron distribuidos en dos temporadas entre 2001 y 2004. Con capítulos de unos 22 minutos, era una sitcom para pre-adolescentes de manual, en la que cada episodio se centraba alrededor de algún problema que Lizzie tuviera que superar, ya fuera en casa o en el instituto con sus dos mejores amigos. El humor era, por supuesto, muy blanco, pero el toque ligeramente excéntrico que le daba las apariciones de la Lizzie animada era curioso. En ocasiones, recordaba a una versión para niños de las alucinaciones de ‘Ally McBeal’, pero menos acelerada.

Desde el primer momento, ‘Lizzie McGuire’ fue un éxito para Disney Channel, hasta logrando un par de nominaciones al Emmy al mejor programa para niños, y convirtió a Hilary Duff en una estrella de la noche a la mañana. Duff empezó su carrera musical incluyendo varias canciones en la banda sonora de la serie y, cuando ésta llegó a su final, Disney pensó en continuarla no a través de nuevas temporadas, sino en una franquicia de películas. Llegó a producirse una, ‘The Lizzie McGuire Movie’, a la que se criticó porque se consideraba que intentaba hacer con Duff la misma maniobra promocional de ‘Crossroads’ con Britney Spears, y no acabó de funcionar del todo bien. Sin embargo, no hubo continuidad no tanto por esa circunstancia, como porque el estudio y los representantes de Duff no llegaron a ningún acuerdo para hacerlo.

En la actualidad

‘Lizzie McGuire’ no era el colmo de la originalidad, pero funcionaba bastante bien. Su protagonista era una chica con la que su público tenía fácil conectar, y podía resultar bastante divertida, especialmente gracias al contraste entre lo que veíamos hacer a Lizzie y y lo que su alter-ego dibujado contaba a cámara. Ese recurso de los soliloquios al espectador ya lo había utilizado en los 90, por ejemplo, ‘Las historias de Clarissa’, con Melissa Joan Hart explicando a cámara lo que su personaje pensaba sobre determinadas situaciones. En ‘Lizzie McGuire’ le daba cierta simpatía y, desde luego, le otorgaba un toque de originalidad si la comparamos con las comedias que el canal tiene en la actualidad dirigidas a los pre-adolescentes.

Tras el final de la serie, Duff siguió sacando discos y haciendo alguna que otra incursión en el cine, como en el remake de ‘Doce en casa’, y hasta tuvo un pequeño papel en ‘Gossip Girl’. Este año volverá a televisión, en una comedia creada por Darren Star para TV Land titulada ‘Younger’, y en la que compartirá el protagonismo con Sutton Foster.

Ficha Técnica: Lizzie McGuire

Título Original: Lizzie McGuire

Género: Comedia teen

Cadena: Disney Channel (2001-04)

Emitida en España: Antena 3

Disponibilidad DVD Serie completa

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Qué importantes fueron para nosotros esos dibujos que vimos de niños. Llegaba la hora de sintonizar nuestro canal favorito, y, en ese momento, el tiempo se paraba, y sólo teníamos ojos y oídos para deleitarnos con las aventuras del héroe. Esa capacidad de traspasarnos al universo mágico, de caer en las redes de la ilusión, de los castillos encantados y las maldiciones eternas, cómo éramos capaces de dejarnos llevar y vivir sólo por nuestro protagonista, es uno de los privilegios del espectador infantil, que más tarde es difícil conservar. Hoy, en nuestro Nostalgia TV, vamos a recordar una de esas series que nos hacían vivir aventuras sentados en nuestro sofá, con el vaso de leche olvidado completamente. Se trata de la gran ‘He-man y los masters del universo’.

Historias del héroes y villanos

En ‘He-Man y los masters del universo’ encontrábamos una historia que nos remitía a la lucha del bien contra el mal. Todo sucedía en el lejano planeta de Eternia en el que vivía el príncipe Adam, hijo del rey Randor y de la reina Marlena, esta última originaria de la Tierra, hecho que convertía a Adam en medio humano (algo fundamental en muchos héroes de este tipo de sagas de ciencia-ficción, que hacen ganar inmediatamente al público en favor del personaje con el que se sienten identificados por compartir procedencia).

Eternia vivía bajo la amenaza del consejo del mal, una fuerza comandada por Skeletor, que quería hacerse con el control de Eternia y someter a todos sus habitantes. Las fuerzas del bien consiguieron detener al consejo del mal, encerrándoles en un muro místico, pero el día en que el príncipe Adam cumple 16 años, consiguen escapar… La hechicera del castillo Grayskull detecta esa fuerza negativa y solicita la presencia del príncipe, pues a partir de ahora tendrá una importante misión que cumplir.

El castillo de Grayskull, con su mítica forma de calavera, albergaba un gran poder que el consejo del mal pretendía dominar: en el pasado, los poderosos Ancestros decidieron proteger el castillo fundiéndose en un solo ser y concentrando su poder en el castillo. El príncipe Adam es el escogido para recoger todo ese poder a través de una espada mágica. En el momento en que Adam empuñaba la espada y pronunciaba las palabras que aún hacen retumbar nuestros fanáticos corazones: “Por el poder de Grayskull… ¡Yo tengo el poder!”, el joven se convertía en el guerrero más poderoso del universo: He-Man.

Así pues, a partir de ese momento, Adam vivirá una doble vida y ocultará su segunda identidad a sus seres queridos, hecho que sólo conocerán algunos personajes. Nadie sabe quién es en verdad He-Man, el protector y defensor de Eternia y de las fuerzas del bien. Junto a él, trabajarán los masters del universo, unos guerreros muy poderosos que ayudarán a que Skeletor y el mal nunca puedan triunfar en Eternia. Como veis, como buena saga de ciencia ficción, esta historia contaba con muchos elementos dramáticos que construían un interesante arco narrativo para la serie, a pesar de que luego algunos capítulos tuvieran una trama vertical un poquito más sosa e infantil.

Los personajes de una saga

She-ra, protagonista de su propia serie de aventuras

Existen muchos personajes más en este complicado universo: la reina Sorceress, la hechicera guardiana del castillo de Grayskull; el simpático Orko, los guerreros Buzz-off, Stratos o Zodac; o los malvados Beast-Man y Mer-Man… toda una amalgama de personajes que va creciendo para deleitar a los amantes de esta historia.

Tampoco podríamos olvidarnos de She-Ra. Adam tiene una hermana gemela: Adora. Es una joven que guarda en su interior un fabuloso poder. Adora es capaz de transformarse en She-Ra, la mujer más poderosa del universo. Es un reverso femenino del personaje de He-man, con sus virtudes y su valor, sólo que se especifica que She-Ra no usa la fuerza bruta, sino unos increíbles poderes mágicos. En la serie de He-man, Adora apenas tuvo intervención, pero, poco después, protagonizó un spin-off que la convirtió en la heroína de muchas niñas.

Unos muñecos con mucha historia

El nacimiento de esta serie de dibujos que se creó en 1983 tiene, como tantos otros productos audiovisuales, una curiosa historia detrás. El origen de esta estupenda saga estuvo, en primer lugar, en la creación de unos muñecos de acción que diseñó la empresa Mattel. Parece ser que la gran juguetera rechazó la propuesta de fabricar los muñecos de ‘Star wars’, decisión de la que acabaría arrepintiéndose al poco tiempo.

Tal es así, que su objetivo se convirtió en desarrollar unos muñecos de ese estilo: valerosos, con poderes mágicos, y habitantes de otros planetas. Así nació la leyenda de Grayskull y de los masters del universo. Una polémica surgió de este asunto, pues los creadores de ‘Conan’ acusaron a Mattel de hacer una copia de su personaje (la verdad es que también tienen muchos puntos en común) pero, finalmente, Mattel ganó la demanda y He-Man se convirtió en leyenda.

A partir de ahí, la estrella del personaje fue iluminándose más y más. En 1983 se creó esta fantástica serie de dibujos animados que atrapó a muchas generaciones de ávidos televidentes. La serie contó con 130 episodios y se editaron también varios cómics. El final de la serie sólo fue el despertar a otros nuevos productos. En 1990 se hizo una nueva serie llamada ‘Las nuevas aventuras de He-Man‘, en las que el héroe había de defender el planeta Primus. En 2002, se hizo una nueva versión de la serie, con un look más moderno y acorde con los tiempos. Además, existen dos películas sobre los personajes de Eternia: una versión animada, de 1985, que se llama ‘El misterio de la espada’ y tiene tanto a He-Man como a She-Ra de protagonistas. Y una versión en Live Action de 1987, en la que el papel de He-Man estuvo encarnado por Dolph Lundgren.

Ficha Técnica: ‘He-Man y los masters del universo’

Título Original: ‘He-Man and the Masters of the Universe’

Género: Animación

Cadena original: USA Network

Cadena en España: Antena 3

Disponibilidad : Si

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

En el Nostalgia TV de hoy hablaremos de una de mis series preferidas (y causante de un gran conflicto familiar, cuando mi madre tiró el álbum de cromos a la basura). Ay, qué recuerdos de aquellas sobremesas de sábado y domingo, cuando los adultos no podían seguir nuestro ritmo de niños y se echaban una siesta mientras nosotros nos apoderábamos de la tele para ver esas inolvidables series de dibujos que tanto nos marcaron.

Según cuenta la leyenda (y el opening de la serie) en 1634 el capitán Ortega sufrió un ataque pirata en su barco, que se hundió para siempre en las profundidades del mar. El capitán fue encontrado diez días después en una playa y pudo contar cómo, en su peripecia, había encontrado a unos seres diminutos. Por supuesto, todos le tomaron por loco. ¡Oh, incrédulos! Todos sabemos que esa historia es real y que esas criaturas son los estupendos Snorkels.

El origen de Snorkilandia

El nacimiento de ‘Los Snorkels’ vino de la mano del creador de cómics de origen belga Nicolas Broca en 1982, aunque parece ser que su primera aparición en papel fue dentro de una historieta de otros de sus personajes: ‘Spirou y Fantasio’. Poco después, la American Saturday Morning Cartoon adquirió los derechos y pensó en adaptarla para televisión, de cuya producción se encargó la omnipotente, omnipresente y casi omnitodo Hanna-Barbera.

Así, nació esta serie de dibujos que conseguiría arraigar en nuestros corazones con sus cuatro temporadas y sus 65 capítulos. En Estados Unidos se emitió por primera vez por NBC en 1984. A nuestro país llegó de la mano de una TVE que siempre nos trajo estupendos dibujos animados, y pudimos disfrutar de ella a partir de 1986.

En el fondo del mar

‘Los Snorkels’ nos contaban las aventuras de unas criaturas que vivían en el fondo marino, en el que habían establecido una ciudad llamada Snorkilandia. Los Snorkels eran un seres de colores que tenían un tubo (un snorkel) que salía de sus cabezas, el cual les permitía respirar con normalidad. También podían subir la superficie y respirar el aire durante un corto lapso de tiempo.

Uno de los aspectos más llamativos de la serie era la “humanización” y el grado de civilización que habían alcanzado los personajes. Los Snorkels habían establecido una sociedad y unas reglas de comportamiento igual a las humanas, sólo que adaptadas al fondo marino: sus transportes podían ser caracolas gigantes, las algas o los corales podían ser materiales de construcción, sus monedas eran las clams (almejas)… Un aspecto que comparten con series como ‘Los Picapiedra’ que, si recordáis, tenían los mismos elementos que los humanos del siglo XX pero con particularidades de la Edad de Piedra.

Las tramas de ‘Los Snorkels’ mezclaban las historias más cotidianas con otras de aventuras. Había temáticas de amor, de amistad, familiares, laborales o incluso conflictos de clase, pero también entretenidas peripecias en las que los personajes debían salvaguardar Snorkilandia de peligros exteriores o de amenazas de villanos y monstruos.

Los coloridos personajes

Los protagonistas de ‘Los Snorkels’ eran un grupo de amigos adolescentes que formaban una pandilla muy unida. El “líder” de esta manada era Allstar, un snorkel simpático y de buen corazón, pero que, sobre todo, se caracterizaba por su ansia de aventuras y por querer explorar qué había en lo que él llamaba el “más allá” y que no era otra cosa que la superficie marina. Su compañera de aventuras era Casey, que venía a tener sus mismas cualidades pero en femenino, y ambos estaban “enamorados”.

Otra de las parejas era la formada por Dimmy que siendo un personaje positivo resultaba muy competitivo y un poco fanfarrón. Siempre buscaba impresionar a Daffney, que era como la snorkel guapa pero también presumida. Resultaba muy divertido cuando se intercambiaban los roles y Daffney era más rápida, fuerte y habilidosa que Dimmy. La pandilla la completaban Tooter, un snorkel verde que no hablaba, y Occy, el pulpo-mascota de Allstar.

Pero había muchos más personajes en la sociedad de Snorkilandia. Uno de los más importantes era el tío Galeo, un científico que hacía experimentos y probaturas y suponía el detonante de muchas tramas de aventura. Su pasión, como la de Allstar, era investigar qué había más allá de su ciudad. Y luego estaba el antagonista, llamado Junior. Era tramposo, egoísta… curiosamente (o no) era un niño mimado, hijo del Gobernador de la ciudad y, por tanto, con mucho poder adquisitivo.

En fin, que ‘Los Snorkels son todo un clásico de la ficción infantil y, por ello, han sido protagonistas de numerosos homenajes, parodias y menciones. Como por, ejemplo, este gag de ‘Padre de familia’ con el que despedimos nuestro Nostalgia de hoy.

Ficha Técnica: ‘Los Snorkels’

Título Original: ‘The Snorkels’

Género: Animación

Cadena original: NBC (1984-1989)

Cadena en España: TVE

Disponibilidad : Si

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Amigos, hubo un tiempo en el que el cupón de la ONCE no se asociaba a esas campañas publicitarias tan molonas sino a un programa contenedor que incluía todo tipo de espectáculos y variedades en torno al famoso sorteo diario. ‘El Telecupón’ fue toda una institución en la época noventera de Telecinco y elevó a Carmen Sevilla al nivel de show-woman televisiva. Actuaciones musicales, panel de premios y hasta un videojuego que se controlaba por teléfono. Al final el sorteo era lo de menos, aunque intentaran hacer esa parte del programa también atractiva con aquellas azafatas sonrientes. Y vamos ya con las decenas de millar, después del salto.

Un programa con un largo recorrido…

Desde que lo condujeran Silvia Marsó y Andoni Ferreño en 1990 hasta la automatización del formato en 2005, ‘El Telecupón’ ha vivido un largo peregrinaje variando en función de la línea editorial de la cadena que lo emitía en cada momento. Teniendo en cuenta que el programa nació al mismo tiempo que Telecinco, en sus orígenes ‘El Telecupón’ respiraba ese aire a Lazarov que tenían todas sus producciones por aquel entonces: las azafatas vistosas, las estrellas del cine español más cañí presentando espacios (recordemos que Juanito Navarro, Fernando Esteso o Manolo Escobar también pasaron por la cadena amiga), ese trato con el público como de charla de mesa camilla…

En 1991 se incorporó Agustín Bravo, que, junto a Carmen Sevilla, haría las veces de co-presentador hasta 1995, haciendo que nos resultara imposible no asociarle por siempre a este programa ni al sorteo de la ONCE a las ovejitas de Carmen. El papel de Bravo no sólo era el de llevar el programa: en no pocas ocasiones tenía que reconducirlo (en riguroso directo) cuando Carmen Sevilla lo convertía ‘El Club de la Comedia’ con sus anécdotas. Todo era muy familiar. Tanto que también había dos niñas en plató —Lara de Miguel e Irene Blasco— encargadas de asistir a la actriz con aquel mítico “¡Aquí, Carmen!”, cuando su confesada miopía le impedía encontrar las casillas del panel-horóscopo.

A partir de 1995 Carmen Sevilla condujo el espacio en solitario, viviendo la etapa de modernización del programa con la apuesta por incluir también azafatos, dándole un toque de “innovación”. Hasta que en la nochevieja de 1996 se despidió con tristeza de su “queridísimo telecupón”, dejando así a su suerte al entonces más veterano programa de la cadena. Ya no habría más Hugo ni más “aquí Carmen”. El espacio se trasladó a Antena 3, que optó por institucionalizar el formato y pasó el testigo a Belinda Washington que, a su vez, pasó el testigo a las azafatas que, a su vez, se vieron confinadas a aparecer dentro del tiempo de informativos.

Y así hasta que Cuatro lo esquematizó aún más al dar, al parecer, con la tecnología que hacía posible prescindir de la mano que extraía la bolita y optar por una voz en off en lugar de contratar un presentador. Pero la cosa no acaba aquí: en 2009 pasó por CNN+ y comenzó el 2011 en La Siete hasta acabar finalmente sus días confinado a la emisión online.

… y con cabida para todo

Pese a haber dado tantos tumbos, ‘El Telecupón’ siempre será de Carmen Sevilla. Fue la época dorada del programa, aderezada por los despistes de la artista (mítica la imagen presentando en pantuflas), sus batallitas y la naturalidad con la que llevaba el espacio, como si estuviera en su casa. Sólo durante su estancia en Telecinco el programa tuvo la suficiente libertad para convertirse en un formato contenedor que casi hacía las veces de minimagazine: música, concursos y entrevistas (Carmen Sevilla lo hacía con ella misma todo el tiempo). El panel de premios con los signos del zodíaco (nunca entendí muy bien por qué esto y no números) era una fuente inagotable de momentos “simpáticos”.

Pero sin duda, por lo que muchos lo recordaréis con esa mezcolanza de cariño y vergüenza ajena es por el videojuego de Hugo. Como decía su canción, Hugo era la estrella del programa. En términos de animación y gráficos era bastante básico comparado con las maravillas que se consiguen ahora pero siendo principios de los 90 (hablamos de cuando Internet estaba en pañales) daba el pego como tecnología avanzada, especialmente por el hecho de manejarse a distancia, con los botones del teléfono. Tenía tres niveles y Hugo llegaba incluso a pilotar un avión para llegar al castillo de la bruja y liberar a su mujer-troll, Hugolina.

Lo gracioso del tema es que en aquella época aún había casas en los que los terminales eran de dial, para desesperación de los concursantes que veían cómo Hugo se iba ir por el barranquillo mientras la rueda del teléfono aún no había terminado de dar la vuelta. También era muy graciosa la cara de agobio —eso me parecía a mi, aunque la animación no daba tanto de sí— de Hugo cuando se giraba, como consciente de su aciago destino.

‘Hugolandia’: el spin-off

Por si había alguna duda de que Hugo terminó robando el protagonismo de Carmen Sevilla, el troll contó con su propio espacio en la cadena, ‘Hugolandia’, aunque reinventado para adaptarlo al público infanti-juvenil de ‘La Tele es tuya, colega’ primero y ‘Telebuten’ después. Los encargados de conducir este spin-off fueron Beatriz Rico y Luis Alberto Sánchez. Entonces también cambió la mecánica de participación: como los niños no iban a mandar cupones no premiados por correo, se ofrecía a los colegios la posibilidad de que sus alumnos acudieran como concursantes.

El éxito de Hugo le llevaría en el futuro a dar el salto a consolas, con su versión para Play Station y Game Boy y, más recientemente, como App para smartphones rebautizado como ‘Hugo Troll Race’. Aunque según los críticos y expertos del sector, el éxito no fue tanto y el atractivo del videojuego es más que cuestionable. Pero en cualquier caso, Hugo es ya historia de la televisión.

Ficha Técnica: El Telecupón

Título Original: El Telecupón

Género: Concurso

Cadena: Telecinco, Antena 3, Cuatro, CNN+ y La Siete

Disponibilidad DVD No

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Los barceloneses que ya tengan una edad entienden la importancia de los Juegos Olímpicos del 92. Consolidaron la ciudad en el mapa internacional y provocaron cambios en la geografía municipal, como ese barrio llamado Vil·la Olímpica. Allí fue donde se mudaron Rosa y Antonio Aiguadé cuando ganaron la lotería pero su reubicación no implicaría que pudiesen olvidarse de su antigua zona, el ‘Poblenou’. Con esta simple excusa nacería la primera telenovela catalana que luego sentaría precedente y que en el resto del Estado se bautizaría como ‘Los mejores años’.

Sus emisiones comenzaron en enero de 1994 y fue la primera serie original del canal TV3, que hasta entonces se había conformado con emitir series extranjeras dobladas (‘Dallas’ era la más mítica entre su público). Pero la serie rápidamente fue un fenómeno en Cataluña siguiendo un esquema muy tradicional y que hemos visto mil veces después. Era la historia de los miembros de una comunidad, en este caso de un barrio barcelonés, y su centro era el supermercado que regentaban los Ayguadé.

Este modelo costumbrista atrapó al público catalán hasta el punto que el consumo televisivo en la sobremesa aumentó. De hecho, el final de temporada reunió cerca de un millón y medio de espectadores. Pero este éxito no se trasladó a Antena 3 cuando se estrenó antes del telediario, por más que tuvieran muchas esperanzas depositadas en ella, y acabó emitiéndose en las mañanas.

En Cataluña, sin embargo, tenía sentido que desbordara entusiasmo. Una serie en catalán, ambientada en Barcelona y escrita por un catalán nacido en la ciudad, Josep Maria Benet i Jornet. Era el nacimiento de la ficción catalana, que desde luego no cesó, y esto se notó en los procesos de cásting. La mayoría de sus implicados había hecho carrera encima de los escenarios y en los estudios de doblaje como su protagonista, Margarida Minguillón. Pero también sirvió de cantera de jóvenes talentos como Cristina Brondo, Joel Joan, Irene Montalá y Quim Gutiérrez, que tan sólo era un niño cuando se convirtió en el hijo de Cataluña, al que veríamos crecer.

La escuela de la sobremesa

Este modelo de ficción se convertiría en un referente para TV3 y desde entonces no ha querido perder el hueco de la sobremesa, reservándolo siempre a las series autóctonas. A ‘Poblenou’ le seguiría ‘Secrets de Família’, que se ambientaba en Girona; después se mudaría al Penedès con la icónica y retorcida ‘Nissaga de Poder’, que era un melodrama incestuoso con dos protagonistas inmorales; pasarían a Sabadell con ‘Laberint d’ombres’ para contar una historia de amor de clases y con ese psicópata llamado Salvador Borés; volverían a Barcelona pasándose al barrio de Sants, con ‘El Cor de la Ciutat’, que duraría 1906 episodios; y actualmente se emite ‘La Riera’, que explora el mundo gastronómico a partir de un restaurante de un pueblo costero.

Todas ellas, en mayor o menor medida, también adoptarían el esquema de tratar problemáticas sociales, sobre todo ‘El Cor de la Ciutat’, que hablaría de racismo o transexualidad cuando casi ni éramos conscientes de su existencia. Pero con el tiempo en TV3 aprenderían que lo más práctico es no poner fecha de caducidad a los culebrones, que mejor que duren un tiempo. Claro que de no ser así probablemente los catalanes todavía estaríamos viendo ‘Poblenou’.

Este éxito, además, también se traduciría en forma de spinoff. Se trató de ‘Rosa’, que se despidió del barrio al final de la serie, y que se trasladaría al primetime de la cadena. Puede que no tuviera el mismo éxito, al fin y al cabo ni tan siquiera era el mismo formato, pero consolidó a Margarida Minguillón como una de las caras más conocidas de la televisión catalana. Quien le hubiera dicho que, cuando por fin dejó atrás el personaje, le ofrecerían otra vez un papel protagonista en la sobremesa de TV3. Y siento mencionar ‘El Cor de la Ciutat’ otra vez pero es que como catalán me tiene absolutamente marcado.

Ficha Técnica: ‘Los mejores años’

Título Original: ‘Poblenou’

Género: Culebrón

Cadena original: TV3 (1994)

Cadena en España: Antena 3

Disponibilidad : Si

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Seguro que todos habéis participado en una de esas acaloradas conversaciones que empiezan con un “en una pelea, ¿quién crees que ganaría?”. Eric Fogel pensó que era una estupenda idea convertir esas discusiones de bar en una serie de televisión, y así nació ‘Celebrity Deathmatch’. Me he inventado la anécdota, pero es completamente verosímil que así fuese. Y es que ¿a quién no le parecería divertidísimo ver a Madonna peleándose con Michael Jackson?

‘Celebrity Deathmatch’ se estrenó en MTV en 1998, y aguantaría en la cadena durante cinco años y 75 episodios de 20 minutos de duración. La serie estaba hecha en claymation (animación stop-motion con plastilina), por lo que no extraña que se hiciesen tan pocas entregas en tanto tiempo a pesar de ser episodios de 20 minutos, ya que la producción de cada uno de ellos debía llevar un tiempo más que considerable; sobre todo cuando tenemos en cuenta el contenido de la serie, que no es como si haces unos cuantos moldes y con eso puedes tirar para toda la temporada.

En 2005, tres años después de que MTV la cancelase, MTV2 anunció que ‘Celebrity Deathmatch’ volvería como parte de su bloque de programación ‘Sic ‘Em Friday’ (que también incluía episodios de ‘Beavis y Butthead’). El estreno se retrasó hasta verano de 2006 pero su primer episodio se convirtió en el más visto de la historia de la cadena hasta el momento. En España, fue también MTV la que ofrecía estas batallas sangrientas entre celebridades; además, tengo algún vago recuerdo de que se emitiese en abierto –de hecho, algunas televisiones autonómicas lo hicieron y tuvieron polémica por ello- pero no acabo de encajar cuál de ellas.

Sangre y mala leche

El concepto era muy sólido. Celebridades dándose de leches en una mezcla explosiva de cultura pop, sátira sin remilgos y violencia caricaturizada. Porque sí, ‘Celebrity Deathmatch’ era una brutalidad; no se me ocurre otra forma de definirla. No se cortaba lo más mínimo en dejar a los dos contrincantes hechos un cristo aprovechando que el aspecto exagerado que le daba la animación lo alejaba de lo grotesco.

Las estrellas desmembradas que seguían en su empeño de ganar la pelea a pesar de faltarles partes esenciales de su cuerpo como los intestinos era solo una parte de la diversión. Personalmente disfrutaba más de todo lo que rodeaba al combate. Primero, de cómo estaban representadas las celebridades con las figuras; cómo se ridiculizaban ciertos aspectos remarcables de su físico. Pero también cómo se aprovechaban los aspectos personales, la profesión, los rumores y los conocimientos generales acerca de su figura para burlarse de ellos y hacer sátira a través de su forma de pelear o de encararse al rival.

Por supuesto, las peleas no eran lo mismo sin Johnny Gomez y Nick Diamond, los comentaristas que le daban color a la jugada, lanzando sus pullas crueles y observaciones jocosas a lo que ocurría en el ring a la vez que tenían entre ellos sus propias pesquisas. Nick Diamond incluso participó en alguno de los combates. Acabemos la pizquita de nostalgia de esta semana con unos cuantos vídeos; no dejéis de aprovechar los comentarios para recordar vuestros favoritos. Por cierto, si os ha entrado la nostalgia y queréis revivirlo, a parte de los vídeos tenéis disponible el videojuego.

Algunos combates para el recuerdo

Ficha Técnica: Celebrity Deathmatch

Título Original: Celebrity Deathmatch

Género: Animación/comedia

Cadena: MTV y MTV2

Disponibilidad DVD Si

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A veces, los spin-off no surgen directamente de la extracción de un personaje de mucho éxito en una serie para darle la suya propia. A veces, son más un asunto de concepto, de formar parte de un mismo universo que otra cosa, que es el caso de ‘Nido vacío’, una sitcom de finales de los 80 que creó Susan Harris, responsable de ‘Las chicas de oro’, más que a partir de algún personaje que apareciera en esa exitosa comedia, utilizando una idea expresada de pasada en uno de sus capítulos.

‘Nido vacío’ tenía como protagonista al doctor Harry Weston, un pediatra viudo cuyas dos hijas adultas vuelven a Miami a vivir tras con él, mientras la tercera está fuera, en la universidad. La mayor es una divorciada algo neurótica y la mediana es policía, trabajando habitualmente de incógnito, y el otro personaje habitual es un vecino, que trabaja como tripulante de cruceros y que es un ligón que siempre está dejándose caer por la casa de Harry. También tiene cierta importancia el hospital donde él trabaja y las enfermeras que trabajan allí, especialmente la que lo asiste más a menudo.

Un spin-off “falso”

Como decíamos antes, ‘Nido vacío’ era un spin-off de ‘Las chicas de oro’ que no era exactamente así porque su origen estaba más en un concepto, pero lo cierto es que sí se intentó hacer un spin-off al modo tradicional al centrar el final de la segunda temporada de ‘Las chicas de oro’ exclusivamente en un matrimonio vecino de Blanche, Dorothy y las demás, cuyos hijos se iban de casa y que sufrían del síndrome del nido vacío. En aquel intento de backdoor pilot se presentaban a todos los personajes de esa hipotética nueva serie, pero la NBC no decidió quedarse con esa encarnación de ‘Nido vacío’, y la versión que se vio finalmente en 1988 había sufrido muchos cambios.

Se mantuvo, sin embargo, que el doctor Weston fuera vecino de las chicas, y tanto Blanche como Rose y, especialmente, Sofia, se pasaban de vez en cuando por la serie. Estelle Getty llegó a participar mucho más activamente, como personaje regularm, en las últimas temporadas. Porque ‘Nido vacío’ fue un gran éxito para la cadena, que la emitía los sábados en una época en la que esa noche todavía significaba algo para los canales, antes de que decidieran darla por perdida y la dedicaran a repeticiones de otros programas emitidos durante la semana. De hecho, ‘Nido vacío’ llegó a tener su propio spin-off, ‘Nurses’, que durante tres temporadas se centró en las enfermeras donde trabajab el doctor Weston.

Un gran éxito

‘Nido vacío’ fue una de las comedias más populares de la NBC entre finales de los 80 y mediados de los 90. Su humor intentaba ser menos familiar, especialmente con el vecino ligón y la relación de amor-odio que tenía con una de las hijas, y llegó a estar entre las diez series más vistas de Estados Unidos en sus tres primeras temporadas, de las siete que tuvo finalmente. Hubo cambios en ellas, sobre todo cuando Harry pasó de trabajar en el hospital a hacerlo en una clínica de un barrio deprimido de Miami, y en sus dos últimas entregas, como ya hemos dicho, Sofia Petrillo se integró en la serie después de la cancelación de ‘The Golden Palace’, el intento de continuación de ‘Las chicas de oro’ sin Bea Arthur.

El centro de la comedia era el doctor Weston y sus intentos de llevarse bien con unas hijas que volvían a casa tras haber estado fuera, llevando vidas independientes, durante mucho tiempo. Es un ejemplo de aquellas sitcoms que llenaban las parrillas de las cadenas estadounidenses en los 80, que eran siempre sus series más exitosas y las que llegaban a un público más amplio, y también las que se veían más en España, por ejemplo, pues ‘Nido vacío’ fue emitida por TVE con bastante buena acogida entre el público, también. Sin embargo, muchas de esas comedias no han resistido el paso del tiempo y la memoria de los espectadores. ‘Nido vacío’ no es un clásico del género, pero funcionaba perfectamente. Eso sí, su protagonista, Richard Mulligan, sí logró el Emmy y el Globo de Oro a mejor actor de comedia en 1989.

Ficha Técnica: Nido vacío

Título Original: Empty nest

Género: Sitcom

Cadena: NBC (1988-95)

Emitida en España: TVE

Disponibilidad DVD Inédita

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

Un domingo por la mañana más, os traemos la sección con más morriña de todo ¡Vaya Tele!. Ya sabéis que en los Nostalgia TV nos gusta recordar esas series y programas con los que crecimos, que formaron nuestra identidad como espectadores e, irremediablemente, nos marcaron para siempre. Esta semana, nos fijaremos en una serie de dibujos de que ésas que nos zampábamos junto a un bocata de chorizo y un refresco de los grandes, aventuras animadas, Disney mediante.

La vida en Patolandia

‘Patoaventuras’ es una serie de dibujos animados producida por The Walt Disney Company que se emitió entre los años 1987 y 1990. Carl Barks fue el creador original de la historieta que inspiraría esta serie. ‘Patoaventuras’ marcó un antes y un después para Disney, pues inició un camino en la forma de trabajar para televisión y fue el modelo a seguir para otras series de la época como ‘Los aventureros del aire’ o ‘Chip y Chop, rescatadores’. Fue una apuesta arriesgada porque nunca se trabajaba con presupuestos tan elevados para televisión, pero mereció la pena.

El argumento nos traía la vida del tío Gilito como hombre más rico en la ciudad de Patolandia. Pero, por supuesto, el tío Gilito nunca tenía suficiente oro y tenía que ir en busca de tesoros que hicieran crecer más aún su fortuna y esa piscina llena de monedas que salía en los créditos y que a mí me dejaba con la boca abierta. Para ayudarle a conseguir los tesoros, el tío Gilito contaba con la ayuda de sus tres simpáticos sobrinos: Jorgito, Juanito y Jaimito y con la del piloto más patoso pero valiente de Patolandia: Joe McQuarck.

Aventureros en busca el tesoro

La serie era un clásico de aventuras autoconclusivas en las que los personajes se ven envueltos en una situación que parece irresoluble para acabar salvándose casi en el último instante de manera improbable o incluso milagrosa. Bueno, es que lo que nos gustaba de ‘Patoaventuras’ no era su lógica, sino los lugares que visitaban los personajes o las legendarias historias que encerraban los tesoros, lo diferentes que podían ser los episodios y las historias rápidas, trepidantes y llenas de emoción.

Una de las claves del éxito fue precisamente el escoger un grupo de aventureros tan particular y heterodoxo. El tío Gilito es básicamente un antihéroe. Un hombre tacaño, avaricioso, egoísta… pero que encerraba otro tipo de encantos, como el amor a su familia. Nos divertíamos con sus borderías y nos reíamos cuando perdía todo su dinero y debía empezar de nuevo. Resultaba un malo de ésos tan entrañable que ya sólo puede ser bueno.

A su lado, viajaban los tres sobrinitos, los niños, llenos de inocencia, buenas intenciones y cierto grado de afán de aventuras salpicado de sus ganas de ayudar a los habitantes de cada lugar. En muchas de sus aventuras les acompañaba Webby Vanderquack, una niña que suponía el complemento dulce. Los niños, como suelen pasar en todas estas series, eran los personajes más inteligentes.

Después estaba el piloto, ese pelícano de buen corazón que siempre estrellaba los aviones. Era la fuerza bruta del grupo, la velocidad, la agilidad… un contrapunto imprescindible para que los planes llenos de acción salgan bien. Las personalidades de estos personajes tan dispares, hacían que las historias, de por sí, tuvieran siempre diálogos divertidos.

Después había otros personajes que hacían de la sociedad de Patolandia un grupo con mucho que ofrecer a una buena serie de dibujos animados: la bondadosa y maternal Señora Beakley, quien era la niñera de los chicos y abuela de Webby; Patista, el estereotipo audiovisual del mayordomo hecho pato; el científico “loco” que, en los diferentes países se ha llamado Giro Sintornillos, Ungenio Tarconi o Ciro Peraloca; un tropel de malvados que buscaban la fortuna del tío Gilito a toda costa: Flintheart Glomgold, los Golfos Apandadores y su madre, John Roquepato…

Los universos que crea Disney

Como buena empresa que genera contenidos y necesita reformarse pero también retroalimentarse y construir un universo, Disney echó mano en ‘Patoaventuras’ de una arsenal de personajes a los que ya habíamos podido ver en otras series, películas, historietas… Los Golfos Apandadores son unos grandes protagonistas a los que hemos visto fracasar miles de veces, incluso se permitió excluir de esta serie la presencia del rey de los patos Disney: el Pato Donald, quien sólo aparece en algunos episodios.

En esta serie, Disney encumbró para siempre la figura del tío Gilito que, como sabéis, no es otra cosa que la representación en pato del famoso personaje de ‘Cuento de Navidad’ de Dickens, un Señor Scrooge con pico y plumas (y una piscina de oro). El personaje de Dickens saltó a esta forma animada, por primera vez, en 1947, en la historia ‘Christmas on bear mountain’ y fue el origen de lo que se conoce como el clan McPato. Su personalidad favorecía que pudiese protagonizar muchas historias como “ese gruñón que, en el fondo, tiene buen corazón” y supieron sacarle partido.

Ficha Técnica: ‘Patoaventuras’

Título Original: ‘Ducktales’

Género: Animación

Cadena original: Disney Channel (1987-1990)

Cadena en España: TVE

Disponibilidad : Si

En ¡Vaya Tele! | Nostalgia TV

Domingo, en mi caso soleado, con olor a pólvora y banda sonora de masclets. Pero sea como sea el vuestro, hay algo que seguro tenemos en común: los domingos da pereza todo lo que suene a actividad. Es el día ideal para caer en las garras del binomio sofá+tele, ponerse al día con las series o con nuestro blog. Y ya sabéis lo que eso significa: viajar al pasado sintonizando nuestro canal de la nostalgia televisiva.

Lo que más me gusta de Nostalgia TV es descubrir que nuestros recuerdos son selectivos; a veces pasan muchos años hasta que rememoramos algo que vimos y que vuelve a nuestra mente sin razón alguna. Entonces te enfrentas a dos posibles escenarios: te preguntas cómo podías tragarte aquel bodrio pero te acabas reconciliando con él por la carga emocional que conlleva formar parte de tu infancia televisiva, o te reafirmas en las razones por las que aquello (programa, serie, concurso, magazine) te encantaba. A mi esta semana me ha pasado lo segundo. Hasta el punto que la he retomado desde el primer capítulo (como si no tuviera ya suficientes cosas que ver). ¡Y me he vuelto a reir mucho con ella!

Las cosas de ser marciano

Qué manía con traducir así los títulos de las series, como si el doblaje no hiciera ya suficiente destrozo con los juegos de palabras y las referencias que desconocemos, que en series como ‘Cosas de Casa’ o ‘El Príncipe de Bel-Air’ gestionaban recurriendo a una gracia de Chiquito de la Calzada. Así que lo de La tercera roca desde el sol, como referencia al lugar de origen de estos alienígenas, se quedó en ‘Cosas de marcianos’. Y eso que ellos mismos negaban tajantemente ser de Marte cuando la gente se extrañaba de sus rarezas y utilizaban esta frase hecha. Guiño.

Esta podría ser la típica sitcom familiar si no fuera porque, como decía, ellos no son de este mundo; bajo la apariencia humana de los Solomon se esconden unas masas de color púrpura y de origen extraterrestre. Estos aliens, un grupo de exploradores “de élite” que viajan por el universo buscando vida inteligente, han venido a la Tierra para descubrirlo todo sobre nosotros. La visita debía ser rápida: recopilar la máxima información y volver a casa. Pero no tardarán en encariñarse con sus cuerpos y engancharse a las emociones humanas.

La elección de sus cuerpos dará lugar a todo tipo de disfuncionalidades: el alien que ocupa el cuerpo del adolescente Tommy (un jovencísimo Joseph Gordon-Levitt) es paradójicamente mayor que el Comandante y jefe de misión, el Dr. Solomon, el más joven de todos pero encarnado por John Lithgow. Y Sally (Kristen Johnston) es en realidad un militar condecorado al que le ha tocado un cuerpo de mujer que no acaba de entender. Y luego está el genial French Stewart, a quien nunca vimos los ojos en seis temporadas y que no tenía un papel muy definido (en realidad, decían, si estaba con ellos es porque les sobraba un sitio en la misión).

Las cosas de ser humano

Su desconocimiento de todo lo relacionado con los seres humanos les hace parecer extravagantes, “como si fueran de Marte”. Todo es nuevo, hay una primera vez para todo y viven hasta las cosas más simples como si fueran experiencias trascendentales. No sólo no entienden sus cuerpos (Harry tarda en descubrir que los párpados son manuales), tampoco las sensaciones que perciben o las reacciones físicas. Por no hablar de protocolo social. Ante los demás, los Solomon son una familia de lo más estrambótica; especialmente Dick, un histriónico acontecido con la vida, con el amor (se enamora casi desde el principio de su compañera de despacho en la Universidad con quien acabará teniendo una relación) y con la compleja naturaleza humana y nuestras extrañas costumbres.

Para estudiarnos a conciencia deben infiltrarse entre nosotros pero en ningún caso pueden alterar la vida de los terrícolas, aunque inevitablemente acabarán creando vínculos y relaciones. Sus fuentes de información no siempre son muy rigurosas. Dick lee cualquier libro que cae en sus manos, ya sea La Biblia o un ejemplar de ¿Dónde está Wally?. Sally aprende los secretos femeninos leyendo el Vogue y viendo la televisión. Si el mundo real les resulta ininteligible, imaginaos cómo reaccionan ante algunas cosas que ven en la tele. ¿Cómo puede haber una Miss Universo que no tenga su propia fuerza gravitatoria? ¿Si soy mujer por qué no soy igual que todas las que salen en televisión? La mayor parte del tiempo se sienten desconcertados y sus conclusiones sobre nosotros, aunque suelen ser acertadas, les resultan contradictorias.

Si recuerdo esta serie con cariño, y me reafirmo en mis razones, revisionada a día de hoy (con la de series que han pasado por mi vida), es por la frescura de los diálogos y sus brillantes guiones, los divertidos personajes —y la gran interpretación de los actores—, las disparatadas situaciones que provocaban su condición de alienígenas y el retrato del ser humano que dibuja la ficción. Desde E.T. o Alf ningún otro extraterrestre me había caído tan bien.

Ficha Técnica: Cosas de marcianos

Título Original: 3rd Rock from the Sun

Género: Sitcom

Cadena: NBC (1996-2001)

Emmitida en España: Antena 3, Cuatro y TV3

Disponibilidad DVD Serie completa en inglés

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‘Los Soprano’ es esa que marcó la televisión para siempre jamás. Pero si toca hablar de las joyas que salieron de la factoría de HBO, hay una que afectó la cultura popular más que ninguna otra. Se trata de ‘Sexo en Nueva York’, esa serie femenina que algunos se comportan como si jamás hubiera pertenecido al canal cuando precisamente tuvo un papel fundamental a la hora de conseguir el estatus que tiene. El cóctel cosmopolitan y los zapatos de Manolo Blahnik pasaron a otro nivel después de la emisión de esta serie, y también el hablar de sexo en televisión sin pelos en la lengua.

Estas distendidas conversaciones sobre preliminares, coitos y orgasmos las protagonizaban cuatro mujeres que siempre más serían recordados como cuatro estilos de mujer. Miranda era la mujer trabajadora y muy pragmática, tanto en su oficio de abogada como en sus relaciones sentimentales. Charlotte era una romántica empedernida y una conservadora, que quería su boda de cuento de hadas pero antes quería ver la cartera y los valores de su compañero de cama. Samantha era la mujer sexualmente liberada (por no decir una libertaria) que disfrutaba de los hombres como quien es aficionado a los helados en verano, sin vínculos emocionales de por medio. Y finalmente Carrie Bradshaw era un término medio, una soltera que quería encaminar su vida pero sufría para encontrar a su media naranja.

La serie fue creada por Darren Star, que hasta ese momento era popular en la industria por haber creado ‘Melrose Place’ y ‘Sensación de vivir’, y su formato era novedoso. Los capítulos se permitían el lujo de durar entre veinte y treinta minutos (¡qué suerte tenía de emitirse sin publicidad en su canal de origen!) y podían prescindir enmarcarse dentro del género de las sitcoms. No había la necesidad de construir escenas cómicas en cada escena, era una comedia más sofisticada. Y, como pertenecía al cable de pago, podía abordar el sexo sin tabúes y sin eufemismos. ¿Si se pasaban de la raya? Pues alguna de las protagonistas ya expresaba nuestros prejuicios, probablemente Charlotte en un arranque de puritanismo o Miranda y su discurso feminista. Aquí va una escena que ejemplifica a la perfección los caracteres de las chicas y el tono de la serie:

Esta discusión de sexo anal que tenía lugar en el cuarto episodio de la serie (‘Valley of the Twenty-Somethings’) muestra a la perfección la obsesión de Miranda por mantener el poder femenino, el papel de Carrie como chica normal, la mirada inocente de Charlotte y la mentalidad exageradamente abierta de Samantha (“Un agujero es un agujero”). Vamos, que era una serie de televisión que supo muy bien quien era desde el principio y si nos remontamos directamente al primer episodio queda todavía más claro.

Comenzaba con un monólogo sobre una chica que se mudaba a Nueva York, conocía al hombre de su vida… y un buen día dejaba de recibir noticias de él. Así daba la bienvenida al espectador al Manhattan que Star tenía en mente, una jungla donde era arriesgado y prácticamente imposible encontrar un hombre decente y estimulante, pero donde había que estar siempre espléndida para salir por la calle.

Carrie y el hombre de su vida.

Los zapatos y los cócteles

Pero a lo largo de sus seis temporadas ‘Sexo en Nueva York’ también demostró ser algo más que una serie sobre sexo. Que conste que lo era y era muy buena con esos diálogos: era una comedia que funcionaba a la perfección. Pero también demostró ser una serie sobre las relaciones humanas. Cualquier persona (sobre todo cualquier mujer) puede sentirse más o menos identificado con alguna de las relaciones que hay, sobre todo cuando se trata de cuestiones de química y de compatibilidad sexual y de compromiso. Así mezclaba muy bien las relaciones humanas con anécdotas sexuales que podían llegar a ser muy absurdas (John Slattery, el político que quería que Carrie se le mease en la cara y ella le propuso ponerle bolsitas de te porque le gustaba).

Poco a poco también hizo un retrato muy bonito sobre la amistad. En cierto modo se convirtió hasta un happy place por la complicidad que despertaban esas cuatro actrices (a pesar de que Sarah Jessica Parker y Kim Cattrall se odiaban), por como se complementaban y como transmitían que para ser amigas no es necesario ser iguales, que las diferencias nutren las relaciones. En este campo sí resultó muy verosímil, como también fue muy natural la relación de Carrie y el amor de su vida, Big, que demostraba que la magia surge de forma espontánea, que no es una fórmula. Cuando ellos dos estaban solos, solo ellos dos entendían ese universo. Los últimos minutos de ‘Sexo en Nueva York’, por ejemplo, son un cierre muy digno y perfecto para nostálgicos.

Su éxito, las películas y el legado

Hay que recordar ‘Sexo en Nueva York’ por todo esto, por la maravillosa serie que fue cuando estaba en antena. Lo digo porque también los hay que intentan desacreditarla por las horrendas películas que vieron la luz en cines (y que funcionaron muy bien) y que no eran tan mordaces e inteligentes, convirtiéndose en gags escatológicos y tramas flojas sin ritmo. Pero la serie, lo que hay que juzgar a la hora de analizarla como producto televisivo y su importancia dentro de la historia televisiva, fue brillante y contribuyó a destruir ciertos tabúes de la televisión.

Al fin y al cabo, un fenómeno masivo como ‘Mujeres Desesperadas’ no podría existir sin ‘Sexo en Nueva York’, que permitió que no escandalizase en EE.UU. la deriva de Bree y Rex Van de Kamp, las esposas que tenían en casa y cierta anécdota sobre los orgasmos del marido. Y, en mayor o menor medida, muchas de las series actuales son herederas, sobre todo si se atreven a hablar con naturalidad del sexo. Gracias, chicas.

Ficha Técnica: ‘Sexo en Nueva York’

Título Original: ‘Sex and the City’

Género: Comedia

Cadena: HBO (1998-2004)

Emmitida en España: Canal +, Antena 3 y Divinity

Disponibilidad DVD Serie completa

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Sabemos que nos hacemos mayores porque hace tanto que vimos las series de finales de los noventa que ya pueden empezar a verse en nuestra sección nostálgico-televisiva. Que alguien pare esto.

‘Tres para todo’ se estrenó originalmente en ABC y emitió sus cuatro temporadas entre 1998 y 2001. Ha sido a raíz de escribir este artículo que he descubierto que había 80 episodios de esta serie; es curioso cómo internet y la globalización ha cambiado la forma de ver las series. En su momento nunca vi el primer episodio de esta sitcom ni me preocupaba demasiado qué temporada era o cuántos episodios tenían por emitir; simplemente me sentaba a verla por las mañanas en FOX cuando la emitían en estreno junto a ‘Dharma y Greg’, que habrá que apuntarse para futuras ediciones de esta sección.

‘Two Guys, a Girl and a Pizza Place’ es el título original de esta comedia protagonizada por Traylor Howard (‘Monk’), Richard Ruccolo (‘Legit’) y Ryan Reynolds en uno de sus primeros trabajos; después dejarían el “pizza place” por el camino tanto en el título como en la trama. Durante la segunda temporada se unieron dos personajes recurrentes interpretados por Suzanne Cryer y Nathan Fillion y es por esto que durante mucho tiempo yo asocié a Reynolds y Fillion a esta sitcom y me daban por loca.

Danny Jacobson y Kenny Schwartz (‘American Dad’, ‘Guys With Kids’) son ya unos veteranos en el género y aquel entonces arrancaron la producción de ‘Tres para todo’ después de haber sido los showrunners de títulos como ‘Loco por ti’ y ‘Roseanne’. En este caso, la historia se alejaba del ámbito familiar y entraba en el terreno de los veinteañeros que buscan qué hacer con su vida y sus relaciones. Berge y Pete eran dos amigos y compañeros de piso que trabajaban en una pizzería, el lugar común principal que después desapareció del todo, y eran amigos de Sharon, la chica que vivía en el apartamento encima del suyo.

Como todas las comedias de treintañeros, al final todo giraba en torno al paso hacia la madurez y el encontrar el lugar en la vida. Al empezar la serie, los tres protagonistas están acabando la universidad y han de enfrentarse a la idea del mundo laboral. Cada uno tenía una visión distinta de la vida que se complementaba, desde la soñadora hasta el ligón inmaduro (Reynolds, por supuesto) hasta la meticulosa pero soñadora Sharon. Recuerdo que brillaba –como suele ser en las sitcom- en los episodios temáticos tipo Halloween o Acción de Gracias, lo que aliviaba la espera de la nueva temporada de ‘Friends’ que tocase, una comparación inevitable cuando hablamos de veinteañeros a finales de los noventa.

Después de algunos cambios de programación (la pasaron al viernes para después probar en los miércoles durante unas semanas) acabó hundida en audiencias y ABC la canceló. El último episodio de una hora se titula The Internet Show y proponía la participación online del público, que votaba cual sería el final de la serie. Se grabaron varios finales posibles de la serie acorde con los resultados de la votación sobre qué personaje femenino protagonizaría un giro, muy parecido al que hubo en esa misma temporada de ‘Friends’, el final cliffhangero de la séptima temporada de ‘Friends’. La idea es que esa trama se continuase en la quinta temporada, pero nunca ocurrió.

‘Tres para todo’ era una de esas comedias simpáticas y fáciles de ver que no está en el imaginario de muchos con motivo, pero era agradable y consiguió ir creciendo para tener sus propias referencias e universo propios; además, siempre formará parte de la alineación inicial de ficción del Canal Fox, que abrió su programación en Canal Satélite Digital en verano de 2001 con seres como ‘Los Simpson’, ‘Expediente X’ o ‘Cinco en Familia’, pero fueron títulos como ‘Dharma y Greg’, ‘Padre de Familia’ y la propia ‘Tres para todo ‘ las que entraban como novedades y con la opción de versión original.

Ficha Técnica: ‘Tres para Todo’

Título Original: ‘Two Guys and a Girl and a Pizza Place’

Género: Comedia

Cadena: ABC (1998-2001)

Emmitida en España: Fox España

Disponibilidad DVD Serie completa

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Es probable que bastantes recordéis ‘Grand Prix’, aquel concurso de TVE en el que varios pueblos españoles se enfrentaban en diversas pruebas, que iban desde evitar que una vaquilla diera un testarazo a los concursantes a lanzar una bola gigante, con los ojos cerrados, contra varios participantes disfrazados de bolos. Sí, a veces parecían inspiradas directamente por la mente retorcida de Takeshi Kitano en ‘Humor amarillo’. Pues antes de ese programa, existía uno muy similar a nivel europeo, ‘Juegos sin fronteras’, o como se llamaba en su título original en francés, ‘Jeux sans frontières’.

Si sois seguidores de ‘The Americans’, seguramente recordaréis tambien ‘Games without frontiers’, la canción de Peter Gabriel que cerró la primera temporada y que satirizaba la Guerra Fría a través precisamente de este concurso. De hecho, la versión británica del programa se tituló ‘It’s a knockout’, que es uno de los versos del tema de Gabriel. Pero volvamos a lo que nos interesa, veamos qué era eso de ‘Juegos sin fronteras’.

El concurso

Este programa nació como parte de las actividades de la UER, la Unión Europea de Radiofusión, organización creada en 1950 por, originalmente, 23 televisiones públicas de Europa occidental y del Mediterráneo, y cuyo fin entonces era de asistencia técnica en una época en la que la televisión acababa de nacer en bastantes países, y se enfrentaba a nuevos retos técnicos. La UER pronto empezó también a organizar diversas competiciones televisadas entre sus países miembros, como Eurovisión, que se celebró por primera vez en Suiza, en 1956, así que era una buena idea que fuera ella la encargada de montar ese ‘Juegos sin fronteras’ que, en un principio, fue una idea del presidente francés, Charles De Gaulle, que quería fomentar las relaciones entre Francia y Alemania después de la Segunda Guerra Mundial con un concurso que efrentara a sus jóvenes en pruebas sencillas y divertidas.

‘Juegos sin fronteras’ empezó a emitirse en 1965 (aunque bajo el nombre de ‘Juegos entre naciones’), y sus primeros concursantes provenían de Francia, Italia, Alemania y Bélgica. En cada edición, la competición se celebraba en un país diferente, y eran los presentadores de su televisión los que conducían el programa. Las pruebas implicaban casi siempre que los concursantes llevaran unos trajes ridículos que dificultaban que pudieran realizar la tarea de cada prueba, pero a cambio ofrecía la posibilidad de que surgieran momentos graciosos a costa de caídas, tropezones y demás cosas. Las naciones que competían en cada programa iban variando, y se llegaron a hacer pruebas temáticas sobre algún aspecto del país anfitrión. Los participantes de cada estado, además, solían proceder todos de la misma localidad.

La participación de TVE

‘Juegos sin fronteras’ estuvo en antena en dos etapas, entre 1965 y 1982 y entre 1988 y 1999, y en esta segunda etapa es en la que participó TVE. Lo hizo en cuatro años (1988 y entre 1990 y 1992), y sólo ganó una vez, en 1990. Como decíamos, la dinámica del concurso era bastante sencilla. Se celebraban diferentes pruebas en las que los concursantes competían entre sí, y se iban sumando puntos según el orden en el que los concursantes terminaran cada prueba. Al final, el país que tenía más puntos era el que se llevaba la victoria. En TVE era un programa ligero de verano, similar a lo que después sería ‘Grand Prix’ con los pueblos españoles, pero tampoco fue nunca un gran éxito en España.

Curiosamente, la UER intentó resucitar el formato en 2007, con Bélgica, Croacia, España, Grecia, Holanda, Portugal, Eslovenia e Italia como participantes, pero la llegada de la crisis económica dio al traste con los planes. Además, resulta complicado pensar que un formato como ‘Juegos sin fronteras’ pudiera haber tenido la misma acogida que en los 70 y 80, así que lo único que todavía sobrevive de aquella primera etapa de vida de la UER es el festival de Eurovisión.

Ficha Técnica: ‘Juegos sin fronteras’

Título Original: ‘Jeux sans frontières’

Género: Concurso

Cadena: Varias cadenas (1965-1999)

Emitida en España: TVE

Disponibilidad DVD Inédita

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Como cada domingo, es un auténtico placer poder hablar de las series y programas que marcaron época. Nos gusta traer a la memoria esas ficciones que guardamos en un rincón de nuestro corazón como auténticos tesoros y poder sacarlas a la luz para comentar con vosotros porqué todavía hoy las seguimos recordando. La serie que os traemos hoy es una auténtica delicia, un hito que enganchó a miles de seguidores: ‘Kung fu’.

El nacimiento de una leyenda

Ed Spielman (’Jóvenes jinetes‘, ‘Dead Man’s Gun’) es un productor y escritor estadounidense muy vinculado a la cultura oriental. Desde hacía un tiempo quería volcar sus conocimientos respecto a este mundo en un proyecto audiovisual y, por eso, a pesar de no tener experiencia previa, desarrolló un proyecto, inspirado en las películas de Bruce Lee. Así, escribió un guion que presentó a algunas mayors y que fue rechazado hasta que la cadena ABC le encargó una adaptación del proyecto para una tv-movie.

Por fin, se estrenó en 1972, y la historia gustó tanto que se encargó una serie que continuara con la trama y los personajes. ‘Kung fu’ tuvo un total de tres temporadas y 63 capítulos y se emitió hasta 1975. Curiosamente, en su país, comenzó a decrecer el interés por ella y por eso tuvo tan corto recorrido, pero en otros muchos países, como es el caso de España, la historia del aprendiz de kung fu se convirtió en un icono popular y en un referente cultural sin parangón.

La historia del pequeño saltamontes

‘Kung fu’ nos traía al monje chino shaolín Kwai Chang Caine (un papel al que su actor, David Carradine, estaría ligado de por vida), que viajaba a través del oeste de los Estados Unidos durante la segunda mitad del siglo XIX buscando a su medio hermano después de haber huido de China, donde era un hombre perseguido por haber matado al sobrino del poderoso emperador en venganza por la muerte de su maestro.

Así pues, la serie tenía un curioso tono en el que la mezcla de géneros le otorgó una personalidad única: por un lado, estaba la parte oriental, con las enseñanzas que había recibido Kwai vistas a través de flashbacks y su puesta en práctica en las peleas y combates; y, por otro, había un inconfundible regusto a western, tanto por los espacios que se atravesaban como por las temáticas que se veían en cada capítulo.

Dentro de esa búsqueda que suponía la trama horizontal, se insertaban tramas episódicas que siempre tenían que ver con un malvado fanfarrón y de pocas luces al que Kwai acababa venciendo poniendo en práctica su sabiduría oriental. Kwai siempre rehuía la violencia y procuraba no usar nunca sus técnicas de kung fu, esto provocaba que fuera víctima de burlas y persecuciones hasta que, al final del capítulo, demostraba su valía y derrotaba al antagonista.

Filosofía oriental

Uno de los puntos fuertes de la serie, culpable de gran parte de su éxito, fue el dar a conocer disciplinas filosóficas orientales como el taoísmo. Tengamos en cuenta que, en esa época, en nuestro país casi no se conocían las doctrinas de este tipo. Por eso, todo lo que el pequeño saltamontes aprendía de su maestro, el dominio para controlar la ira y rehuir la violencia, fue un auténtico filón para muchos espectadores, que estaban acostumbrados a que el héroe de turno se liara a mamporrazos a la primera de cambio.

El personaje de Kwai Chang Caine era el reflejo del espectador, un hombre abocado a vivir cada día una aventura diferente e inesperada. Era un individuo tranquilo y misterioso, y por eso cobraban tanta importancia los flashbacks del monasterio budista en el que Kwai se había educado y en el que su maestro, Po, le había enseñado cómo conducirse en la vida.

Como curiosidad, vale la pena contar que el protagonista de ‘Kung fu’, David Carradine, al comenzar la serie, no tenía ni idea acerca de las artes marciales, pero durante la grabación de la primera temporada comenzó a interesarse por su práctica y acabó defendiéndose lo suficiente con ellas como para que las secuencias de pelea tuvieran un buen nivel. Después, continuaría con esta afición durante el resto de su vida.

‘Kung fu’ es una serie de culto para muchos y ha habido muchos proyectos que han tratado de resucitar su espíritu. En 1987, se grabó un piloto llamado ‘Kung Fu. The Next Generation’, protagonizado por el ya fallecido Brandon Lee; esta serie no llegó a buen puerto. En 1993, también pudimos ver ‘Kung fu: la leyenda continúa’, ambientada en época actual, el propio Carradine interpretaba al nieto de Kwai Chang y tenía un hijo policía al que ayudaba a resolver crímenes.

Ficha Técnica: ‘Kung fu’

Título Original: ‘Kung fu’

Género: Acción

Cadena original: ABC (1972-1975)

Cadena en España: TVE

Disponibilidad : Si

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Hoy voy a tener que exigirle un esfuerzo extra a mi memoria. El expolio de vídeos que ha perpetrado Mediaset en YouTube —además de que encontrar alguna foto es casi como buscar el arca perdida— hace muy complicado hablar de aquellos maravillosos años de los inicios de Telecinco. Una década —la de los 90— en la que la televisión privada hacía de su capa un sayo y jugaba con la ventaja de la novedad. Así, se permitieron cosas como Manolo Escobar presentando un programa de fútbol y folklore (‘Goles son amores’), Jesús Gil hablando (¿de qué hablaba?) desde su jacuzzi, rodeado de azafatas en ‘Las noches de tal y tal’ o que Leticia Sabater se convirtiera en la ídola de una muchachada estupefacta.

Todo un catálogo de bizarradas que guardaban mucha coherencia entre ellas: ese toque picarón de Lazarov en sus primeros tiempos, tan a imagen y semejanza de la televisión italiana. La edición de hoy de Nostalgia TV viajará hasta las amenas tardes de Telecinco para hablaros de ‘Su media naranja’ un concurso que entretenía a la par que encogía (más aún hoy en día, con la perspectiva del paso del tiempo), por la innecesaria sinceridad de sus participantes. Cabecera en tres, dos, uno…

Exhibicionismo doméstico

‘Su media naranja’ era un concurso de tres parejas —conducido por el afable Jesús Puente— que se enfrentaban entre sí para demostrar que su matrimonio era el más compenetrado y el que se conocía mejor. Mediante una serie de preguntas de toda índole sobre su vida en pareja demostraban cuánto sabían el uno del otro. La mítica frase “Señores… al jardín” y aquella sintonía de gag erótico, precedía al tercer grado. Unos abandonaban el plató; sus parejas se quedaban en el “salón” y respondían a las preguntas de Jesús Puente, tratando de ponerse en la piel del otro y adivinar qué dirían; cuantas más coincidencias, más puntos.

Todo sería más o menos normal si no fuera porque el programa tendía a juguetear con el aspecto morboso. No se cortaban a la hora de interrogar sobre la vida sexual de aquellas parejas (aunque de una manera políticamente correcta) y el propio Jesús se avergonzaba más de una vez (aquellas ocasiones en las que le salía esa risa nerviosa “jo, jo, jo” que le caracterizaba). Llamadme exagerada, pero me parece más exhibicionista hablar de tus costumbres domésticas en televisión que salir a la calle completamente en bolas. Porque al fin y al cabo, la desnudez del cuerpo no tiene ningún misterio. Creo que es peor mostrar ante el mundo las “miserias” de tu matrimonio y lavar los trapos sucios en televisión. Vale, tampoco es que estuvieran al nivel de ‘Sálvame’; pero no puedo evitar recordar el programa con cierta vergüenza ajena.

Una fórmula que enganchó

La parte cómica del concurso venía con las desavenencias entre las parejas. Si las miradas matasen, más de uno habría caído fulminado en plató. Ahí es cuando se podía sondear la situación real de la pareja y quién llevaba los pantalones en casa. A veces fallar una pregunta parecía condenar a más de uno a dormir en el sofá. Claro que también había parejas muy unidas y que demostraban estar realmente conectados. De hecho, algunas permanecieron meses en el programa porque no había un dúo mejor avenido que ellos, como el matrimonio de Cáceres que llegó a estar 32 semanas y a llevarse cuatro millones y medio de las antiguas pesetas (el récord en seis años de programa).

Y el caso es que la fórmula triunfaba. El programa se emitió durante seis años (entre 1990 y 1996) haciendo una media de casi un 30% de cuota de pantalla llegando, incluso, a máximos del 42% (cierto que había menos donde elegir). A Jesús Puente le dieron un Ondas por su labor al frente del espacio durante cuatro años, que abandonó después para irse con su caravana del amor a Antena 3 y sustituir a Isabel Gemio en ‘Lo que necesitas es amor’, otra joya de nuestro archivo audiovisual. El puesto de Jesús Puente lo ocupó el cantante Tate Montoya, pero la verdad, no tengo ya ningún recuerdo de esta época (supongo que las reacciones de Puente eran mi aliciente para verlo).

Un formato adaptado

Como tantos otros programas de la época, ‘Su media naranja’ era el resultado de adaptar el formato americano ‘The Newlywed Game’, emitido originalmente en ABC (1966-1974). El programa sobrevivió después gracias a la sindicación y vive una segunda época de gloria desde 2009 en el canal Game Show Network. Y por lo visto la tendencia al morbo es más descarada que nunca. En su paso por GSN se han oído preguntas como “When your husband’s private space shuttle is looking for a landing area and the home planet is unavailable, would he rather dock between the twin mountains of Mars, in the jaws of Jupiter, or in the mysterious and desolate caverns of Uranus?”

España no fue el único país que hizo su propia versión; también los italianos (de los que copiamos la sintonía de apertura), los franceses o incluso los indonesios tuvieron su propio ‘Newlywed Game’. En nuestro país Boomerang TV no sólo adaptó el formato; también fue el responsable de crear una versión algo más moderna en 2006 con su ‘Tal para cual’ —esta vez en Antena 3— conducido por Anabel Alonso y que compartía mecánica con ‘Su media naranja’. Aunque, diez años después, aquello resultaba sin duda menos rancio (y, paradójicamente, con ello perdía la gracia).

Ficha Técnica: Su media naranja

Título Original: Su media naranja

Género: Concurso

Cadena: Telecinco (1990-1996)

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